Si crees que la música popular se ha vuelto cada vez más depresiva y rabiosa, no es solo tu imaginación, es ciencia.
Un análisis científico de las letras de las canciones populares de la década de 1950-2016, realizado por un estudiante y profesor de la Universidad Tecnológica de Lawrence, mostró que las letras de las canciones se han vuelto más tristes y enojadas desde la década de 1950.
El análisis, realizado por Kathleen Napier de Novi, Michigan, quien se graduó con una maestría en ciencias de la computación en mayo de 2018, y el profesor de ciencias de la computación Lior Shamir, mostró que los sentimientos como el disgusto y el miedo han aumentado con los años, mientras que las expresiones de alegría han disminuído.
“En los años más recientes, las personas prefieren canciones con letras más tristes y enojadas, que fueron mucho menos populares en los años 50 o 60“, dijo Shamir sobre el estudio.
Napier y Shamir analizaron las letras de más de 6,000 canciones del Billboard Hot 100 en cada año desde 1951 hasta el 2016, que es una lista de las 100 canciones más populares del año. Estalista reflejaría las preferencias de la población. Donde se clasifican según las mediciones de popularidad, como las ventas de discos y la transmisión de radio de una canción, con Indicadores como el streaming y las menciones en redes sociales de los últimos años.
El tono emocional expresada en cada canción, se analizaron mediante un proceso de análisis de asociación de cada palabra o frase con un conjunto de sentimientos y tonos que la palabra o frase expresa. Los sentimientos expresados en las canciones de cada año se promediaron, y el promedio de cada año determina si la expresión de ese sentimiento aumenta, disminuye o permanece constante a lo largo del tiempo.
El análisis mostró que la expresión de la ira en las letras de las canciones populares aumentó con el tiempo. La ira se expresó menos a mediados de la década de 1950 y aumentó gradualmente hasta el 2015 y 2016, que fueron los dos últimos años evaluados en el estudio. Mientras que durante 1950 se preferían canciones alegres.
Los investigadores señalaron que, el estudio cubría las canciones más populares de cada año, sin embargo no mostraba que la música había cambiado, sino que los gustos del público en la música habían cambiado.
Shamir dijo que el análisis automático de sentimientos es el más comúnmente utilizado por las empresas para analizar publicaciones de redes sociales y revisiones de satisfacción de clientes.
El Palacio de la Escuela de Medicina de la UNAM será el escenario de un espectáculo que combinará la actuación, la lectura de textos sobre el origen de la creación y la música de violín de Raquel Masmano Llobregat, para crear una atmósfera de reflexión en los espectadores.
La académica de la Facultad de Música (FaM) de la UNAM aseguró que Origen será una experiencia significativa, pues “llevará al espectador a reflexionar tanto sobre el origen del Universo como de su existencia en la Tierra, creará una catarsis y lo llevará a una meditación profunda sobre la vida”.
Origen, bajo la dirección de Francisco Hernández, se llevará a cabo el miércoles 30 de enero a las 19:00 horas. “El espectáculo será completamente gratuito para llevar a la cultura a otros niveles, para que descubran que se pueden enamorar del violín”, expresó Masmano Llobregat.
Refirió que será una función insólita y la gente saldrá sorprendida, “vivirán una experiencia introspectiva y se van a ir con más preguntas que respuestas”.
La Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (OFUNAM) deleitará al público con obras de Brahms, Beethoven y Stravinski el próximo sábado 26 de enero y domingo 27, como parte de su primera temporada del año.
El programa del sábado se desarrollará en la Sala Nezahualcóyotl, donde la OFUNAM ofrecerá a las 20:00 horas el concierto para piano número 2 y Sinfonía número 1 de Brahms, bajo la dirección artística de Massimo Quarta y Pietro de Maria al piano.
El mismo día, pero en la Sala “Carlos Chávez”, Vissi d´Arte Ensamble presentará a las 18:00 horas la Gala del Siglo XX, con Vissi d´Arte Ensamble, con obras de Stravinski, Poulenc y Ravel.
También el 26 de enero, en el Anfiteatro “Simón Bolívar”, la Academia de Música Antigua de la UNAM ejecutará obras de Johann Friedrich Fasch y Jean Baptista Lully a las 13:30 horas, con Roberto Rivadeneyra, director y violín.
El domingo 27, la OFUNAM, bajo la dirección artística de Massimo Quarta y Pietro de Maria al piano, deleitará con un concierto para piano número 2 y Sinfonía número 1 de Brahms, a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl.
