Mes: noviembre 2021

San Ildefonso presenta el micrositio 1521. La conquista de México en el arte y los murales de San Ildefonso

Posted on by Beto Torres
El Colegio de San Ildefonso, a través de sus instituciones mandantes, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Gobierno de la Ciudad de México a través de su Secretaría de Cultura presentó este jueves 18 al mediodía, como parte del Programa México 500 de la UNAM el micrositio 1521. La Conquista de México en el arte y los murales de San Ildefonso, reflexión colectiva en torno al hecho fundacional de la nación mexicana, y a sus repercusiones hasta nuestros días, en que desde la perspectiva crítica de las ideas estéticas e históricas se muestran textos e iconografía que propician una lectura documentada de lo acontecido a partir de ese momento en nuestra nación.
En sesión virtual transmitida desde las redes oficiales del Colegio de San Ildefonso, su Coordinador Ejecutivo, Eduardo Vázquez Martín se refirió a las principales aportaciones de este esfuerzo digital, repositorio crítico de ideas en torno al arte y la conquista, que tiene como punto de arranque el libro 1521. La Conquista de México en el arte coeditado por Ediciones El Equilibrista y la UNAM:
“Hemos partido de ese libro para presentar un micrositio, un espacio abierto al público, de acceso gratuito, aunque las propias características del medio permiten ir más allá, hacemos sobre todo esa línea histórica o guion, con el acervo del propio Colegio de San Ildefonso, con la lectura que San Ildefonso hace, que no sólo termine en sus muros, sino que es una invitación a los artistas que participaron en este proceso, a continuar esa conversación y reflexión histórica en las artes.”
Se refirió asimismo, al proceso que decanta el muralismo mexicano surgido en los espacios del Colegio: “Una parte fundamental del tema del muralismo ,es que hace cien años ocurrió la fundación de la Secretaría de Educación Pública y el nombramiento de José Vasconcelos como su titular; en 2022 se cumplen cien años de los murales de San ildefonso y del nacimiento de ese muralismo y desde entonces el recinto sido un espacio de reflexión de la historia de México”, abundó Vázquez Martín.
El análisis que emprende desde múltiples aristas este espacio virtual, tiene como antecedente el libro referido, publicado por la UNAM y Ediciones El Equilibrista, que propició un Coloquio del mismo nombre, celebrado virtualmente entre agosto y septiembre de 2021. La reflexión colectiva dio pauta a que se tocaran algunos temas no contenidos originalmente en el libro, por lo que se amplió la discusión hacia el debate actual en el arte contemporáneo a través del micrositio.
En su oportunidad, la editora Sara Afonso comentó: “El arte es un espejo de épocas, visiones e ideologías diferentes. Ha sido de las instrumentalizado para contar, para construir la idea nacional de manera diferente… entonces, lo que se elogia en una época. se critica en la siguiente, lo que se enaltece en una época o se pone el foco, es muy interesante observar esa evolución y ese discurso que va cambiando de acuerdo a como van cambiando las mentalidades y como van cambiando los objetivos de las expresiones artísticas”.
El coordinador del libro y del Coloquio que forman parte sustancial del proyecto, Alejandro Salafranca Vázquez comentó: “Este debate profundo y serio sobre cómo el arte ha mirado este fenómeno tan disruptivo, tan trascendente, que fue la incorporación violenta de Mesoamérica a la cultura occidental y la ecumene occidental, esta reflexión enorme, que haya quedado plasmada en una forma tan duradera como su expresión en papel, su expresión en el coloquio y la versión virtual como es este micrositio, es de celebrarse.”
La Coordinadora de Exposiciones del Colegio de San Ildefonso, Carmen Tostado, quien coordinó los equipos de trabajo para el micrositio, realizó un recorrido virtual —antecedido por la participación de Yunuén Sariego y Santiago Robles, quienes participaron asimismo en la gestación y la reflexión artística del mismo—.
Durante el mismo, destacó que la navegación no solamente sea vertical, como regularmente encontramos en los repositorios digitales, sino también de manera horizontal, aludiendo desde la innovación del diseño gráfico a los códices que narraron el mundo prehispánico, y a la manera en que fueron registrados episodios del pasado por los tlacuilos, códices que hoy forman parte del patrimonio cultural de México y que son citados muy puntualmente en el sitio:
“Este micrositio es una especie como de matrushka rusa, es un espacio que contiene muchas historias dentro de otras historias. Entonces, para empezar, hemos partido de este libro que tiene una dimensión histórica profunda”, señalando más adelante los tres espacios virtuales que abarca: La conquista de México en el arte, Los murales de San Ildefonso y el Coloquio realizado en agosto y septiembre de este año.
Hace cinco siglos, la Conquista de México y la destrucción de Tenochtitlan representaron un cambio de paradigma que hasta la fecha sigue suscitando innumerables reflexiones en diferentes áreas del conocimiento, en las que el arte ha jugado un papel especial en el modo de representar el impacto del choque cultural y sus muchos significados. El Colegio de San Ildefonso, a través de este micrositio abre el debate crítico y recorre las múltiples lecturas que se han hecho de este acontecimiento a través de murales y pinturas a lo largo del tiempo. El micrositio 1521. La Conquista de México en el arte y los murales de San Ildefonso, puede ser visitado en la siguiente liga: sanildefonso.org.mx/expos/1521/
Visítenos de jueves a domingo
Si te cuidas tú, nos cuidamos todxs, planea tu visita consultando las medidas de prevención sanitaria que deben observarse en el Colegio de San Ildefonso.
Colegio de San Ildefonso
Justo Sierra 16, Centro Histórico de la Ciudad de México, CP. 06020
Ingreso temporal por la calle de San Ildefonso No. 33.
Horario temporal: viernes a domingos de 11:30 a 17:00 horas.
Admisión con estrictas medidas de prevención sanitaria: $50.00 público general.
Domingo entrada libre
50% de descuento a estudiantes y maestros con credencial vigente.
Entrada gratuita: Niñxs menores de 12 años, personas adultas mayores con credencial INAPAM, Programa de Membresías de San Ildefonso y Prepa SÍ (CDMX).

Televisión, clave para comprender a la sociedad actual

Posted on by Pepe Herrera


Con más de siete décadas de múltiples roles, funciones, críticas y atribuciones, la televisión se redefine ante el espectro comercial digital que le ha restado sus audiencias; sin embargo, seguirá encendida por más tiempo, como medio clave para comprender a la sociedad actual, afirma la académica de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales (FCPyS) de la UNAM, Luz María Garay Cruz.

La especialista en temas relacionados con la comunicación educativa, agrega: “la televisión no desaparecerá. Simplemente en México hay más de 30 millones de personas que no tienen acceso a internet, que se siguen informando, entreteniendo a través de ésta, que les convoca un evento deportivo, un partido de futbol, por ejemplo”.

Según el informe Disponibilidad de TIC en los hogares “Cuéntame de México”, del INEGI, en 2020 el 91 por ciento de las casas contaban con un televisor; en 2010 la cifra alcanzó 93 por ciento.

Asimismo, en 2020, 43 por ciento de las viviendas disponía de televisión de paga y 19 por ciento con servicio de películas, música o videos con costo o por internet (streaming).

No todo mundo puede pagar las plataformas digitales, y en ese sentido este medio de comunicación aún tiene una larga vida; no obstante, ha realizado ajustes para sobrevivir porque sus audiencias cada vez son menos fieles a un solo medio o formato, abundó.

Si pensamos en ella como el aparato que encendemos con los canales abiertos, está pasándola mal en cuanto a contenidos que puede ofrecer, menciona la también expresidenta de la Asociación Mexicana de Investigadores de la Comunicación, en ocasión del Día Mundial de la Televisión, que se conmemora el 21 de noviembre.

“En las grandes televisoras al parecer, hay crisis financieras y una carga de producción de revistas matutinas y noticias, pero esa gran industria de la telenovela ha venido a la baja, por eso vemos retransmisiones o refritos de las mismas historias, provocado por el embate de todos los servicios a la carta digitales y, por supuesto, de la televisión en plataforma”, considera la académica de la FCPyS.

Garay Cruz, además profesora-investigadora de la Universidad Pedagógica Nacional, externa que se habla de empresas productoras y distribuidoras de contenidos, a través de plataformas que implican pensar en otro tipo de industria, en donde entra de por medio la conectividad a internet, con un mercado de más de 80 millones de usuarios, aunque eso no significa que todos consuman contenidos de este tipo.

“La televisión ha estado por momentos agónica, pero ha encontrado nuevamente la manera de recolocarse en esos escenarios digitales para no perder a su audiencia más fuerte; entendieron que para allá se ha movido una parte de sus audiencias y que es la tendencia de los medios”, argumenta la universitaria.

Otros canales

Luz María Garay expresa además que no debemos denostarla como agente educativo, porque es una parte de las representaciones sociales mediante la cual mucha gente logra cierto aprendizaje, aun cuando su intención y materiales no sean educar, sino entretener, informar y lucrar.

“Aun no teniendo la intención de formar, se concreta; promueve ciertas prácticas, reproducen roles y representaciones que finalmente son insumos que nos llegan a las audiencias y, a partir de esos contenidos, nosotros vamos mediando”, precisa.

La televisión abierta requiere refrescar sus contenidos, replantearlos para que puedan ser consumidos por las audiencias en la vieja TV y en otras plataformas.

“Por ejemplo, tenemos el caso de la estrategia del actual presidente de México. Al transmitir su conferencia matutina por televisión abre un espacio también a otros representantes de medios que no son los de las grandes televisoras, algunos ‘youtubers’, y eso ha reconfigurado la agenda mediática misma; es decir, se ha marcado una agenda que ya no es la de las empresas televisivas necesariamente”, acota.

De acuerdo con el “Reporte trimestral de audiencias de Radio y TV con perspectiva de género”, correspondiente a enero-marzo de 2021, del Instituto Federal de Telecomunicaciones (IFETEL), durante el periodo señalado la exposición al televisor a nivel nacional (28 ciudades representativas del país), por parte de la audiencia femenina fue 11.18 por ciento más alta que lo registrado por el segmento masculino.

De lunes a viernes el consumo televisivo de ellas en general fue 14.86 por ciento mayor que el de los varones. Ambos, de 45 años o más, registraron el porcentaje más alto de exposición en los fines de semana.

Las mujeres de 45 años o más dieron prioridad a los canales nacionales, los cuales representaron 44.27 por ciento de su consumo. Por el contrario, destacó el caso de los hombres de 18 a 24 años, quienes dedican 42 minutos menos que el total de los televidentes.

La Filmoteca de la UNAM presenta la 70 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

Posted on by Beto Torres
La Dirección General de Actividades Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México, Filmoteca UNAM, recibe nuevamente a la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca en su edición 70, que se llevará a cabo del 19 de noviembre al 8 de diciembre del 2021.
La Filmoteca de la UNAM ha sido sede histórica de la Muestra Internacional de Cine y, ahora, después de más de un año y medio de trabajo en línea, regresa con sus salas Julio Bracho y José Revueltas del Centro Cultural Universitario para recibir de manera presencial y con todas las medidas sanitarias la edición 2021 de este banquete fílmico.
Entre la oferta cinematográfica de esta edición se incluirá la copia restaurada por la Cineteca Nacional de La sombra del caudillo (1960) del director Julio Bracho, que será proyectada en la sala que lleva su nombre (Sala Julio Bracho).
La película estará acompañada del cortometraje documental IV Muestra Internacional de Cine realizado por Tony Sbert en torno a la Muestra de 1974. Este corto cuenta con los testimonios de los actores Enrique Novi y Sonia Furió, entre otros, donde se aprecia el desaparecido Cine Roble y las largas filas que hacían cientos de capitalinos para ingresar a las funciones.
La 70 Muestra Internacional de Cine está integrada, entre otros títulos, por la última película de los cineastas mexico-uruguayos Rodrigo Plá y Laura Santullom, El otro Tom (2021); la del chileno Jorge Riquelme Serrano, Algunas bestias (2019) o la ópera prima de la joven directora francesa de 20 años Suzanne Lindon, quien también protagoniza la película: Primavera en París (2020).
Asimismo, se podrán apreciar películas provenientes de Francia, Alemania, Chile, Irán, Líbano, y la ganadora del Premio del Jurado (ex aequo) en el Festival de Cannes 2021, Memoria (2021), del tailandés Apichatpong Weerasethakul.
Otra imperdible de esta edición será la oportunidad de ver en pantalla grande, en una copia digital restaurada por la Mosfilm, la aclamada película El Espejo (1975) del cineasta ruso Andrey Tarkovski.
Las salas Julio Bracho y José Revueltas se ubican en Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria. El costo del boleto es de $40.00 general y $20.00 para Comunidad UNAM, Sistema incorporado e INAPAM.