El mismo día, aunque en la Sala Nezahualcóyotl, a las 18:00 horas la Orquesta Juvenil Universitaria “Ricardo Mata”, con la dirección artística de Gustavo Rivero Weber y Pietro de Maria al piano, ofrecerá el Concierto para piano número 2 de Chopin, Obertura Coriolano y Sinfonía número 4 de Beethoven.
Director: Jorge Cózatl, director Participantes: Juan Luis González, trompeta; Carlos Felipe Rosas, oboe barroco; Raquel Masmano, violín; Roberto Rivadeneyra, violín, Coro AMA-UNAM Programa: Stabat Mater de Agostino Steffani y Gloria de Antonio Vivaldi Lugar: Anfiteatro Simón Bolívar Fecha: Sábado 15 de diciembre de 2018 • 13:30 horas Precio: $50 con los descuentos habituales
La Academia de Música Antigua de la UNAM (AMA-UNAM) finaliza su Segunda Temporada de Conciertos con Honoris ad vitam. Música sacra italiana donde el ensamble barroco hará un breve recorrido por dos expresiones musicales que llevarán al público del dolor a la gloria. Interpretarán uno de los poemas medievales más importantes de la historia musical, el Stabat Mater. También se incluirá Gloria de Vivaldi, obra vocal sacra de carácter ceremonial donde cada pasaje del texto es un movimiento separado que logra la máxima variedad de tiempos, tonalidades, métricas, instrumentación, estilo y estados de ánimo.
La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) realiza su tercer programa de temporada en el marco del Festival Vértice. Experimentación y Vanguardia. Bajo la batuta de su director artístico, el ensamble universitario interpretará obras de Penderecki, Mendelssohn y realizará el estreno en nuestro país del Concierto Jade para flauta de Richard Galliano a cargo del flautista Massimo Mercelli como solista.
El Concierto Jade para flauta fue escrito por el acordeonista Richard Galliano para Massimo Mercelli. La obra se sumerge en un diálogo entre distintos idiomas instrumentales que incluyen el acordeón y la flauta. Mercelli fue nombrado primera flauta de la orquesta del Teatro La Fenice de Venecia a los 19 años. Ganó los Concursos Francesco Cilea, Jornadas Musicales y Stresa. Se ha presentado Nueva York, Múnich, Buenos Aires, Ámsterdam, Turín, Londres, Roma, Salzburgo, Berlín, Moscú, Praga y otras ciudades de China, México y otros países.
Festival Vértice. Experimentación y Vanguardia.
Este festival cuenta con una programación conformada por fenómenos culturales que se inscriben en las áreas de la literatura y las técnicas vocales expandidas, la música contemporánea, la danza y el teatro experimentales, así como en las plataformas transmedia. En esta edición, se traza una conexión con el pasado, revisitando géneros artísticos clásicos y resignificándolos por medio de artistas o de comisiones que obligan a pensar de nuevo los límites de lo establecido.
Sábado 27 de octubre de 2018 • 20 horas.
Domingo 28 de octubre de 2018 • 12 horas
Sala Nezahualcóyotl, Centro Cultural Universitario
La Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata de la UNAM y el compositor Aquiles Lázaro presentaron la obra Chimalli en la Sala Nezahualcóyotl.
“Es una obra para orquesta sinfónica completa, que escribí basado o inspirado en la escultura de gran formato monumental que inaugurara el escultor mexicano Sebastián en Chimalhuacán, estado de México”, expresó Lázaro.
Asimismo, señaló que en el proceso de creación de su obra tomó elementos representativos y poéticos del trabajo del escultor mexicano.
“En un plano distinto —subjetivo pero más importante— Chimalli es un homenaje personal al monumento y a la epopeya social que representa”.
Originario de Zacapoaxtla, Puebla, las composiciones de Aquiles Lázaro han sido interpretadas por ensambles musicales de Cuba, Canadá y Estados Unidos, y se han estrenado en la Fonoteca Nacional, la sala Carlos Chávez y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).
En 2016 ganó el Primer Concurso de Composición para Música Coral convocado por la UNAM Canadá. Ese mismo año fue seleccionado como becario de la Cátedra Extraordinaria Arturo Márquez de Composición Musical, y comisionado para la composición del himno del Festival Internacional de Coros Universitarios (FICORU).
Un estruendo es el efecto sonoro producido por una colisión y uno de sus efectos es que los elementos involucrados en el choque cambian de trayectoria, de manera que lo que antes se movía de manera predecible termina haciéndolo de formas inimaginadas. El festival internacional Estruendo Multilingüe busca provocar lo mismo al convocar a músicos que se asumen parte de comunidades originarias y crean piezas en su idioma materno o que se inspiran en su cultura. “En sus primeras ediciones hablábamos de música indígena contemporánea, pero a partir de esta (la quinta) preferimos el término música contemporánea en diversas lenguas”, señala Edgar Ruiz Garza, curador de este evento que tendrá lugar del jueves 18 al domingo 21 de octubre, en el Museo Universitario del Chopo.