KNM Berlin, ensamble de música contemporánea visita Casa del Lago UNAM para presentar el proyecto MUSIC FOR… Un bosque. Sitios y audiencia específicos

Posted on by Beto Torres
Luego de casi dos años de mantener su programación de manera digital, Casa del Lago UNAM regresa a las actividades presenciales con la serie de proyectos MUSIC FOR…, desarrollada por el Ensemble KNM Berlin durante la pandemia de 2020-21 y pensada en diversas cualidades de espacios, lugares y ciudades que se diferencian en términos de tamaño, accesibilidad y condiciones acústicas.
La inspiración de este proyecto nace de la composición de John Cage, titulada Music for, 1984/87. Esta obra tiene la característica de dejar abierto el número de participantes en las obras sonoras. Por ejemplo, Music for 4, Music for 12, Music for 9, etc. Para esta pieza, Cage utiliza paréntesis de tiempo para estructurar la secuencia temporal.
Por otro lado, el compositor Morton Feldman también utilizó con frecuencia la preposición FOR para titular su serie de obras dedicadas a artistas como homenaje, solo por mencionar algunas: For Rothko Chapel (1971), For Samuel Beckett (1987), For John Cage (1982), For Philip Guston (1984), entre muchas otras. A diferencia de Cage, el título se refiere a una personalidad concreta y plantea preguntas sobre la relación con esa persona.
Es así como surge el proyecto MUSIC FOR, enfocado en contextos concretos de ejecución. Es decir, la cuestión del lugar concreto, el espacio, sus connotaciones y el entorno social: el público y la relación con el oyente. En palabras de Thomas Burns, director de KNM Berlin, “La relación con el público ha cambiado mucho en los últimos tiempos, especialmente en las condiciones de la pandemia.
Este proyecto responde, entonces, a todas estas cuestiones presentando MUSIC FOR en cuatro partes.
MUSIC FOR a room
MUSIC FOR a house
MUSIC FOR a park
MUSIC FOR a street  
Cuatro cualidades distintas de lugares que difieren en cuanto a su tamaño, accesibilidad, apertura y condiciones acústicas. Cuatro personajes diferentes con los que queremos entablar un diálogo”.
El módulo MUSIC FOR a room, está diseñado para un solo intérprete y un oyente, mientras que MUSIC FOR a park se mueve en el otro extremo de la escala de accesibilidad – apertura. Ambos han sido presentados previamente en Berlín, Alemania, el primero de ellos con los artistas mexicanos: Leslie García y Hugo Esquinca, expuestos durante  10 días en dos salas diferentes pero adyacentes, y el segundo, desarrollado por la compositora Ana María Rodríguez en un antiguo estacionamiento que está siendo recuperado poco a poco por la naturaleza y que ahora ofrece una zona semiverde en una zona industrial.
Ambos proyectos fueron replicados de manera digital a través de las redes sociales de Casa del Lago UNAM.
En Casa del Lago UNAM, toca el turno a MUSIC FOR… Un bosque, que por su ubicación es un espacio único, combinando el Espacio Sonoro y el Foro Alicia Urreta en un recorrido musical de tres horas.
El programa que se presenta el viernes 26 y el sábado 27 de noviembre de 3 a 6 pm, está integrado por las frases de texto de la partitura verbal de Julio Estrada “Solo para uno” rociadas como graffiti en el piso de la rotonda de Casa del Lago UNAM, y hace una invitación a la audiencia a escuchar su mundo interior y exterior durante todo el fin de semana. La pieza de Ana María Rodríguez en la naturaleza solo son formas, conecta los distintos espacios de este recinto, en principio con una instalación de concierto para diecinueve gongs y músicos en vivo en el Espacio Sonoro y un trabajo de video para el escenario del Foro Alicia Urreta.
A las 4 pm, solo en la naturaleza son formas se transforma en una instalación audiovisual y brinda la oportunidad de descubrir la nueva composición de video y audio de la mexicana Leslie García con la obra La distancia mínima entre gestos en el escenario del Foro Alicia Urreta. Paralelamente, los músicos del Ensemble KNM Berlin interpretan la partitura verbal solo para uno de Julio Estrada en el Foro antes mencionado, seguido de la interpretación para cuatro voces de Esercizio di pazzia II de Francesco Filidei, en la terraza de Casa del Lago UNAM.
En punto de las 5 pm, la instalación de Rodríguez cambia nuevamente en una actuación con músicos, tanto alemanes como mexicanos que forman parte de este ensamble e invitan a la audiencia al Espacio Sonoro para concluir esta jornada de música contemporánea realizada especialmente para la arquitectura y el entorno de Casa del Lago UNAM.

Eclipse parcial de Luna, el más extenso de los últimos 500 años

Posted on by Pepe Herrera

El fenómeno astronómico iniciará en las primeras horas del 19 de noviembre y durará aproximadamente 6 horas; será posible apreciarlo en Norte América

Durante las primeras horas del 19 de noviembre la Luna, el Sol y nuestro planeta se alinearán provocando un eclipse parcial de Luna que durará cerca de 6 horas, convirtiéndolo en el fenómeno astronómico de su tipo de más duración en 500 años.

Se calcula que en total durará 6 horas con dos minutos –desde el momento en que la Luna entra en la penumbra de la Tierra, hasta el momento en que sale –, el más largo registrado desde el 18 de febrero de 1440. El próximo eclipse con una duración similar se dará hasta el 8 de febrero de 2669.

La duración del eclipse parcial de Luna se debe a que el punto máximo del fenómeno se producirá unas 41 horas antes de que nuestro satélite alcance el punto más alejado de la Tierra en su trayectoria. Esta lejanía significa que la Luna tarda más tiempo viajando a lo largo de su órbita, provocando un tránsito más lento al atravesar la sombra de la Tierra.

Como punto de comparación, el eclipse total del 26 de mayo del 2021 duró una hora menos porque sucedió 9 horas pasado el perigeo, el punto más cercano a la Tierra en la órbita de la Luna.

CON MATERNAR. ENTRE EL SÍNDROME DE ESTOCOLMO Y LOS ACTOS DE PRODUCCIÓN, EL MUAC PRESENTA LA ENORME POTENCIA POLÍTICA DE LA MATERNIDAD

Posted on by Beto Torres

El Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, presenta a partir del 20 de noviembre Maternar. Entre el síndrome de Estocolmo y los actos de producción, exposición colectiva que abre la conversación en torno a las formas de representación de la maternidad en el arte. 

La construcción patriarcal de la maternidad

El síndrome de Estocolmo es un trastorno psicológico en el que una persona secuestrada se identifica ideológica e incluso afectivamente con su secuestrador. Se considera una estrategia de supervivencia ante una situación de extrema tensión. Las estructuras culturales, sociales, políticas y económicas que sostienen la construcción patriarcal de la maternidad son tan eficientes que sumergen a quienes la experimentan en una suerte de síndrome de Estocolmo para asegurar la reproducción acrítica del sistema. Bajo los relatos románticos de amor desinteresado se esconde un círculo de precarización del trabajo reproductivo. Esta exposición propone discutir estas dinámicas.

Helena Chávez Mac Gregor y Alejandra Labastida, curadoras del proyecto, sostienen que históricamente, el arte que representa la maternidad se ha hecho bajo el sesgo de la mirada masculina. Las madres que aparecen en él, señalan, casi siempre son arquetipos de amor, sacrificio, entrega, fertilidad y, a veces, también locura. Desde hace unas décadas, las producciones en relación con la maternidad, realizadas frecuentemente por mujeres, tienen otras propuestas.

Esta exposición, resultado de una investigación de largo aliento, se conforma por una selección de obras producidas por artistas de diversas generaciones y en una amplitud de latitudes durante los últimos veinte años. Con ellas, agregan, la maternidad se devela como un concepto en disputa desde muchas trincheras. “Por un lado, la división insostenible entre trabajo productivo y reproductivo; las expectativas sociales y las representaciones de la maternidad que sólo generan exclusión y racismos; las sexualidades negadas y reprimidas; los retos reproductivos que los tiempos dictados por el capitalismo imponen a nuestros cuerpos y las industrias que generan, y la violencia de los Estados en las legislaciones sobre quién puede cuidar y cómo. Por el otro, las luchas y los movimientos que nos preceden y que se entretejen como una marea; las demandas por derechos reproductivos; las estrategias comunitarias de sostenimiento de la vida; el trabajo de cuidado que escapa la acumulación en su forma capitalista. En una frase: la enorme potencia política de la maternidad”.

“Abrimos la conversación porque no sólo se trata de afirmar que la maternidad es compatible con la práctica artística, sino entender cómo, en los últimos veinte años, esta experiencia se ha adentrado en la obra de artistas para cambiar paradigmas y generar una producción vasta, crítica y potente que se coloca en el centro de las grandes crisis de la actualidad: el reparto desigual del trabajo y del cuidado. La maternidad se vuelve, más que un tema, un punto neurálgico para la exploración de una serie de tramas no sólo sensibles y artísticas, sino también políticas, sociales, económicas y culturales”, concluyen las curadoras.

Las obras reunidas muestran la maternidad como un concepto en disputa. Muchas apuntan hacia las profundas estructuras culturales, biopolíticas y económicas que sostienen la construcción patriarcal de la maternidad. Su eficacia emana de una operación económica que se entrelaza e interioriza subjetivamente.

La muestra presenta obra de Helen Benigson, Paloma Calle, Chto Delat, Claire Fontaine, Lenka Clayton, Colectivo NoSinMiPermiso, Moyra Davey, Flinn Works, Raquel Friera, Regina José Galindo, Zanna Gilbert y Maru Calva, Ana Gallardo, Núria Güell, Ai Hasegawa, Amelia Hernández, Natalia Iguiñiz y Sixto Seguil Dorregaray, Pesin Kate, Paulina León, Cristina Llanos, María Llopis, Irene Lusztig, Mónica Mayer, Maruch Méndez y Mariano Santiz Gómez, Marge Monko, Daniela Ortiz, Frida Orupabo, Irma Poma Canchumani, RJRM, Adriana de la Rosa, María Ruido, Canan Şenol, Diego Teo, Carmen Winant.

Maternar. Entre el síndrome de Estocolmo y los actos de producción se presenta en las salas 1, 2 y terraza sur del museo del 20 de noviembre de 2021 al 12 de junio de 2022.

El MUAC está abierto de jueves a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Adquiere tus boletos en taquilla y en línea https://boletos.muac.unam.mx/

CON ATLAS WESTERN DE CHANTAL PEÑALOSA, EL MUAC CONTINÚA SU REVISIÓN A LA PRODUCCIÓN DE ARTISTAS JÓVENES

Posted on by Beto Torres

En su práctica, Chantal Peñalosa (Tecate, 1987) investiga la temporalidad y la experiencia de habitar en la frontera; además utiliza la repetición para hablar de la memoria individual y colectiva. Con ello, la artista indaga en el lenguaje gestual y corporal del western y su migración a la cotidianidad.

Esta exposición, curada por Amanda de la Garza, se presenta en la sala 3 del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, a partir del 20 de noviembre. Peñalosa forma parte de una generación de artistas provenientes del norte del país, cuyos discursos e intereses se distinguen de las producciones del centro. 

Atlas Western toma como punto de partida el llamado“Cine Pueblo”, un set cinematográfico que recreaba el Viejo Oeste, construido a las afueras de Tecate, Baja California. El destino de este escenario funciona como metáfora de las dinámicas de la frontera entre México y Estados Unidos. El complejo se construyó para atraer a producciones de Hollywood que trabajaban con películas de vaqueros; su ubicación era atractiva para aquellos productores que querían aprovechar los bajos costos y las pocas regulaciones del lado mexicano de la frontera.