Sobre por qué hacer esta precisión semántica, el antropólogo detalla que, “en primer lugar, porque no hay necesariamente una relación entre el uso de una lengua y el apego a lo que la cultura nacional define por ser indígena, y, en segundo, porque existen también proyectos que asumen una identidad étnica, aunque usen el español, pues aquí los artistas están en un proceso de recuperación de sus orígenes, un poco como quien recoge los retazos de su pasado para formar algo nuevo. Tal es el caso de muchas bandas de metal prehispánico o rock mexica en la periferia de la Ciudad de México”.
En este quinto festival, que tendrá lugar en el corazón de la Santa María La Ribera, será posible escuchar una fusión de jazz, balcan, blues y paranda, junto con instrumentos tradicionales percutidos o pulsados al ritmo del rap, mombatón, reggaetón o cumbia. En cuanto al multilingüismo habrá propuestas en tzeltal, español, purépecha y hñahñu, y música en lengua garífuna del caribe hondureño y Belice.
“Quienes intentan expresarse por estas vías lo hacen no sólo en las condiciones de precarización que implica el quehacer artístico en México, sino en aquellas que se dan de forma agravada en los pueblos, municipios, regiones, localidades periurbanas y contextos rurales del país, en donde no hace más de medio siglo no había tendido eléctrico y en las que, a veces, sólo el internet pirata posibilita la comunicación con el resto del mundo”.
De ahí la necesidad de abrir escaparates como Estruendo Multilingüe, un espacio que a decir de Ruiz Garza propone una paradoja: “Abogamos por la descentralización, pero lo hacemos en un museo del Centro de la capital. Sin embargo, esto no es un sinsentido, pues buscamos la visibilidad que esto nos brinda para, desde aquí, construir escenas y redes de colaboración en las regiones, los pueblos y las comunidades indígenas de México”.
A fin de cuentas —se plantea ya desde el nombre mismo del festival— esa es la cualidad principal de todo estruendo, acaparar miradas y volverse el centro de atención, sin importar lo que, desde lo convencional, nos han dicho que debe significar la palabra centro.
Propuestas que hacen ruido
Estruendo Multilingüe, en su edición 2018, es un festival internacional debido a la presencia deAurelio Martínez, cantante y guitarrista hondureño que presentará —el jueves 18 de octubre a las ocho de la noche— un set en homenaje a Andy Palacio, quien reimpulsó y difundió a nivel mundial la lengua garífuna, surgida de la diáspora africana en el Caribe y que se fusionó con otros idiomas originarios hasta conformar una identidad propia, a partir de la cual, desde hace más de tres décadas, se hace música contemporánea con base en el género parranda. Aurelio tocará con el grupo Garifuna Collective.
Al día siguiente, y en el mismo horario, actuará el Colectivo Membda, conjunto del Valle de Mezquital, Hidalgo, recién nominado como Mejor Lanzamiento Internacional en los Aboriginal Peoples’ Choice Music Awards 2018, que cada año se celebra en Winnipeg, Canadá. Este grupo ofrece una fusión de rap en hñahñu con una mixtura de cumbia, trap, hip-hop y mombatón. Su producción discográfica más reciente se titula Hin To’o Ngu Nuga (‘nadie como yo’) y está disponible en plataformas como Spotify. El Colectivo Membda contará con una colaboración en el escenario de Lengualerta, quien desde el rap ha hecho un trabajo notable de crítica social.
El sábado 20 de octubre, a las siete de la noche, Ikal Ajaw (‘Dios del Viento’), de Oxchuc, Chiapas, ofrecerá un set de heavy power metal en tzeltal. Este conjunto, formado hace ocho años, tiene una vasta experiencia en el circuito metalero de Los Altos de Chiapas. Ésta es una de las agrupaciones más representativas del denominado bats’i rock, junto con otras agrupaciones zoques y tsotsiles. Su producción más reciente es Xmuxuk’ Balumilal (centro de la tierra). Ikal Ajaw compartirá el foro con El Cuervo de Poe, de la Ciudad de México.
Para cerrar, procedentes de las comunidades de Tarejero, Tiríndaro, Téjaro y Sicuicho, y del Conservatorio de las Rosas y de la Escuela Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás Hidalgo, en Morelia, Eleven Project presenta su más reciente álbum Kétzekua Anapu (‘del barrio de abajo’), una fusión de música purépecha con jazz, blues, balkan, funk y ska. En este espectáculo colaborarán con Kevin García y Zindu Cano, de Ampersan, grupo que recién regresa de una gira por Europa y que define su sonido como etnorock, es decir, como una fusión de géneros e instrumentos tradicionales mexicanos con electrónica, jazz, rock e indie.