Sin embargo, cuando la locación quedó lista, el género del western estaba ya en declive. Así, en “Cine Pueblo” sólo se alcanzaron a grabar algunas películas de bajo presupuesto y cortometrajes. Posteriormente, el escenario cinematográfico quedó completamente abandonado. Al mismo tiempo, los gestos que alguna vez aparecieron en los personajes arquetípicos de este género, se integraron a la vida cotidiana en los cuerpos de agentes migratorios estadounidenses, de narcotraficantes mexicanos o incluso, sin darnos cuenta, en nuestra propia gestualidadd urante los tránsitos en la vía pública o en los juegos infantiles de vaqueros.

Peñalosa traza un diagrama hipotético de las actitudes que surgieron de la ficción y que permanecen actualmente en el imaginario social en forma de gestos espectrales. La instalación se compone de un video grabado en las ruinas de “Cine Pueblo” que recrea escenas estereotípicas de las películas, pero con la ausencia de sus cuerpos. El proyecto incluye una serie de obras escultóricas conformadas por los espacios negativos que se producen al adoptar las poses de los personajes en los filmes. Peñalosa incluye también la codificación de esas corporalidades y movimientos a partir del sistema de notación coreográfica Laban.

Este proyecto se inserta dentro del interés del MUAC por revisar periódicamente producciones de artistas jóvenes, locales o internacionales, con el objetivo de propiciar una plataforma de exploración para las nuevas generaciones.

Atlas Western se presenta en la sala 3 del MUAC, del 20 de noviembre de 2021 al 27 de marzo de 2022.

El MUAC está abierto de jueves a domingo de 11:00 a 17:00 horas. Adquiere tus boletos en taquilla y en línea https://boletos.muac.unam.mx/

Incubadoras de Grupos Teatrales 2021 No se puede acceder a este sitio

Posted on by Beto Torres

No se puede acceder a este sitio, con el Colectivo Utopía_95, bajo la dirección de Octavio Rivera, es un largometraje con tintes de falso documental, que cuenta la historia de tres mujeres vinculadas con La Ola: un suicidio colectivo que estremeció a nivel mundial. Con transmisión gratuita a través de los canales de Facebook y Youtube de Teatro UNAM, el viernes 19 de noviembre a las 19:00 hrs.

El Colectivo Utopía_95, del Centro Universitario de Teatro, fue unos de los grupos ganadores del programa Incubadoras de Grupos Teatrales 2021, edición en la que se invitó a explorar en nuevos formatos, lenguajes y plataformas, que abarcaran el amplio espectro de los lenguajes multimedia. Este Colectivo optó por realizar un largometraje.

El programa de Incubadoras de Grupos Teatrales, dirigido a estudiantes recién egresados de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro y del Colegio de Literatura y Arte Dramático de la FFyL de la UNAM, está enfocado a que realicen un proyecto escénico que marcará el inicio de su carrera teatral; el cual está orientado a enfrentar las circunstancias reales que condicionan el quehacer teatral mexicano.

El largometraje fue realizado por estudiantes del Centro Universitario de Teatro y la Escuela Nacional de Arte Cinematográfico, filmado principalmente con la cámara de un celular y cámaras web. A través de él se plantean preguntas en torno al suicidio dentro de la población joven.

No se puede acceder a este sitio, es una búsqueda y exploración con los lenguajes de comunicación propios de nuestro presente y situación actual de contingencia, poniendo en juego lo privado y lo público. Este trabajo es la oportunidad para dialogar sobre la problemática del suicidio y las diferentes capas en las que nos construimos como seres que existen en la realidad mediática.

Los grandes acontecimientos sociales, nos dicen los creadores de este largometraje- “siempre afectan a nivel individual. Se acerca el primer aniversario de La Ola, un suicidio masivo sin precedentes en el que la idea de terminar con la propia vida parece contagiar las mentes jóvenes. A través de lo que cuentan en sus redes sociales, se siguen las historias de tres mujeres jóvenes que se involucran con esto.”

El elenco artístico integrado por: Mariana López-Dávila, Ytzel Torres E., Luz Barragán, David Limón, Vianey Esquinca y Fabián Juárez.

El equipo de creativos conformado por: Octavio Rivera Ramírez, dirección; Mariana López-Dávila, Ytzel Torres E, Luz Barragán y Octavio Rivera Ramírez, guion; Roberto Telles, fotografía; Bernardo Chávez, diseño sonoro; David Limón, producción ejecutiva; Sebastián Grisales y Josué Ramos, sonido directo.

No se puede acceder a este sitio, con el Colectivo Utopía_95, bajo la dirección de Octavio Rivera, es un largometraje, con transmisión gratuita a través de los canales de Facebook y Youtube de Teatro UNAM, a partir del viernes 19 de noviembre a las 19:00 hrs., a partir de esta fecha permanecerá alojado en el sitio de Teatro durante dos semanas.

Ytzel Torres E.

Actriz y creadora escénica mexicana en proceso de titulación de la carrera de Teatro y actuación del Centro Universitario de Teatro (CUT – UNAM) Ha sido alumna y ha sido dirigida por maestrxs como: Laura Almela, Emma Dib, Alaciel Molas, Juan Carlos Vives, Mario Espinosa, Mayra Sérbulo, David Hevia, Alberto Villarreal y Conchi León, entre otrxs. Actualmente forma del proyecto Ciudades Invisibles: La literatura como refugio en contextos de violencia, es fundadora y miembro de: Alas de lagartija – titiritera colectiva con quienes desarrollan un laboratorio de experimentación teatral. Con quienes fueron ganadores de la beca Incubadoras de Grupos Teatrales 2021, con el cual producen su primer largometraje no se puede acceder a este sitio.

Mariana López-Dávila

Nacida en 1996 en la Ciudad de México. Creadora escénica en proceso de titulación de la carrera de Teatro y Actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Formó parte de la compañía de teatro del Tec de Monterrey campus CCM dirigida por Julio César Luna y David Jiménez. En teatro se ha formado y ha sido dirigido por Mario Espinosa, Emma Dib, David Hevia, Laura Almela, Alaciel Molas, Priscila Imaz y Conchi León. En cine protagonizó el cortometraje de tesis “Para perecer” de la escuela ESCINE dirigido por Sebastián Grisales Jaramillo. Miembro del consejo editorial de La Barraca, revista de estudiantes del CUT. Ganadora de la Incubadora de Grupos Teatrales de Teatro UNAM 2021.

Luz Barragán

Michoacana radicada en la Ciudad de México. Actriz y titiritera egresada del Centro Universitario de Teatro. Ha estudiado y sido dirigido por Mario Espinosa, Juan José Tagle, Salvador Pretola, Emma Dib, David Hevia, Laura Almela, Alaciel Molas y Priscila Imaz. Desde la titiriteada ha sido alumna de Caro Pimentel, Arturo López “Pío” y Leonardo Volpedo. Co-fundadora y miembra de Alas de lagartija – colectiva titiritera, a partir de 2020. Ganadora de la Incubadora de Grupos Teatrales de Teatro UNAM en 2021. Miembro del consejo editorial de la revista La Barraca desde 2020. Su carrera actualmente se desenvuelve en torno al teatro de títeres, teatro de objetos y el cine; protagonizando una tesis fílmica y varios cortometrajes.

David Limón

Nació en la ciudad de México, en 1995. Creador escénico, egresado del Centro Universitario de Teatro, estudió la técnica corporal de Jacques Lecoq con Jorge Wagner en la Unidad de Vinculación Artística de la UNAM. Ha tomado talleres con personalidades como Fabio Rubiano de Teatro Petra, (Colombia) Nicolás Lisoni (Argentina) y Daniel Castro Zimbrón (México). Ha trabajado con directores como: Mario Espinosa, David Hevia, Emma Dib, Alberto Villarreal, Laura Almela, Jorge Wagner, entre otros.

Octavio Rivera Ramírez

En el año 2015 ingresó al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. Ha dirigido los cortometrajes estudiantiles de ficción A calzón quitado (2017) y Horas nómadas (2019). Además, participó como asistente de dirección, mezclador y diseñador sonoro en diversos cortometrajes. En 2016 participó como asistente de dirección en el rally universitario del festival de cine de Guanajuato con el cortometraje Lo que se viene a la mente de Roberto Telles Alcántara. La revista digital Correspondencias ha publicado textos suyos. Actualmente colabora en la revista Icónica como parte del equipo de redacción y se encuentra trabajando en su tesis fílmica Déjenlo todo, láncense a los caminos.

Roberto Telles

Director y cinefotógrafo egresado de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, UNAM. “Me gusta matar” (2019), su último cortometraje como director, participó en diversos festivales en América, Europa y Asia, además de ser el primer proyecto estudiantil en el mundo mezclado en DOLBY- ATMOS. Su producción “Marasmo” (2019) fue parte de la selección oficial del Festival Internacional de cine de Morelia. Participó como director y guionista en el GIFF (2016). En 2021 ganó el primer lugar en “Tu historia Chilanga”, un concurso de guion organizado por Alazraki Entertainment y Cinépolis. “Orfeo”, su proyecto más reciente como director, se encuentra actualmente en fase de postproducción.

Sebastián Grisales

Nacido en la Ciudad de México el 6 de enero de 1997. Su primer acercamiento al cine fue a través del programa de actuación para cine de la New York Film Academy (NYFA). Es parte de la primera generación de la Licenciatura en Cinematografía de la Escuela Superior de Cine (ESCINE) en México. Capicúa, su primer cortometraje producido en el primer año escolar, fue galardonado con la mejor dirección en el Global Youth Film Festival en Blangladesh 2020. Ha colaborado en diferentes departamentos de cine en más de 10 películas que han sido seleccionadas y premiadas en festivales alrededor del mundo. Su primer cortometraje documental, Camino a Casa y su cortometraje más reciente, Para Perecer, se encuentran actualmente en proceso de postproducción.

TV UNAM transmite programación especial en torno a la Revolución mexicana

Posted on by Beto Torres
El 20 de noviembre de 1910 inició el conflicto armado en México conocido como la Revolución mexicana, el acontecimiento político y social más importante del siglo XX. Para conmemorarlo, TV UNAM transmitirá el documental Y vino el remolino (1910-1914), el sábado 20 de noviembre, a las 12:30 horas, y el ciclo de cine Revolución mexicana, del lunes 22 al jueves 25 de noviembre, a las 22:00 horas.
Y vino el remolino (1910-1914) (México, 1991), de Manuel González Casanova, es el capítulo tres de la serie 18 lustros de la vida en México en este siglo. Imágenes de la vida cultural, social y política entre 1910 y 1914 narra el inicio del gran conflicto armado como consecuencia del descontento popular hacia la dictadura de Porfirio Díaz. El movimiento revolucionario derivó en una guerra civil que transformaría radicalmente el futuro de la nación mexicana, y tuvo una enorme repercusión en la vida política y social del país, lo que determinó la forma cómo se organizó la República.
En el espacio Tiempo de Filmoteca UNAM se transmitirá el ciclo de cine Revolución mexicana, que reúne cuatro películas emblemáticas sobre el conflicto armado. Al finalizar cada una de las cintas, la actriz Alejandra Toussaint y el crítico de cine José Antonio Valdés Peña entrevistarán a distintos invitados para comentar las cintas.
El ciclo inicia el lunes 22 de noviembre con la transmisión de la película Cananea (México,1978), de Marcela Fernández Violante, con fotografía de Gabriel Figueroa, película situada a principios del siglo XX que cuenta la historia de un estadounidense que llega a Sonora y encuentra una mina de cobre que se dedica a explotar. Tiempo después recibe apoyo financiero de Nueva York, que consigue bajo la oferta de dar la mano de obra barata, a costa de los mexicanos que cobraban 10 veces menos que los extranjeros por realizar el mismo trabajo. Al finalizar, la especialista en historia de México, Isabel Revuelta Poo comentará la cinta.
El ciclo continúa el martes 23 de noviembre con la transmisión de Cuartelazo (México, 1977), de Alberto Isaac, la cual cuenta la historia de uno de los más sangrientos episodios: la Decena Trágica, que inició cuando el general Victoriano Huerta manda asesinar al presidente Francisco I. Madero, al vicepresidente José María Pino Suárez y al senador Belisario Domínguez. La película recrea el momento de la ejecución que se intercala con detalles de la vida cotidiana de Huerta. Al finalizar, el escritor Benito Taibo, comentará la cinta.
El miércoles 24 de noviembre se transmite Los de abajo (México, 1976), de Servando González. Historia del campesino Demetrio Macías, quien al ser asaltado por los federales, decide irse a la sierra, para lo que reúne un grupo de 25 bandidos que se dedican a asaltar a otros federales y cometer todo tipo de atrocidades, igual que sus oponentes. Al finalizar, el historiador Alejandro Rosas, comentará la cinta.
El ciclo finaliza el jueves 25 de noviembre con la transmisión de Campanas rojas (Unión Soviética, 1982), de Sergéi Bondarchuk, película que narra el viaje del periodista norteamericano John Reed a México durante la Revolución mexicana y su entrevista con Francisco Villa. La película cuenta la relación con su amante Mabel Dodge, su participación en la huelga de Patterson y su actividad como reportero en la Primera Guerra Mundial, intercalado con la historia de la Batalla de Cuautla durante la Revolución, donde las tropas de Emiliano Zapata, derrotaron al ejército federal, en el cual se hallaba el llamado “5º regimiento de Oro”. Al finalizar, el escritor Francisco Martín Moreno, comentará la cinta.
No te pierdas la programación especial que TV UNAM preparó para conmemorar los 111 años del inicio de la Revolución mexicana.