En busca de crear redes
Para Edgar Ruiz, haber llegado a la quinta edición obliga a un corte de caja. “Por el momento queda pendiente terminar un CD del tercer festival y no descartamos que de la experiencia de 2018 derive algún material bibliográfico o discográfico, aunque antes debemos evaluar si contamos con los recursos suficientes para ello”.
Lo que sí queda claro para el curador es que, a lo largo de estos años ha habido un proceso constante de aprendizaje y redefinición. “Uno de los objetivos es generar e intensificar vínculos entre escenas donde lo musical y lo lingüístico no deban plegarse a las pautas comerciales. Por ello, más que una amalgama de conciertos, Estruendo le apuesta al intercambio cultural y a los encuentros”.
A fin de tender puentes e iniciar diálogos, el grupo Eleven Project impartirá una clínica sobre la contemporaneidad musical purépecha y habrá otras dos sobre profesionalización, booking y gestión, mientras que Edgar Ruiz disertará sobre el tejido de redes colaborativas entre creadores en diversas lenguas. Estos eventos se realizarán a puerta cerrada, aunque el día del cierre, antes del recital de Eleven Project, habrá un conversatorio con todos los artistas del festival, al que sí podrá acceder el público interesado.
“El objetivo de la última actividad será hacer un balance en colectivo de la importancia de continuar los vínculos logrados y compartir vivencias, contextos y problemáticas, así como debatir sobre la manera de difundir el trabajo de los músicos en contextos distintos al del centro del país, en donde se concentran los espacios culturales, los recursos, los medios de comunicación y los foros. Será tiempo también de sembrar las semillas de futuras colaboraciones”.
El premio será entregado a Prieto en la ceremonia 58 de los Premios Anuales Musical America, que se realizará en el Carnegie Hall, en Nueva York, el 11 de diciembre.
Cuando en 2005 le ofrecieron tomar la batuta y dirección de la Orquesta Sinfónica de Minería (OSM), Carlos Miguel Prieto se enamoró de la idea, por ello no cree casual que fuera Romeo y Julieta, de Serguéi Prokófiev, la primera pieza que le tocara dirigir ya con este conjunto. “Aquel concierto tuvo lugar un 7 de agosto y ahí se anunció que, en 12 meses, yo estaría al frente de la OSM. Recuerdo esa presentación como una de las más emotivas”.
Han pasado ya dos sexenios y Prieto sigue tan entusiasmado con su tarea como aquel domingo. El primer recital de la OSM fue el 13 de julio de 1978 y en aquella ocasión se tocaron obras de Mozart, Hartmann y Shchedrin. Para conmemorar su natalicio la sinfónica revivió el Festival Mozart-Haydn, que llevaba una década en el silencio, e interpretó, del 7 de julio al 2 de septiembre, las nueve sinfonías de Beethoven, en recuerdo de aquella mítica temporada de 2007, cuando hizo lo mismo en la Sala Nezahualcóyotl en la que no cabía una persona más.
En entrevista para UNAM Global, Prieto comentó previo a los conciertos por el 40 aniversario de la OSM: “Como se ve, la selección es variada y resultado del diálogo, pues para no encerrarme en una torre de marfil procuro escuchar a los otros. Eso es útil pues en la música clásica siempre hay sectores muy conservadores y otro que son justo lo opuesto; es preciso mediar a fin de brindar algo interesante para cada tipo de oído”.
A decir de Prieto, una de las ventajas de la OSM es que cuenta con un público tan fiel que él ya es capaz de reconocer a algunos de los rostros dispersos entre la butaquería. “Quienes vienen están muy ligados a la música y a la comunidad de Ingeniería, pero no queremos estancarnos ahí, sino atraer a más personas. Nosotros tocamos en verano, que es cuando los estudiantes salen de vacaciones y por eso no acuden en demasía; uno de nuestros objetivos es revertir esa situación. Ése sería un muy buen regalo en nuestros 40 años: ver a más rostros jóvenes y nuevos en el auditorio”.
La orquesta que toca cuando nadie lo hace
A diferencia de la OFUNAM, que organiza conciertos todo el año, la OSM sólo ofrece funciones en verano y esto es algo deliberado: desde su nacimiento, en 1978, se decidió que, a fin de reclutar a los mejores músicos aprovecharían que en esos meses casi todas las filarmónicas descansan y, por lo mismo, sus integrantes pueden integrarse en otros proyectos sin problema. Por ello el crítico Juan Arturo Brennan llegó a describir a esta agrupación como “la orquesta que toca cuando nadie toca”.