Regresa la Muestra Internacional de Cine al CCU

Posted on by Pepe Herrera

El Centro Cultural Universitario, como es tradición, abrirá una vez más sus puertas para recibir la septuagésima edición de la Muestra Internacional de Cine, evento cinematográfico que también cumple 50 años este 2021.

La selección de catorce largometrajes llegará al CCU del 19 de noviembre al 8 de diciembre e incluye producciones originarias de Francia, Túnez, Austria, Chile, Irán, Turquía, Italia, Colombia, México y un clásico restaurado de la extinta Unión Soviética.

La Sala Julio Bracho del recinto universitario proyectará La sombra del caudillo, cinta filmada en 1960 por el cineasta Julio Bracho que, debido a la censura estatal, se enlató por más de 30 años hasta su estreno en los años 90.

La Filmoteca de la UNAM recibió en 2014 el guión original de la película, donado por la actriz Diana Bracho, para su conservación, preservación, difusión y restauración, la cual sucedió a lo largo del 2015. Este impreso es uno de los pocos documentos rescatados por la actriz tras el incendio de la biblioteca de su padre; en él se pueden apreciar anotaciones de puño y letra del cineasta lo cual da pie a nuevas líneas de investigación sobre el financiamiento, producción, filmación y estreno de la película después de 30 años de censura.

Las películas

La sombra del caudillo será la película encargada de abrir la 70 Muestra y, junto a El otro Tom (2021) de Rodrigo Plá y Laura Santullo, película sobre la salud mental infantil, serán las representantes mexicanas del evento.

 

 

Algunas bestias (2019), de Jorge Riquelme Serrano, es un retrato atroz sobre los lazos familiares y el abuso de poder desde la historia de una familia atrapada en una isla deshabitada en la costa sur de Chile.

 

 

En El hombre que vendió su piel (2020), Kaouther Ben Hania presenta una sátira del elitista mundo del arte y se denuncia la deshumanización y prejuicios que pesan en Europa sobre los inmigrantes provenientes del mundo árabe.

 

 

Habitación 212 (2019), de Christophe Honoré, reflexiona sobre el amor y las memorias personales a partir de la gran actuación de Chiara Mastroianni, quien interpreta a una mujer que decide empezar de cero tras 20 años de matrimonio.

 

 

Sebastian Meise dirige La gran libertad (2021) revisitando la represión hacia los homosexuales en la Alemania de posguerra, protagonizada por Franz Rogowski. Por su parte, Mohammad Rasoulof narra cuatro historias con la pena de muerte como hilo conductor en La maldad no existe (2020), desde la que se ensaya sobre la libertad y la moral.

 

 

Además, en Las golondrinas de Kabul (2019) Zabou Breitman y Éléa Gobbé-Mévellec construyen un filme animado poderoso que reconstruye los duros años 90 en Afganistan desde dos parejas que viven el reciente dominio talibán en la región.

 

 

Con Memoria (2021), una de las películas más esperadas del año, Apichatpong Weerasethakul continúa explorando la convergencia del pasado, presente y futuro, desde la búsqueda de lo trascendental por parte de una botánica escocesa interpretada por Tilda Swinton.

 

 

Por otro lado, Ferit Karahan reflexiona sobre las fallas del sistema burocrático y del mundo adulto en una sobria odisea de dos niños con Mi mejor amigo (2021). Por su parte, Suzanne Lindon construye una carismática historia de crecimiento a través del drama intergeneracional con el encuentro de una chica de 16 años con un actor mayor que ella en Primavera en París (2020).

 

 

Las complejidades y riesgos de los barrios periféricos de Roma se ven desde la mirada de sus niños en Queridos vecinos (2020), segunda película de los hermanos Fabio y Damiano D’Innocenzo. También, Mehdi M. Barsaoui con su ópera prima Un hijo (2019), compone una crítica al mundo patriarcal mirando los súbitos cambios de la Primavera Árabe de hace una década.

 

 

Finalmente, otro clásico se une a la selección de 50 aniversario de la Muestra: El espejo (1975) del maestro soviético Andréi Tarkovski, donde revisa la historia rusa del siglo XX a través de un trance de texturas e imágenes como declaración artística personal.

Más información en: https://www.filmoteca.unam.mx/ciclos-de-cine-filmoteca-unam/

18 de noviembre, lo que pasó un día como hoy

Posted on by Pepe Herrera

Es Día Mundial de la Filosofía

En 2005, la Conferencia General de la Unesco, proclamó cada tercer jueves de noviembre como el Día Mundial de la Filosofía, con el objetivo de renovar el compromiso a favor de esta rama, alentar la investigación con eje filosófico para resolver problemas actuales, así como sensibilizar a la población sobre la importancia que tiene, puesto que ha proporcionado las bases conceptuales de los valores y principios de los que depende prácticamente la paz mundial. Es en la Facultad de Filosofía y Letras y en la Facultad de Estudios Superiores Acatlán donde se imparte la licenciatura de Filosofía, consiguiendo que los estudiantes adquieran conocimiento, pensamiento crítico y valores acerca del cuestionamiento fundamental de la realidad.

Es Día Internacional del Hombre

Celebrado cada año desde 1999. Surgió a iniciativa del académico estadounidense Thomas Oaster, quien trabajó en la Universidad de Missouri-Kansas. Tanto el Día de la Mujer como el Día Internacional del Hombre tienen como meta alcanzar los valores de igualdad entre ambos géneros. La finalidad de este día es concientizar al mundo acerca de la igualdad de género, promover la no discriminación masculina y resaltar el rol positivo y las contribuciones que hacen los hombres a la sociedad y a su comunidad y también abordar los temas de salud masculina en todas las edades.

En 1935, nació Juan José Gurrola

Arquitecto, director de radio, cine y teatro, actor, escenógrafo, dramaturgo, pintor, fotógrafo y performer mexicano. Estudio en la Escuela Nacional de Arquitectura en la UNAM. En la UNAM fue director y productor creativo en el departamento de radio y televisión; titular de la Compañía de Teatro de Repertorio y director técnico en la dirección de Difusión Cultural.Recibió el premio Xavier Villaurrutia (1960), al Mejor Director de Teatro (1960, 1962 y 1963), y el Premio Nacional de Bellas Artes (2004).

En 1917, nació Pedro Infante

Reconocido cantante y actor mexicano apodado “El inmortal”, era un ícono de la Época de Oro del cine mexicano y un gran representante de la música ranchera. A partir de 1939 apareció en más de 60 películas, desde 1943 grabó aproximadamente 310 canciones. Por su actuación en la película Tizoc, recibió el Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín -mejor actor principal- y ganó el premio Globo de Oro a la mejor película extranjera, otorgado por la prensa extranjera acreditada en Hollywood. El día de su muerte ocurrida tras un accidente aéreo, cuando trasladaron el féretro a la ciudad de México, lo esperaba una verdadera multitud de admiradores.

En 1898, nació Andrés Soler

Para muchos fue el mejor actor secundario del cine mexicano, sus personajes van desde odiados villanos, un papá o un padrino regañón, un simpático “don Juan” o un jocoso personaje de comedia. Considerado uno de los mejores actores del cine en México, tuvo una vasta presencia en el séptimo arte y trabajó con importantes actores como: Jorge Negrete, Mario Moreno Cantinflas, Pedro Infante y Germán Valdés. Debutó en el cine con la cinta dramática Suprema ley y apareció en cintas como ¡A volar joven!, Pecadora, Azahares para tu boda, Un rincón cerca del cielo, Doña Bárbara, Los tres alegres compadres, Chucho el roto y Tizoc entre otras. Destacado actor mexicano, participó en 196 películas.

En 1953, murió Malcolm Young

Guitarrista escocés y miembro fundador de la banda AC/DC. Formó parte de otras agrupaciones como The velvet underground.. La banda realizó diversos álbumes como: High Voltage (1976), Let there be rock (1977), Powerage (1978), If you want bloody (1978), entre otros. Ganó dos Premios APRA Music Awards por mejor intepretación y estar entre las 10 mejores canciones australianas. En 2003 Young junto con AC/DC ingresaron al Salón de la Fama del Rock. Malcom se separó de la agrupación en 2014 debido a problemas de salud y a la edad de 63 años murió en Australia.

En 1962, nació Kirk Hammett

Guitarrista estadounidense, reconocido por se integrante de la banda de metal Metallica. Está considerado como el undécimo mejor guitarrista de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone y como el noveno mejor del momento, según Total Guitar. Kirk es uno de los estudiantes más conocidos del legendario guitarrista e instructor Joe Satriani. Es miembro junto a Metallica del Salón de la Fama del Rock desde 2009.

Más días para visitar Poesía Brossa en el MUAC

Posted on by Beto Torres

A partir del 11 de noviembre, los museos de CulturaUNAM ampliaron su horario. Así que ahora, de jueves a domingo,  el público podrá disfrutar la vasta oferta artística que brindan estos recintos. Esta podría ser una excelente oportunidad para visitar la exposición Poesía Brossa en el Museo Uaniversitario de Arte Contemporáneo de la UNAM (MUAC), que está montada en la Sala 9 hasta el 27 de marzo de 2022.

Poesia Brossa, bajo la curaduría de Teresa Grandas y Pedro G. Romero, plantea una inmersión dentro del trabajo del poeta catalán Joan Brossa (1919–1998) a través de tres ideas principales: la oralidad, lo performativo y la antipoesía. A lo largo de este recorrido, podremos recorrer su mundo, desde sus primeros libros hasta sus últimas exploraciones plásticas, que están cruzadas por el teatro, el cine, la música y las artes de acción (gestos de los que fue pionero).

La obra de Brossa materializa en gran parte lo visual, lo performativo pero, a fin de cuentas, el sentir de un poeta. Joan Brossa fue un minucioso inventor de estrategias, un insurrecto frente a la cultura hegemónica, la mal llamada “alta cultura”, que rentabiliza las contradicciones del propio sistema; fue un anti-intelectual que planteó una obra que reflexiona sobre la impureza como espacio entre lenguajes, donde lo poético es visto como un todo.

Joan Brossa desarrolló su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de su muerte no dejó de buscar nuevas formas de expresión y de experimentación con los diferentes medios.

 

Poesía Brossa, expuesta en Sala 9, se trata de la primera revisión que se realiza en México de Joan Brossa, a través de sus libros y sus investigaciones plásticas. Esta muestra monográfica reúne cerca de 500 obras y una amplia selección de documentación procedente del Fondo Joan Brossa.

La exposición fue organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), en colaboración con Artium, Vitoria, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), el Centro Cultural Kirchner (CCK), Buenos Aires, y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), UNAM, Ciudad de México.

Contó con el apoyo del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, el Gobierno de España y Acción Cultural Española, el Institut Ramon Llull, el Centro Cultural de España en México, DGECI (UNAM) y Banco Sabadell. En colaboración con la Fundació Joan  Brossa.