Esto le ha abierto un espacio único en el circuito musical y en el calendario de la Ciudad de México, pues mientras los otros conjuntos hacen una pausa, ellos tienen siempre una función por ofrecer. Además, en estas cuatro décadas la OSM ha sabido hacer de sí misma una tradición y protagonizar momentos clave en la historia de la UNAM, como cuando interpretó el Aleluya de Haendel en 2007, ante una comunidad puma que, entre conmovida y perpleja, no podía ocultar su emoción tras enterarse de que Ciudad Universitaria había sido declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
No son pocos los capítulos sobresalientes de la orquesta. Por ejemplo, hace ocho años fue nominada a un premio Grammy por su grabación del Concierto para Violín y Orquesta de Erich Wolfgang Korngold, aunque a decir de Prieto, más que los premios y reconocimientos lo realmente valioso son los momentos en los que todo es perfecto y se logra una comunión entre la gente y la música.
“Si eligiera aquellos conciertos en los que la calidad y la emoción llegaron a un culmen citaría los de Dafnis y Cloe, de Maurice Ravel, o La consagración de la primavera, de Ígor Stravinski, ambos de la temporada pasada; o aquellos de 2007, cuando interpretamos las nueve sinfonías de Beethoven junto con piezas de Stravinski a fin de lograr un alto contraste. Tampoco puedo dejar fuera lo conseguido en 2010 y 2011, pues en esos dos ciclos logramos algo que no se había hecho jamás en México: tocar toda la obra de Mahler”.
Luces en el horizonte
La Orquesta Sinfónica de Minería no ha terminado de festejar y Carlos Miguel Prieto ya piensa en el futuro. “Una de las ventajas de este proyecto es su flexibilidad, y eso me permite visualizar escenarios en nuestro horizonte y proponer rumbos”.
Una iniciativa aún en el tintero es comisionar obras a compositores vivos no sólo para la sinfónica, sino para personas en específico, y uno de los nombres barajados hasta ahora es el de Gabriela Ortiz Torres, quien podría escribir una pieza de violín para la concertino de la OSM, Shari Mason López.
También me gustaría que Paquito de Rivera nos hiciera algo para saxofón, clarinete y trompeta, y que viniera a la UNAM a interpretarlo junto con Pacho Flores, o que la orquesta grabara partituras de compositores mexicanos como como el Concierto para violín de Carlos Chávez, inconseguibles en disco u otro formato, agregó.
“Uno de los proyectos que mayor ilusión nos causa es realizar una gira por Estados Unidos y Sudamérica; sin embargo, en este momento lo que queremos es llevar a buen puerto esta temporada del 40 aniversario. Los planes son muchos, pero siempre es difícil pensar a largo plazo cuando hay tanto por hacer en lo inmediato”.
Uno de los músicos más importantes de nuestro país en la primera mitad del siglo XX fue el pianista José Pomar, “no solamente por la calidad de sus obras, sino también porque se anticipó al lenguaje moderno que ya se venía gestando, fue uno de los primeros que incursionó en una nueva estética, en un nuevo lenguaje musical”, destacó el pianista Rodrigo Acevedo Traba.
En ese contexto, el pasante de la Facultad de Música de la UNAM extendió una invitación a aquellos interesados en la obra pianística de Pomar, pues dará un recital el próximo 19 de octubre a las 18:30 horas en la Sala Xochipilli de dicha entidad universitaria.
La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) comienza su Tercera Temporada 2018 con un programa que incluye obras de Márquez, Pärt y Nielsen. Contará con la dirección huésped de Ludwig Carrasco, la participación solista del pianista Erik Cortés y el Coro Polifónico del Estado de México.
Ludwig Carrasco se ha presentado como director con numerosas orquestas mexicanas, incluidas la Orquesta Sinfónica Nacional, Sinfónica de Xalapa, Filarmónica de Boca del Río y la Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Inició sus estudios musicales en México, posteriormente en Alemania, Austria, España, Estados Unidos, Francia, Italia y Suiza. Desde febrero de este año es director titular de la Orquesta Filarmónica de Querétaro.
Erik Cortés Alcántara es graduado de la Escuela Nacional de Música de la UNAM, además realizó estudios de licenciatura en Jazz con especialidad en Piano en la Escuela Superior de Música del INBA. Ha obtenido primeros lugares en los concursos de Piano y Música de Cámara de la Facultad de Música. Actualmente se desempeña como profesor de piano en la Facultad de Música de la UNAM y es integrante del grupo de Concertistas de Bellas Artes del INBA.
Sábado 06 de octubre de 2018 • 20 horas.