En los espacios de CulturaUNAM continúan en marcha las medidas que demanda la emergencia sanitaria: El aforo es de 30% de su capacidad en las salas. En los accesos se toma la temperatura corporal a las personas visitantes y se les ofrece gel desinfectante. No se permite el ingreso sin cubrebocas, el cual debe estar colocado adecuadamente cubriendo nariz y boca.

Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), de jueves a domingo, de 11 am a 5 pm.

La Filmoteca de la UNAM rinde Homenaje a la actriz, cantante y bailarina Amalia Aguilar

Posted on by Beto Torres
Con un homenaje a la recientemente fallecida Amalia Aguilar, una de las actrices, bailarinas y cantantes destacadas de la Época de Oro del cine mexicano, la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México, Filmoteca UNAM, ha programado dos de los filmes clásicos de la actriz cubana, nacionalizada mexicana: Calabacitas tiernas (¡Ay, qué bonitas piernas) de Gilberto Martínez Solares (México, 1949) y Mis tres viudas alegres de Fernando Cortés (México, 1953).
Las películas se podrán ver en sus salas Julio Bracho y José Revueltas del Centro Cultural Universitario bajo la siguiente programación. La entrada será gratuita.
Miércoles 17 de noviembre, Sala Julio Bracho, 16:00 y 18:30 horas. Jueves 18 de noviembre, Sala José Revueltas, 16:30 y 19:00 horas.
Calabacitas tiernas (¡Ay, qué bonitas piernas!)
Director: Gilberto Martínez Solares / México / 1949 / 101 min
Reparto: Germán Valdés “Tin Tan”, Rosita Quintana, Amalia Aguilar, Nelly Montiel, Jorge Reyes, Gloria Alonso, Nicolás Rodríguez.
Sinopsis: Tin Tan se deja enredar por un pícaro empresario que lo hace pasar por él ante sus acreedores y aprovecha su nueva personalidad para producir un espectáculo teatral protagonizado por bellas mujeres. Calabacitas tiernas es una suerte de comedia musical al estilo hollywoodense, filmada en pleno movimiento de unidad latinoamericana tras la Segunda Guerra Mundial. Marcó el encuentro entre el cineasta Gilberto Martínez Solares -especialista en la comedia sofisticada heredada al cine por el teatro de revista- y Germán Valdés “Tin Tan”.
Miércoles 17 de noviembre, Sala José Revueltas, 16:30 y 19:00 horas. Jueves 18 de noviembre, Sala Julio Bracho, 16:00 y 18:30 horas.
Mis tres viudas alegres
Director: Fernando Cortés / México / 1953 / 100 min
Reparto: Adalberto Martinez ‘Resortes’, Silvia Pinal, Amalia Aguilar, Lilia del Valle, Tito Novaro, Jorge Casanova, Nacho Contla, Gloria de Córdoba, Julián de Meriche, Héctor Godoy, Pompín Iglesias.
Sinopsis
México, años cincuenta. En plena noche de bodas con su esposa Silvia, Don José, un viejo ridículo, muere. Aparecen otras viudas suyas, la cubana Amalia y la francesa Lilia. Don José les hereda 60 millones de pesos a cambio de que encuentren a un hijo que tuvo con una cocinera. Las tres mujeres deciden poner una tienda de modas con el nombre de “Las tres viudas alegres”.
Amalia Isabel Rodríguez Carriera, mejor conocida como Amalia Aguilar, nació el 3 de julio de 1924 en Matanzas, Cuba y falleció el 8 de noviembre del 2021 en la Ciudad de México. Fue una reconocida bailarina, vedette, cantante, actriz y comediante cubana, nacionalizada mexicana. En el medio cinematográfico es reconocida como una de las actrices más emblemáticas del cine de rumberas. Aguilar comenzó su carrera en Cuba durante su infancia. Empezó su carrera artística bailando al lado de su hermana Cecilia a temprana edad bajo el nombre de «Las hermanitas Aguilar». Ambas formaron parte de la Compañía de Teatro de Cuba. Trabajaron en importantes teatros y centros nocturnos de la isla como Eden Concert, el Tropicana y otros más. Debutó en el cine en 1946 con la película Pervertida (1946) de José Díaz Morales. Entre sus trabajos más destacados se encuentra su participación en las cintas: Calabacitas tiernas (1949) de Gilberto Martínez Solares, Ritmos del Caribe (1950) de Juan José Ortega, Al son del mambo (1950) de Chano Urueta, Las tres alegres comadres (1952) de Tito Davison y Mis tres viudas alegres (1953) de Fernando Cortés. También participó en una película musical de Hollywood en compañía de Evelyn West, titulada A Night at the Follies (1947) de W. Merle Connell. Fue bautizada como “La Bomba Atómica” debido a su peculiar forma de bailar.
Mientras Amalia actuaba en el centro nocturno Waikikí, fue descubierta por el productor estadounidense Edward Perkin, quien le ofreció trabajar en los Estados Unidos en un espectáculo con los “Lecuona Cuban Boys”. En su paso por los Estados Unidos trabajó con figuras como Bob Hope, Carmen Miranda y Xavier Cugat. También, participó en numerosos centros de espectáculos: The Roxy, Teatro Puerto Rico y El Rancho Vegas, el bar del beisbolista Joe DiMaggio. En Hollywood, el productor Howard Hughes tuvo la intención de que Amalia protagonizara una película sobre la vida de Lupe Vélez, pero ella se negó a trabajar más en la industria hollywoodense y decidió regresar a México.
En 2006 fue galardonada con el premio Diosa de Plata, otorgado por PECIME (Periodistas de Cine Mexicano) en reconocimiento a su trayectoria artística y en 2010 fue homenajeada en la ciudad de Miami, Florida, donde se reconoció su trayectoria artística y se le otorgaron las Llaves de la Ciudad, de manos del alcalde Tomás Regalado.

Entrever Conversaciones con 5 compañías de teatro dedicadas a la infancia

Posted on by Beto Torres

A partir del miércoles 17 de noviembre a las 19:00 hrs., inicia Entrever. Conversaciones con 5 compañías de teatro dedicadas a la infancia, idea original y coordinación de Marcela Castillo, en transmisión gratuita a través de los canales Facebook y Youtube de Teatro UNAM. Con presentaciones: los miércoles a partir del 17 de noviembre al 15 de diciembre.

Este Ciclo contará con la participación de cinco Compañías de Teatro para infantes, así como de sus representantes, quienes conversarán con Marcela Castillo, directora de La Covacha Teatro, quien se ha dedicado a la investigación del teatro para los más pequeños. Las compañías participantes serán: A la Deriva Teatro, dirección de Susana Romo; Cabaret Misterio, dirección de Andrés Carreño; Colectivo Teatro en Espiral, dirección de Michelle Guerra; Teatro al Vacío, dirección de Adrián Hernández y José Agüero; Proyecto Perla, dirección de Micaela Gramajo y Daniela Arroio.

Entrever. Conversaciones con 5 compañías de teatro dedicadas a la infancia, tiene la finalidad de acercarnos a la historia y los procesos creativos de estas cinco compañías dedicadas al trabajo con los más pequeños. Conoceremos sus principios ideológicos que han sustentado su trabajo y sus investigaciones artísticas en las creaciones escénicas.

La primera Conversación será con Susana Romo, de la Compañía A la Deriva Teatro, con sede en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. Esta conversación se llevará a cabo el miércoles 17 de noviembre a las 19:00 hrs.

Se abordará la historia de la compañía A la Deriva Teatro a través de la voz de Susana Romo, conoceremos y escucharemos sobre los principios ideológicos y los procesos creativos de esta creadora. Específicamente se hablará sobre la obra Do, Re, Mi, Bebé.

El trabajo de Susana parece atravesado por un cordón umbilical. Desde su origen, sus impulsos creativos, pasando por sus objetivos, hasta sus resultados escénicos. Todo parece unido por un impulso del maternaje. En sus preocupaciones esenciales se encuentra el convivio, el encuentro. “Para mí ya no es importante el teatro como fin, es más bien un medio para el encuentro”, así lo declara Susana Romo.

El miércoles 24 de noviembre a las 19:00 hrs., será la Conversación con Andrés Carreño, de la compañía Cabaret Misterio, de la ciudad de México.

Conoceremos la historia de Cabaret Misterio, con preguntas para Andrés Carreño en su proceso como creador para la infancia y además se charlará sobre la obra Mostro.

El humor como vínculo, como apuesta política, como medida de sanación y como escucha. Andrés Carreño arma la primera compañía de Cabaret para niñes, el humor en realidad para transitar dos caminos, por un lado, la risa como un arma de catarsis, como un lugar dónde la visión transversal del adulto sobre el niño se diluye, por otro, tocar temas que en general, nadie quiere abordar con la infancia.

La Conversación con Michelle Guerra, del Colectivo en Espiral, de Ensenada, Baja California, se llevará cabo el miércoles 1 de diciembre a las 19:00 hrs.

El trabajo de Michelle, es rebelde y horizontal. Su camino ha abierto espacios para otres, ha planteado nuevas perspectivas y lugares para el encuentro, en un territorio donde el teatro para la infancia tenía poca atención. Desde un trabajo creativo interesante y profundo, Colectivo en Espiral hace de la rebeldía un espacio para la esperanza. Conoceremos la historia de Colectivo en Espiral, los principios bajo los cuales esta compañía ha generado su larga trayectoria y los caminos creativos que Michelle ha atravesado en este tiempo. Se charlará sobre la obra: Con-templar.

La Conversación con Adrián Hernández y José Agüero, de Teatro al Vacio, compañía México-Argentina. Se llevará a cabo el miércoles 8 de diciembre a las 19:00 hrs.

A través de esta conversación conoceremos la historia de la compañía, los conceptos bajo los cuales elaboran su trabajo, así como la forma de abordar sus procesos creativos. Se hablará sobre la obra Un par.

Teatro al Vacio es una compañía que cambió la mirada sobre el teatro para la infancia en nuestro país, desde sus planteamientos escénicos, hasta sus principios políticos ha cuestionado y replanteado la forma de comunicarnos con les niñes. Fue la primera compañía mexicana en hacer espectáculos para bebés y sus montajes tienen claramente un eje de investigación tanto en los contenidos como en las formas. Es, sin lugar a dudas, una de las compañías más importantes de nuestro país.

El ciclo de entrevistas, cerrará con la Conversación con Daniela Arroio y Micaela Gramajo, del Proyecto Perla, el miércoles 15 de diciembre a las 19:00 hrs.

Proyecto Perla es una compañía que trabaja desde la intimidad, es decir, sus temas y sus formas se elaboran desde preguntas muy cercanas al corazón de sus creadoras. En ese sentido, el vínculo con les niñes y sus familias, tiene como estado latente la conexión, la empatía y la pregunta sobre ese tipo de sucesos que dejan una huella en nuestra vida.

Conoceremos la historia de la compañía, su organización; la forma de su escritura y la ruta de sus procesos creativos. Se hablará sobre la obra Cosas pequeñas y extraordinarias.

Entrever. Conversaciones con 5 compañías de teatro dedicadas a la infancia, se llevará a cabo los miércoles a partir del 17 de noviembre al 15 de diciembre a las 19:00 hrs., en transmisión gratuita por los canales de YouTube y Facebook de Teatro UNAM, después de su presentación el material permanecerá en la página Teatro.

La Covacha Teatro

Marcela Castillo*

Idea original y coordinación

Egresada de la ENAT. Desde los inicios de su carrera ha investigado sobre el teatro para las infancias y el teatro con objetos. Ha sido beneficiaria del FONCA en varias ocasiones; en el Programa Creadores Escénicos en tres ocasiones, en el programa Fomento y Coinversiones Culturales (2011) y ENARTES (2018). Con obras de su autoría y dirección ha participado en diversos festivales nacionales e internacionales, presentándose en países como España, Argentina, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, Brasil y Corea del Sur, así como en Muestras Nacionales y diversos teatros del territorio mexicano. Dirige, actúa y escribe. Ha sido maestra de teatro en la UPN y actualmente es profesora de la materia Teatro para niños, en la licenciatura de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM. Es beneficiaria de FONCA en el Programa Creadores Escénicos con Trayectoria (2020-2022). Es mamá de Eugenio de 6 años.

A la Deriva Teatro

Susana Romo**

Licenciada en Ciencias de la Comunicación. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en su emisión 2019/2022. Creadora escénica con más de 25 años de experiencia profesional.

Es directora general del Festival Internacional de Teatro para los Primeros Años que el 2021 cumplió su sexta edición. Directora de la compañía A la Deriva Teatro S. C. En el 2016 funda junto a la Compañía México-Argentina Teatro al Vacío, Colectivo Teatro Espiral de Ensenada y Aranwa de Chile la RED LATINOAMERICANA DE CREACIÓN ESCÉNICA PARA LOS PRIMEROS AÑOS, que tiene como objetivo principal la difusión del teatro y los derechos culturales de la primera infancia.

Ha participado en 10 Muestras Nacionales. Ha dirigido diversos montajes como “Nantli, la tierra espera” producción del 2020, fue seleccionada para participar en HIPPALOT ARTS FESTIVAL FOR CHILDREN (Finland-Hämenlinna) en FINLANDIA en colaboración con los centros culturales Lasten Kulttuurikeskus Aurora en la ciudad de Espoo y Anantalo que se encuentra en Helsinki y que obtuvo el Premio ATINA VIRTUAL 2020 otorgado por la Asociación de Teatristas Independientes para niños, niñas y adolescentes de Argentina en la categoría de Teatro para la Primera Infancia. “Kamishibai en la ventana, serenata para niños y niñas” y “El Degollado desde mi ventana” que recorrió ventana por ventana los hogares de familias en confinamiento en la zona metropolitana de Guadalajara. Ponente en el International Society Fort the Performing Arts (ISPA 2019). En el 2013 es seleccionada por ASSITEJ Internacional para participar como única mexicana en el encuentro NEXT GENERATION que reunió a 25 creadores del mundo de Teatro para Jóvenes Audiencias. El encuentro se llevó a cabo en la ciudad de Linz en Austria. Mamá de Juliana y Renata.

Cabaret Misterio

Andrés Carreño

Cabaretero, actor, director y dramaturgo. Egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBAL. Con una experiencia de más de 23 años sobre los escenarios. Hace 20 años funda su compañía Cabaret Misterio para adultos y Doctor Misterio para niñas y niños. Es pionero y precursor en el Teatro Cabaret para niñas y niños. Aborda el hecho escénico desde una óptica de género, diversidad sexual, género y masculinidades. Su trabajo lo ha llevado a presentarse en distintas partes del mundo, obteniendo reconocimientos nacionales e internacionales.

Fue becario Creador Escénico con Trayectoria en Teatro-Cabaret del FONCA 2018-2020. Tiene en su página web (HYPERLINK “http://www.cabaretmisterio.com.mx” www.cabaretmisterio.com.mx) un apartado titulado la Biblioteca de Carreño, en donde se pueden consultar textos de obras de teatro y tres manuales de cabaret de su propia autoría. Tiene el canal de youtube Doctor Misterio en donde hace en vivos y presenta cápsulas diversas. Acaba de publicar el libro “Familias Monstruosas” de la mano de Fernanda Tapia y Trino, en donde abordan la diversidad de las familias. Ha participado en coloquios nacionales e internacionales de equidad de género y masculinidades, cuenta con un diplomado en Liderazgo y derechos sexuales por el instituto Simone de Beauvoir y otro en el CIEG de la UNAM. “Sexualidades: Cuerpo, Derechos Humanos y política pública”, es miembro del colectivo “Los Histéricos”. Actualmente cursa el diplomado. “Masculinidades: género, poder y política”, en el Instituto Simone de Beauvoir.

Colectivo en Espiral

Michelle Guerra***

Nace el 06 de septiembre de 1977 en el puerto de Ensenada Baja California donde realiza sus primeros estudios de teatro y se inició como docente en talleres para niños y maestros de educación básica, por lo cual mereció en 2001 el Premio Estatal de la Juventud. Es licenciada en Educación preescolar por la Escuela Normal Estatal de Ensenada, diplomada en teatro por el Centro de Artes Escénicas del Noroeste, realizó estudios en la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana y en 2015 egresa de la Maestría en Artes de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California. Tiene experiencia en el ejercicio profesional como directora, pedagoga, promotora y productora teatral. Es Directora General y Artística del Colectivo de Teatro en Espiral que creo en el 2005, y fundadora y directora junto a Raymundo Garduño de la “Semana de Teatro para Niños Baja California que se celebra anualmente desde el 2009.

Desde el 2009 se desempeña como Docente de la Licenciatura en Teatro de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California y en 2015 se integra a la planta docente de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana. También se ha desempeñado como docente en talleres para niños, jóvenes y de formación profesional en diversos programas e instituciones y ha publicado artículos diversos respecto al teatro para los primeros años en distintas revistas y foros. Es miembro fundador de la Red Latinoamericana de Creación Escénica para los Primeros Años, que busca crear y difundir espectáculos, talleres y trabajos de investigación que muestren y desarrollen el panorama actual de la creación escénica para niños y niñas en la primera infancia. Sus obras se han presentado en diversos e importantes foros y festivales nacionales e internacionales. Desde 2018 es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.

Teatro al Vacío

Adrián Hernández y José Agüero

La compañía Teatro al Vacío es un grupo en investigación y creación permanente, apoyado en una formación constante, para generar un teatro que trasciende en el espectador en tanto que trasciende en el actor, un teatro honesto y no impuesto, un teatro hecho por el actor y generado por las necesidades esenciales del mismo en diálogo con los intereses y necesidades de los espectadores, un teatro donde el actor es creador. La compañía apuesta por un teatro plástico-corporal con una estética mínima, con el fin de ofrecer alternativas escénicas a niñxs y jóvenes.

Desde el 2007 la compañía Teatro al Vacío, ha desarrollado un trabajo especialmente con y para niñxs en sus primeros años. Ha ofrecido talleres para diversos rangos de edades en hospitales, escuelas y festivales; ha asesorado procesos de montaje con niñxs y adolescentes. Los procesos de creación buscan incorporar a niñxs y jóvenes, bajo la premisa de que el trabajo que ofrece dialogue con su público, comprometidos en generar experiencias artísticas significativas.

Ha sido parte de la programación en distintos espacios escénicos y museos. Ha presentado funciones en escuelas, plazas públicas y espacios alternativos. Ha ofrecido su trabajo en diversos espacios nacionales e internacionales en España, Italia, Reino Unido, Irlanda, Polonia, Austria, Turquía, Argentina, Brasil, Bolivia, Uruguay, Chile, Colombia, Ecuador, Japón, Corea, China, Canadá y Estados Unidos de América.

Recibió en el 2013 y 2018 el apoyo del programa de Fomento y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México. La compañía ha sido beneficiada en tres ocasiones por Iberescena, programa que promueve la presencia de coproducciones iberoamericanas en el espacio escénico internacional. Ha recibido también el apoyo de la Fundación Bancomer que contribuyen al desarrollo de la escena cultural en el país.

La compañía es fundadora de Vincular, Red Latinoamericana de Creación escénica para los Primeros Años, es parte de Small Size, red internacional de artes escénicas para la primera infancia y ASSITEJ México.

En 2017 la obra PULSAR teatro para niñxs de 0 a 2 años, recibió en Argentina el Premio ATINA a mejor espectáculo extranjero en la temporada 2016 en su XI Edición.

Proyecto Perla

Daniela Arroio y Micaela Gramajo

Somos una compañía de la Ciudad de México, dedicada a hacer teatro para niñas, niños y jóvenes. Proyecto Perla surge en 2011 como un homenaje a la directora y dramaturga Perla Szuchmacher, con el objetivo de dar continuidad a su trabajo en el campo del teatro para jóvenes audiencias. Buscamos poner sobre la mesa las preguntas que rondan las cabezas de las niñas y los niños desde la honestidad, la sensibilidad y el juego. No nos gusta ofrecer respuestas ni enseñarles nada: no sabemos más que ellos. Los niños no son futuros adultos. Los niños son niños hoy, y nos enloquece trabajar para ellos.

*Marcela Castillo

Beneficiaria del programa Creadores  Escénicos con Trayectoria (2020-2022) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (Fonca)

*Susana Romo

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2019- 2022) del Sistema de Apoyo a la Creación y Proyectos Culturales (Fonca)

*Michelle Guerra

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2018- 2021) del Sistema de Apoyoa a la Creación y Proyectos Culturales (Fonca).

 

 

El Segundo Programa de Tutoría de Novela extiende la fecha de recepción de materiales

Posted on by Beto Torres
Por segundo año consecutivo, la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, mediante la Dirección de Literatura y Fomento a la lectura y la Dirección General de Publicaciones y Fomento Editorial, convoca al Programa de Tutoría en Novela, a través del cual se invita a participar a escritoras y escritores, menores de 35 años que sean novelistas inéditos o tengan una primera novela publicada.
La tutoría estará integrada por los escritores Jorge Volpi, que ha publicado más de una docena de libros entre los que destacan En busca de Klingsor, 1993; Memorial del engaño. 2013, y Una novela criminal. 2018; Pedro Ángel Palou que ha publicado: Con la muerte en los puños 2003, Pobre patria mía. La novela de Porfirio Díaz. 2010 y La amante del Ghetto. 2013. También participa el escritor Eloy Urroz que cuenta con los libros Un siglo tras de mí. 2004, Fricción. 2008 y La familia interrumpida 2011. Ellos realizarán la selección de ocho participantes para integrar el Segundo Programa de Tutoría de Novela.
Dicho programa iniciará el 11 de enero y concluirá 6 de diciembre de 2002, y se llevará a cabo a través de sesiones semanales de taller de dos horas de duración. Al final de este periodo, los participantes podrán presentar su manuscrito final para que sea seleccionado como mejor propuesta de novela susceptible de ser publicada. Dicha selección estará a cargo de la escritora Rosa Beltrán, actual directora de la Casa Universitaria del Libro UNAM; la editora Carmina Estrada, jefa de la Unidad de Revistas y Publicaciones de la DLyFL y Alexandra Saavedra, titular de la Cátedra extraordinaria Carlos Fuentes de Literatura Hispanoamericana.
Para revisar la convocatoria completa, click en enlace:
Para asesoría o aclaración de dudas, escribir al correo: tutoriadenovela@gmail.com

Nuevas escrituras en español bajo las lógicas de la tecnología

Posted on by Beto Torres

Incursionar en las escrituras recientes focalizadas en América Latina como consecuencia de los procesos y lógicas de la tecnología, es el propósito del ciclo ReManEnTes. Materia, espacio y tiempo en la literatura en español del entorno digital, organizado por Casa del Lago, la Cátedra Carlos Fuentes de Literatura Hispanoamericana, la Cátedra Max Aub Transdisciplina en arte y tecnología y el Proyecto Exocanónicos de la Universidad de Salamanca.

En la sesión de apertura de esta actividad, bajo el nombre de Linealidad, no linealidad y juegos temporales en la literatura digital, Borja Cano Vidal, catedrático de la Universidad de Salamanca, dijo que en el proyecto se busca “atender los contrarrelatos que, desde la literatura, surgen como una respuesta a las transformaciones sociales, culturales y éticas”.

Acompañado por Alexandra Saavedra Galindo, titular de la Cátedra Carlos Fuentes, el investigador abundó: “Nos aproximaremos a escrituras que, en última instancia, ayudan a entender los desafíos que suponen los procesos de vulnerabilidad y de exclusión generados por la realidad descrita, así como al potencial dialógico que manifiestan estas prácticas artísticas, entendidas como espacios de ruptura, detención y empatía”.

En la primera mesa, el español Vicente Luis Mora, coordinador del Máster Universitario en Escritura Creativa de la Universidad Internacional de La Rioja, habló de una propuesta que tituló Escrituras contemporáneas: entre el analógico mercantil, la experimentación y la literatura a la intemperie digital.

Ejemplificó con tres casos, el primero de ellos el del joven compositor madrileño De los Santos, que estrenó su canción Cómo estás? desde su habitación durante, por y para la cuarentena. Es en este espacio donde compone, graba y auto produce todos sus temas.