Domingo 07 de octubre de 2018 • 12 horas
Sala Nezahualcóyotl, Centro Cultural Universitario
Fernando Saint Martin de Maria y Campos, director general de Música de la UNAM, platicó con UNAM Global sobre el proceso de la primera edición del Premio Internacional de Dirección de Orquesta OFUNAM Ciudad de México 2018, que en un principio contó con 11 participantes, y en esta segunda ronda, con cuatro: Rodolfo Barráez (Venezuela), Jorge Vázquez (México), François López-Ferrer (Estados Unidos-España) y Jiajing Lai (China).
El ganador del primer lugar se llevará un premio económico y tendrá, durante dos años, la oportunidad de colaborar con las 20 orquestas asociadas a la OFUNAM. Fernando Saint Martin destacó que esto implica una gran oportunidad para la carrera de un director de orquesta.
Aseguró que la existencia de este tipo de concursos es importante para el desarrollo de los participantes, porque implica una gran preparación y crecimiento personal. Además, la presencia de un jurado internacional impulsa a los participantes a prepararse constantemente, y aunque no pasen a la siguiente ronda tienen la posibilidad de recibir retroalimentación del jurado.
Asimismo, el director de Música resaltó que a través de este concurso se espera despertar el interés en la dirección orquestal y aumentar la proyección internacional de la OFUNAM, y con esto, el repertorio mexicano. Por esta razón, se incluyó en las distintas etapas una obra obligatoria de la música mexicana.
El concurso está abierto en todas sus etapas al público en general y se realiza en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario. La semifinal concluirá el próximo viernes 21 (de 8:00 a 12.00), sábado 22 (de 8 a 12.00) y domingo 23. La final del concurso será en modo de concierto (10:00 a 13:30, 16:00 a 19:00).
A 38 años de la desintegración de Led Zeppelin, su música ha demostrado ser una de las más influyentes en el género rock, “pese a que estuvieron poco más de 10 años juntos, su trabajo musical fue de gran influencia, en aquellos años, los 70, se empezaba a experimentar con las distorsiones y crearon una manera peculiar de interpretar y hacer música que, sin duda, ha influido en la creación de nuevos géneros”, afirmó Fernando Cruz Quintana, profesor de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM.
Para el también músico y bajista de Los Escarlata, Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rocanrol, el soul, la música celta, la música hindú, el folk e incluso el country.
La interpretación de su fundador, el guitarrista Jimmy Page, era atípica y virtuosa, “son pioneros en la creatividad de aquellos años, fueron arriesgados en la forma de hacer música con mucha energía, su guitarra es característica y la interpretación de Robert Plant ha influido en el rock de todos los tiempos y se ha convertido en un referente”.
Refirió que la banda se caracterizó por sus presentaciones en vivo. John Paul Jones (bajista y teclista) y John Bonham (batería) fueron creativos y arriesgados porque empezaron a hacer cosas que no se habían hecho antes, por ello, dejaron una huella en la improvisación.
Su producción musical fue amplia, 10 álbumes, en los doce años que estuvieron juntos. Los británicos fueron reconocidos en todo el mundo, por lo que elegir una canción o álbum resulta difícil.
Finalmente, Cruz Quintana acotó que Led Zeppelin no se apegó a los lineamientos de la industria musical en el caso de los sencillos, “siempre se negaron a sacar sencillos, todas sus canciones las estrenaron en álbumes completos, estuvieron en el top de ventas y será recordada como una de las bandas más grandes en la historia del rock”.
Ameyalli Aguilar Guerrero, flautista de la UNAM, agradeció a todos sus amigos, familiares y a todos los que la ayudaron a conseguir fondos para viajar Niza, Francia, para perfeccionar la técnica de la flauta transversa. Exhortó a otros estudiantes a que no se frustren si no obtienen una beca o algún apoyo, siempre hay un plan B para cumplir los sueños.
La recaudación de fondos duró varios meses e inició con la venta de garaje, fondeadora en internet y seis presentaciones, las cuales no hubieran sido posibles sin el apoyo de sus amigos Brenda y Rodrigo, también estudiantes de la Facultad de Música de la UNAM.
“Es una gran amiga y ejemplo de perseverancia”, afirmó Brenda. En tanto, Rodrigo ayudó porque además de ser su amiga la considera una de las mejores flautistas mexicanas.
La Academia de Música Antigua de la UNAM —AMA-UNAM, la primera en su tipo creada por una institución de educación superior en México— se fundó en 2017 con el objetivo de impulsar la formación académica y artística a nivel profesional de jóvenes especialistas en música de los siglos XVII y XVIII. Este proyecto de la Dirección General de Música se suma al esfuerzo de la comunidad en México de músicos, académicos y fabricantes de instrumentos, interesados en la investigación y divulgación de la música antigua, con la intención de difundirla.
En 2017, los integrantes tomaron clases magistrales con el ensamble Los Temperamentos de Bremen, Vincent Dumestre (director de Le Poème Harmonique) y Les Siècles. En su primera presentación, el director de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca, Bernardo García-Bernalt, trabajó con la AMA-UNAM en un repertorio de música salmantina del siglo XVIII, en colaboración con el violinista y director Pedro Gandía, la mezzosoprano Martha Infante y el continuista Carlos García-Bernalt. Posteriormente, el conjunto tocó bajo la dirección de Raúl Moncada, Michael Form, Horacio Franco y Jorge Cózatl.
Con 14 becarios menores de 29 años, el ensamble cuenta con tres violines primeros, tres violines segundos, dos violas, dos violonchelos, un contrabajo y una tiorba, así como dos clavecinistas y organistas. Además, la reciente integración de 12 cantantes permitirá a la AMA-UNAM abordar repertorio vocal. Inspirado en el modelo de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata de la UNAM, el proyecto pretende la formación artística-escénica, personal y académica de los jóvenes músicos. Está bajo la coordinación artística de Jorge Cózatl y cuenta con un consejo asesor integrado por Eunice Padilla, Horacio Franco y Raúl Moncada. Asimismo, varios preparadores musicales, especialistas en música barroca y con experiencia docente, se encargan de supervisar el aprendizaje y perfeccionamiento técnico y estilístico de los becarios: Eloy Cruz, Luis Reyes Tico, Rafael Cárdenas, Rafael Sánchez, Raquel Masmano, Ramsés Juárez, Raúl Moncada y Roberto Rivadeneyra.
En su primera etapa, utiliza instrumentos modernos, pero con cuerdas de tripa, como se usaba en el barroco. Se espera que al avanzar el proyecto, la orquesta incluya instrumentos elaborados especialmente para interpretar música antigua, como alientos y metales.
Aretha Franklin, una de las voces más privilegiadas de la música, murió este jueves a los 76 años en su casa de Detroit, según informó su representante a la agencia de noticias AP.
Nació un 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee, una pequeña ciudad de Estados Unidos.
Desde pequeña demostró gran habilidad vocal al cantar en el coro de la iglesia donde oficiaba su padre, el reverendo C.L. Franklin.
Aretha grabó su primera producción discográfica a los 15 años, después de una lucha entre Motown y Columbia Records por su talento. Al final, ganó la segunda.
Su carrera despegó hasta que llegó a las filas de Atlantic Records, donde su voz dio nuevos matices a la música soul, a diferencia de las piezas de corte pop grabadas en Columbia.
Durante los 60, Aretha se convirtió en una de las cantantes más populares del mundo y en rostro de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos. Entre 1967 y 1968, 10 de sus interpretaciones obtuvieron el primer lugar en las listas de popularidad.
En los 70 colaboró con artistas como Stevie Wonder, James Cleveland y Clive Davis. Además de convertir en éxitos canciones de los Beatles, Simon and Garfunkel o Sam Cooke.
La música de Aretha también tuvo un largo romance con el cine, muchas de sus canciones se usaron en la banda sonora de varias películas. Asimismo, la intérprete apareció a cuadro en la cinta The Blues Brothers, donde encarnó a la inolvidable Mrs Murphy.
Su último trabajo de estudio, Aretha Franklin Sings The Great Diva Classics, fue publicado en 2014, y en este año anunció su retiro de los escenarios.
Pertenece al Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1987, lo que le valió ser la primera mujer en recibir dicho reconocimiento.
José Raúl Hellmer Pinkham (1913-1971), conocido como “Jarocho de Filadelfia”, fue precursor de la difusión musical mexicana. Produjo en 1966 Folclor Mexicano para Radio UNAM, serie constituida por 96 programas, algunos se encuentran en la sección podcast[1] de la página www.radio.unam.mx.
La presencia de los pueblos indígenas en la sociedad mexicana está presente en la participación de sus jóvenes, quienes, orgullosos de sus raíces, interpretan y realizan nuevas aportaciones musicales. Entre ellos, se encuentra la Banda de Música de los Pueblos Indígenas de la UNAM, creada por el Sistema de Becas para Estudiantes de Pueblos Indígenas y Afrodescendientes (SBEI). La agrupación conformada por 40 alumnos de la Facultad de Música, comparte sus tradiciones con el uso de instrumentos de viento.
Otros han optado por cantar, como Edith Ortiz, “La Alondra Mixteca”, quien lo hace en seis lenguas originales con la finalidad de promoverlas y motivar a los jóvenes indígenas a no avergonzarse y mantener viva su lengua materna.