En una breve reseña publicada en el sitio El último palco se puede leer al respecto: “El proyecto surge como parte de una ‘terapia’ personal dónde cantar en español se convierte en un método para superar ciertas inseguridades, miedos y malas rachas”. Son canciones que “al haber sido escritas y grabadas desde su habitación, desembocan en mucha visceralidad en sus directos”.

Un segundo ejemplo referido por Mora fue el del cómico estadounidense Bo Burnham denominado Inside, una experiencia de autoconfinamiento dentro del confinamiento generalizado. Documental como un acto creativo en un espacio propio, imágenes mezcladas y remezcladas por una sola persona. Material que compró Netflix y que está a la vista en dicha plataforma.

Un tercer y último ejemplo fue el de Bizarrap, compositor e intérprete de música electrónica, hip hop y trap. Es un productor y DJ de 23 años de edad del que se dice es el argentino más escuchado en el mundo y que autoproduce y publica sus videos.

Desde el punto de vista de Mora, estos casos y otros más son muestra de las prácticas de la literatura digital, inscritas en lo que él llama una temporalidad del presente radical. “Vienen siendo esquemas de autogestión en los que se da una participación espontánea del público. Dan cuenta de un cambio de modelo, éste más segmentado y fundamentado en la autoproducción. Tiene que ver con la alquimia de las multitudes; una inmensa multitud compuesta por individuos solitarios”.

“Somos testigos de cómo una gran cantidad de personas están escribiendo y compartiendo sus creaciones a través de Internet. Poesía visual, escrituras de textos visuales, video-poemas y otras construcciones visuales han multiplicado la escritura en tiempo real. El resultado es una comunicación instantánea, prácticas literarias y culturales que se mueven entre lo multitudinario y lo individual. Ahora la escritura se da a la intemperie, es decir, se ha perdido el techo institucional”, afirmó.

Posteriormente, en la Mesa 2, la escritora y poeta argentina-española Belén Gache, autora de obras de poesía conceptual y de literatura experimental y expandida, habló en una charla que se estructuró como entrevista conducida por el propio Mora. En ella la creadora dijo que la literatura digital es un conjunto cuasi infinito. Aseveró que para ella el término intemperie es bastante ideológico, y que en su época de juventud al hecho de no estar financiado por las instituciones se le veía como estar fuera del sistema y de los circuitos comerciales, porque así lo había decidido el artista.

Comentó que no usa las redes sociales pues no le interesa llegar a la gente, pero admitió que sí juega con las nuevas herramientas digitales. “Una cosa son las herramientas y otra el uso que se haga de éstas, así como el acercamiento que se tenga desde una forma hegemónica o individual”.

Gache dijo que con su trabajo creativo le apuesta a expandir los horizontes y a pensar qué es la escritura. “Tengo fascinación por ver nuevas formas de escribir, y para ello no hacen falta grandes equipos”, precisó la poeta.

Los miércoles 17 y 24 de noviembre, en punto de las 10 de la mañana, serán las dos sesiones restantes del ciclo ReManEnTes, con la transmisión en vivo de cuatro mesas en las páginas de Facebook de Casa del Lago y las Cátedras Carlos Fuentes y Max Aub. La programación se puede consultar en la página oficial de Casa del Lago.

 

Diana Bracho y Luisa Huertas recibirán la Medalla Cátedra Ingmar Bergman

Posted on by Beto Torres
Diana Bracho estaba convencida de que sería todo, menos actriz, aunque desde un inicio estaba claro que para eso había nacido. A Luisa Huertas, por el contrario, el oficio se le reveló como en una epifanía a los ocho años, supo desde entonces que el suyo era el camino de la actuación.
Ambas actrices recibirán este 19 de noviembre la Medalla Cátedra Ingmar Bergman, con la que la Universidad Nacional Autónoma de México reconoce la contribución de ilustres figuras nacionales, quienes con su práctica han logrado sortear las fronteras entre disciplinas, dejando una huella indeleble tanto en el cine como en el teatro de nuestro país. La han recibido en años anteriores Alejandro Luna (2016), Julieta Egurrola (2017), Jorge Fons (2018) y Luisa Josefina Hernández (2019).
En un acto inédito, la entrega se realizará por medio de un programa especial de televisión producido por TV UNAM, que se transmitirá el 19 de noviembre a las 7 pm por la señal de TV UNAM y las redes sociales de la televisora, así como por el canal de YouTube de la Cátedra Bergman.
La transmisión en vivo contará con los testimonios de una veintena de colegas, amistades y estudiantes de las escuelas de cine y teatro, entre los que destaca la presencia de Arturo Ripstein, Busi Cortés, Carlos Carrera, Enrique Singer, Ernesto Contreras, Karina Gidi y María Rojo.
Diana Bracho recibirá la medalla correspondiente al año 2020, mientras que a Luisa Huertas le será entregada la presea 2021. Ambas actrices acumulan en su trayectoria centenares de películas y obras de teatro, así como icónicas incursiones televisivas. Sus personajes se encuentran alojados en la memoria de las y los mexicanos: Maria Callas en Masterclass, María Moliner en El diccionario, Blanche y Stella DuBois en Un tranvía llamado deseo, Pilar en Mentiras piadosas, Adelina en Las Poquianchis, Gina López en Entre Pancho Villa y una mujer desnuda, Rita en La mujer que cayó del cielo o Leonora Navarro de Larios en Cuna de Lobos, por nombrar algunos.
La Cátedra Ingmar Bergman
La Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro, perteneciente a la Coordinación de Difusión Cultural, fue la primera de su tipo y con su ejemplo abrió caminos para la creación de otras cátedras desde las cuales pensar la gestión cultural, los museos, la creación artística interdisciplinaria, la promoción de la lectura, los cruces entre la ciencia y el arte o su relación con los derechos humanos.
Funciona como un laboratorio de pensamiento escénico y fílmico, que  permite socializar incógnitas y producir valiosas experiencias de aprendizaje colectivo. Acerca a la comunidad universitaria y el público en general a las figuras más excepcionales del teatro y el cine contemporáneo, proponiendo una relación horizontal de mutuo enriquecimiento.
De igual manera, para la Cátedra Bergman resulta fundamental celebrar el legado de las personas que han modificado para siempre los rumbos del cine y del teatro de este país. Honrar la historia de los esfuerzos, las ideas y los hallazgos creativos que dieron paso al presente que habitamos.
Diana Bracho
12 de diciembre de 1944, Ciudad de México, México.
Hija del director de cine Julio Bracho y la bailarina Diana Bordes Mangel, Diana tenía cinco años cuando debutó en el cine mexicano, como actriz infantil, en la película de su padre, San Felipe de Jesús (1949).
Estudió la carrera de Filosofía y Letras en Nueva York, donde empezó a participar en grupos de teatro experimental y más adelante viajó a Londres para perfeccionar su estilo.
Diana se graduó de Filosofía y Letras Inglesas en Nueva York en 1967. De 1970 a 1972 tomó el Taller de Actuación de José Luis Ibáñez y, posteriormente, vivió en Oxford, Inglaterra, donde estudió técnica Alexander con con E.A.M. Goldie y participó en el Club de Teatro Experimental de la Universidad de Oxford entre 1975 y 1979.
Su debut en la televisión fue en 1973 con las series Los miserables y Mi primer amor; en el cine en la película El castillo de la pureza (1972) de Arturo Ripstein, y en el teatro, en la obra Israfel dirigida por Héctor Azar.
Su trabajo en El castillo de la pureza le otorgó sus primeros premios de actuación como el premio Ariel a la Mejor Coactuación Femenina, la Diosa de Plata y el Heraldo. A partir de entonces, ha estado nominada en cinco ocasiones al Premio Ariel, resultando dos veces ganadora: en 1973 a Mejor Coactuación Femenina por El castillo de la pureza, y en 1980 en la misma categoría por El infierno de todos tan temido.
Es la única actriz en el mundo que ha interpretado a las dos hermanas, Blanche y Stella, en Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y una artista que ha explorado la actuación en todos los medios.
En la televisión ha protagonizado diversas series y telenovelas; entre los personajes más recordados de su carrera se encuentra Leonora Navarro en la telenovela Cuna de lobos (1986), bajo la producción de Carlos Téllez; y Evangelina Vizcaíno en Cadenas de amargura (1991), producida por Carlos Sotomayor.
Ha participado en más de 50 películas, 23 telenovelas, 10 cortometrajes, 22 obras de teatro y 6 series; además de documentales y programas especiales, así como en coproducciones con Alemania, España, Francia, Inglaterra y Estados Unidos.
Como escritora, tiene cuatro trabajos publicados de poesía y ensayo. Ha participado en diversos festivales de cine nacionales e internacionales como integrante y presidenta del jurado. Por su trayectoria ha recibido múltiples premios y reconocimientos, como el Premio Luminus de Canacine, el Cabrito de Plata del Festival de Cine de Monterrey, la Luna del Auditorio Nacional, el Mayahuel de Plata del Festival de Cine en Guadalajara, dos premios y tres nominaciones al Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, varios Heraldos y Diosas de Plata, el Premio como Mejor Actriz en el Festival Internacional de las Islas Turcas y Caicos, un reconocimiento en el Festival Internacional de Guanajuato Expresión en Corto y un reconocimiento a trayectoria en el Festival Iberoamericano de Cine de Santa Cruz, Bolivia, entre muchos otros. De 2002 a 2006 presidió la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
Su impronta en el cine mexicano de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI ha sido fundamental. Entre los filmes en los que ha participado se encuentran: El castillo de la pureza (1973), dirigida por Arturo Ripstein, con impecable guión de José Emilio Pacheco; El cumpleaños del perro (1975), que ocupa un especial lugar en la filmografía de Jaime Humberto Hermosillo; Actas de Marusia (1976), de Miguel Littín, nominada al Óscar como mejor película; Las poquianchis (1976), diriga por Felipe Cazals; Yo no lo sé de cierto, lo supongo (1982), de Benjamín Cann; El secreto de Romelia (1988), de Busi Cortés, y Entre Pancho Villa y una mujer desnuda (1996) de Sabina Berman e Isabel Tardán, entre muchas otras.
Luisa Huertas
24 de junio de 1951, San Salvador, El Salvador.
Egresada de la Escuela de Arte Teatral del INBA y el Centro Universitario de Teatro, CUT-UNAM, desde hace más 50 años ejerce la profesión de actriz.
Desde muy pequeña tuvo la certeza de que quería ser actriz, por lo que inició como estudiante en el Taller de Teatro Infantil del INBA en 1963 y posteriormente, en 1967, comenzó sus estudios profesionales.
Ha participado en más de 75 obras de teatro, numerosos festivales y giras internacionales, más de 40 producciones cinematográficas, decenas de producciones televisivas y series como Capadocia y La casa de las flores.
Su anhelo por seguir aprendiendo todo lo posible sobre las artes escénicas lo ha compartido con otras generaciones mediante la labor docente que practica desde hace 37 años, impartiendo clases en el CUT, el Foro Contemporáneo, NET.
Fue Coordinadora del Colegio de Voz en CasAzul, de Argos, desde su fundación y hasta septiembre de 2020. Cofundadora y actualmente Directora General del Centro de Estudios para el Uso de la Voz (CEUVOZ), por el que frecuentemente imparte talleres en el interior de la República y en el extranjero.
En teatro encabezó el elenco de Marta la Piadosa, Premio a la Mejor Actriz en el Festival de los Siglos de Oro del Chamizal, Texas 1986; de Antígona en Nueva York, en 1998, lo que le valió el Premio a la Mejor Actriz del Año otorgado por la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro. En el año 2000 recibió el Premio Bravo a la Mejor Actriz, por La Celestina. En 2017 recibió el premio de la Asociación de Periodistas de Teatro a la mejor actriz por El diccionario, misma obra por la que en 2018 recibió el premio Metro como mejor actriz.
Otras de sus actuaciones en teatro han sido en El Viaje Superficial, El Caballero de Olmedo, La mujer que cayó del cielo, El Ogrito, Desazón, Salvador, Susana y los jóvenes, Inussia la mujer foca.
En cine, su trabajo fue reconocido con el premio Ariel 1989 de coactuación femenina por su papel en Mentiras piadosas de Arturo Ripstein. Asimismo, formó parte del elenco de El crimen del padre Amaro y encabezó con Arturo Ríos, Cuento de hadas para dormir cocodrilos. Sus últimas actuaciones especiales han sido en Rencor de Jaime Humberto Hermosillo, Kilómetro 31 de Rigoberto Castañeda, Párpados azules de Ernesto Contreras, y protagonizó La Mitad del Mundo de Jaime Ruiz.
Es miembro fundador de la Academia Mexicana de Arte Teatral, A.C., así como de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, del Consejo Asesor del CUT de la UNAM y del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), desde 2008, obteniendo ser miembro de número en 2016.
Con la CNT ha participado en Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente, Edipo en Colofón, Soles en la sombra, El ruido de los huesos que crujen, El malentendido, Homéridas, El infierno, Proyecto Leñero, El trueno dorado, Numancia, El círculo de cal, El diccionario, Latir, y recientemente repuso DeSazón de Víctor Hugo Rascón Banda.
En 2018 le fue dedicado en homenaje, el VI Encuentro Teatral Trigarante en Iguala, Guerrero.
En 2020, al celebrar 50 años de carrera profesional como actriz, fue nombrada por la doctora Claudia Sheinbaum, Patrimonio Cultural Vivo de la Ciudad de México.