Hay quienes prefieren componer. Tal es el caso de Eduardo Ángel Aguilar, becario zapoteca de la UNAM, quien ganó en noviembre de 2017, el primer Concurso de Composición Arturo Márquez para Orquesta de Cámara, convocado por la Secretaría de Cultura y la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).
Así, hay muchos jóvenes que, con su dedicación y talento, consiguen remontar al oyente a sus orígenes y mueven sus emociones mediante diversos géneros musicales, como chilenas, huapangos, ópera, metal, rock, rap y hip-hop, entre otros.
Sin duda, el que la UNAM abra espacios para la apreciación de estos tipos de música, como el programa Xochikozkatl, Collar de flores (Radio UNAM), así como el Museo Universitario del Chopo y Las Islas de Ciudad Universitaria para la realización de eventos, permite la revaloración de la cultura indígena.
[1] archivo en medio digital ya sea en audio o video
Orgullo por todos sus alumnos al dar su máximo esfuerzo y verlos triunfar es el sentimiento de Miguel Ángel Villanueva, flautista y catedrático en la Facultad de Música de la UNAM.
Para el académico universitario, uno de los más importantes generadores y promotores de música a nivel mundial, lo más valioso de los estudiantes es la actitud que tengan, “yo sólo les doy herramientas para que puedan seguir”.
Las clases en la Facultad de Música son grupales, de tres o cuatro instrumentistas, y éstos egresan con una preparación de excelencia. A pesar de que en México las posibilidades para los músicos se abren a cuentagotas, espera que pronto, como hacen países europeos, se lucre con la cultura. “Eso lleva a que se tengan más posibilidades e infraestructura”.
Hacer música es su sueño
Víctor, flautista de la Facultad de Música, refirió que el gusto por la música lo adquirió en casa, pues su madre lo acercó a ese instrumento de viento. Para el joven, la música es disciplina y pasión, “hay que ser constante e implica muchos sacrificios en la época de formación”.
Hacer música y ser solista es su sueño, para lograrlo estudia y ensaya, aunque sabe bien del gran compromiso y satisfacción que es tocar en una orquesta, “somos el eslabón que comunica al compositor con el público”, finalizó.
En el marco de la celebración por los 10 años del Coro Filarmónico Universitario de la UNAM, los días 27 y 29 de julio en la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli, el ensamble interpretará dos composiciones corales: la Novena Sinfonía, de Ludwig van Beethoven, y Nänie, de Johannes Brahms.
En ese contexto, Juan Carlos Yustis Rubio, responsable del área de fotografía y diseño gráfico del Instituto de Astronomía de la UNAM, apuntó que el nacimiento del Coro Filarmónico Universitario fue impulsado por el exrector José Narro Robles, y respondió a la inquietud de dotar a la Máxima Casa de Estudios de un coro sinfónico que hasta ese momento no existía.
“Esencialmente está formado por estudiantes, trabajadores, maestros, investigadores y hasta directores de institutos”, detalló Yustis Rubio.
El también fundador del ensamble coral universitario observó que en estos tiempos de convulsión política, la Novena Sinfonía de Beethoven es “un gran canto a la solidaridad, a la hermandad que tanta falta nos hace en este México dividido ahora, y llenarnos el corazón, las venas con este flujo de reconciliación de hermanos, es un canto a la hermandad esencialmente”.
La Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) finaliza los conciertos de su segunda temporada, con la guía del director francés Sylvain Gasançon. En dicho programa serán interpretadas obras de Wagner y Korngold.
Sylvain Gasançon nació en Metz, Francia y comenzó estudios musicales como violinista a la edad de cinco años. Dio sus primeros conciertos a temprana edad y prosiguió su aprendizaje en el Conservatorio Real de Bruselas. Estudió dirección de orquesta con Jean-Sébastien Béreau, Gerhard Markson, Gianluigi Gelmetti, Jorma Panula y Pinchas Zukerman. Se graduó del Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió armonía, fuga, contrapunto, análisis y orquestación.
Ha dirigido numerosas orquestas, entre las que se encuentran la Cámara de Lausana, la del Centro Nacional de las Artes de Ottawa, la Estatal de San Petersburgo y la del Festival de Sofía. Tiene una relación muy estrecha con el continente sudamericano, donde ha trabajado con la Filarmónica de Buenos Aires y la Filarmónica de Bogotá. En México ha estado al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), la Orquesta Sinfónica de Minería y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes.
Sábado 23 de junio, 20 horas
Domingo 24 de junio, 12 horas
Sala Nezahualcóyotl, Centro Cultural Universitario, Ciudad Universitaria.