En ciclo de conversatorios se discutirá la opresión que han vivido las mujeres indígenas desde la caída de Tenochtitlan

Posted on by Beto Torres
¿Qué importancia han tenido las mujeres indígenas en las luchas de sus pueblos y comunidades? ¿A qué violencias se enfrentan las mujeres indígenas en la modernidad? ¿Cuál ha sido el papel de las mujeres como defensoras de la palabra, memoria y el territorio?
Tales son algunas de las preguntas que detonarán la discusión en los tres conversatorios que integran el ciclo: 500 años de memoria: mujeres indígenas luchando y resistiendo, que se llevará a cabo en línea, del 17 al 19 de noviembre.
Organizado por la Unidad de Género e Inclusión de la Coordinación de Difusión Cultural UNAM (CulturaUNAM), el ciclo de conversatorios forma parte del programa México 500 con el que la UNAM conmemora los 5 siglos del periodo conocido como la Conquista.
El ciclo de conversatorios, que será transmitido por la cuenta de FB de CulturaUNAM, estará conformado por tres sesiones con una duración de dos horas cada una, en las cuales participarán mujeres indígenas, académicas, activistas y expertas de las diversas formas de organización y resistencias de mujeres indígenas frente a los embates y repercusiones socio-culturales desde la caída de México-Tenochtitlán.
Estos conversatorios tienen el objetivo de generar espacios de reflexión, y en coyuntura a la conmemoración del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, el 25 de noviembre, fecha que nos invita a visibilizar y denunciar las violencias que se siguen perpetuando hacia los cuerpos de las mujeres, más allá de la historia y su lucha constante para su erradicación.
La primera mesa se desarrollará el miércoles 17 de noviembre, a las 4 pm, con el tema Implicaciones de la conquista en el cuerpo de las mujeres indígenas, desde las disputas, la explotación y la violencia. Participarán la maestra Fernanda Latani Meléndez Bravo, geógrafa del Istmo de Tehuantepec, con estudios de posgrado en Geografía en la UNAM, quien aborda el feminismo con enfoque comunitario, indígena y ecofeminista; la doctora feminista, activista y académica Karina Ochoa Muñoz, y la doctora en Antropología Lingüística por la Universidad de Texas, Emiliana Cruz Cruz.
El jueves 18, a las 4 pm, tendrá lugar la plática Organización de las mujeres indígenas desde una visión decolonial y subalterna ante las violencias, en la que participarán la doctora en Estudios Latinoamericanos Verónica López Nájera; la profesora e investigadora del  del Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social (CIESAS), Mariana Mora Bayo; y la doctora Sylvia Marcos, fundadora del seminario permanente de Antropología y Género del Instituto de Investigaciones Antropológicas de la UNAM.
El ciclo cerrará a las 4 pm del viernes 19 con la charla Violencias y resistencias actuales de las mujeres indígenas en México: modernidad, discriminación, violencia y exclusión, en la que coincidarán Norma Don Juan,  integrante de la Coordinadora Nacional de Mujeres Indígenas (CONAMI, México);  Larisa Ortiz Quintero, especialista en Derechos Humanos, Derechos Indígenas, Género e Interculturalidad; y la doctora Carmen Cariño Trujillo, activista Ñuu Savi, estudiante en la escuela zapatista.

La Filmoteca de la UNAM regresó a los espacios abiertos de Ciudad Universitaria con el estreno universitario de su más reciente trabajo de restauración

Posted on by Beto Torres

Después de un largo periodo de confinamiento y trabajo en línea, la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México -Filmoteca UNAM- regresó a los espacios públicos con el estreno de su más reciente trabajo de restauración de la película El suavecito (1950) de Fernando Méndez,  en una función al aire libre el jueves 11 de noviembre en la Explanada de la Espiga del Centro Cultural Universitario; trabajo que contó con el apoyo de la Universidad de Guadalajara, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Fundación Televisa y  del realizador mexicano Guillermo del Toro.

Con una proyección impecable, los asistentes a la función apreciaron una copia restaurada del emblemático filme El suavecito, protagonizado por Víctor Parra como Roberto “El cinturita”, ese macho sin cualidades, según la definición del propio Carlos Monsiváis; y la actriz Aurora Segura, como Lupita, la eterna enamorada y conciencia de Roberto.

El suavecito se inscribe, desde su estreno en 1951 en el cine de El Palacio Chino, como un filme que irrumpe ante las buenas conciencias de los espectadores mexicanos para mostrar el duro rostro del delito, la seducción de la ciudad y el peligro de lo nocturno. El gran Víctor Parra. Este personaje llega a las salas de cine a regañadientes. Su estreno fue postergado y en un principio negado debido a que varios funcionarios veían en sus escenas muestras de violencia innecesaria y el descrédito de la tan cuidada imagen de la ciudad y el país.

 

La restauración

 

Esta película forma parte del patrimonio cinematográfico de Televisa y fue restaurada gracias al buen estado del negativo original en 35mm en nitrato de celulosa, salvaguardado por la Filmoteca de la UNAM. Además, se tuvo acceso a una copia positiva de acetato en 35mm facilitada por la Cineteca Nacional.

La restauración digital se llevó a cabo en las siguientes etapas: estabilización flicker, aplicación de filtros automáticos, limpieza manual de manchas negras y blancas, remoción de scratch y corrección de color. Para el sonido se realizó la limpieza digital tanto del negativo como del positivo con el propósito de elegir las escenas sonoras en mejor estado. Además, se solucionaron problemas de distorsión, eliminación de clics, ruidos contaminantes, reducción de hiss y balance entre los elementos sonoros.

En total, se restauraron digitalmente 119,752 fotogramas en resolución 4k, así como el sonido óptico del nitrato, y la selección de escenas en copia positiva digitalizada con el sistema Sondor/Resonance, siguiendo los más altos estándares en rango de imagen y sonido.

Ciclo Acción. El reencantamiento del mundo Siete intervenciones performáticas

Posted on by Beto Torres

A partir del 14 de noviembre inicia el Ciclo Acción. El reencantamiento del mundo, idea original de Juan Meliá, curaduría de Zavel Castro. El Ciclo está integrado por siete intervenciones performáticas, creaciones de artistas con un mismo denominador, transformar lo cotidiano, lo común, y volverlo extraordinario a través del arte, encontrar la belleza en lugares inesperados.

Las presentaciones se llevarán a cabo en diversos espacios del Centro Cultural Universitario, como el Jardín Julio Castillo, explanadas de la Fuente, del Centro Universitario de Teatro, de la Sala Miguel Covarrubias, en el Pasillo entre la Sala Nezahualcóyotl y el MUAC (rumbo a la Biblioteca Nacional). El acceso a las intervenciones será gratuito, con cupo limitado a 50 personas, siguiendo los protocolos sanitarios, para el cuidado del público y de los artistas. Consulta la página de Teatro UNAM www.teatrounam.com.mx

Sobre el Ciclo Acción. El reencantamiento del mundo -apunta Zavel Castro, curadora del Ciclo- “desde hace tiempo deseamos reencontrarnos, creemos que es momento de recuperar nuestro ser colectivo a través del arte y transformar la vida, reencantando lo cotidiano para llevarlo en el orden de lo bello y extraordinario.”

Este ciclo de intervenciones performáticas en el espacio público es una provocación para imaginar otros mundos posibles y crear piezas artísticas efímeras y profundamente significativas. El ciclo está compuesto de siete experiencias de site specific realizadas por participantes de los ciclos Acción+Aislamiento.

La primera intervención perfomática es Conferencia sobre el “yo”, de Sakiko Yokoo. Se presentará el domingo 14 de noviembre a las 16:00 y 18:00 hrs., en la Explanada de la Fuente. Duración 40 minutos.

Es una conferencia performativa e interactiva sobre la ilusión respecto a la idea del “yo”. Sakiko Yokoo, parte de la fábula budista “El viajero y los demonios”, la cual invita a explorar sobre el “yo” y descubrir que no tenemos sustancia y estamos hechos por conexiones con otros.

Sakiko Yokoo

Coreógrafa, bailarina, narradora, promotora cultural y en proceso de ordenarse sacerdote budista. Obtuvo el título de Maestría en Arte en la Universidad de Ochanomizu, Tokio, Japón.

Llega a México en 2003 como voluntaria de la Agencia de Cooperación Internacional del gobierno japonés para trabajar como docente de la expresión corporal para la educación inclusiva en Hidalgo. El en 2010 funda la A.C. México-Japón Caminando Juntos. De pronto el arte se volvió como el agua que en su simpleza, en su cualidad tan elemental tenía el poder de purificación y así entonces también la vida apareció como una oportunidad para la liberación.

La segunda intervención es El pelo crece, de Jimena Eme Vázquez, con presentaciones el 28 de noviembre y 5 de diciembre 17:00 hrs., en la Explanada del Centro Universitario de Teatro. Duración 50 minutos.

Sobre esta intervención performática, Jimena Eme Vázquez, señala: “Me gustan las cosas efímeras. Las personas que nos dedicamos al teatro tenemos un complejo de Sísifo tan pesado como la piedra que empujamos por la montaña. Yo he llegado a la conclusión de que ese es el origen de casi todas nuestras penas.”

“Coleccionamos finales. Siempre tenemos que volver a empezar. Y eso nos fascina y nos pone tristes en proporciones muy parecidas. Ni las obras de teatro ni los cortes de cabello son eternos. Sí, ya sé que nada es eterno, pero esto es una exageración. Podemos verlas evaporarse a simple vista. La función se termina y el pelo crece, esas son las dos certezas con las que vivo. A veces hago como que no me gusta, pero la verdad es que, cuando vuelvo a empujar la piedra por la montaña, sonrío.”

Jimena Eme Vázquez

Sabe escribir obras de teatro y cortar el cabello de la gente. Lo primero lo aprendió en la carrera de Literatura Dramática y Teatro, en la UNAM; lo segundo, en el CECATI número 13.

Suele tratar a sus cortes con la seriedad de un estreno. Es autora de la adaptación a teatro de Un beso en la frente, de Esther B. del Brío, así como de las obras Me sale bien estar triste, Now playing y Piel de mariposa, entre otras. Forma parte de la compañía Caracola Producciones, con quienes hizo MW La vaca que baila tap y No todas viven en Salem, obra en la que era responsable de la dramaturgia y de los peinados de las actrices. El arte le ha permitido encontrar caminos para comunicarse y compartir con otras personas. Cada uno de esos encuentros le reencanta el mundo.

Atrás, de Bárbara Foulkes, es la tercera intervención con presentaciones el 2 de diciembre a las 12:30 y 17:00 hrs., en la Isla de la parte trasera del Teatro Juan Ruiz de Alarcón. Duración de 60 minutos.

A través de esta intervención Barba Foulkes nos llevará a la reflexión para valorar el mundo en que vivimos. “Nos hemos acostumbrado a habitar el mundo y a encontrarnos en él desde el frente. Esta pieza es una provocación para reencantar el mundo desde el “atrás”. Atrás del cuerpo. Atrás del espacio. Atrás del proceso.”

Bárbara Foulkes

Nació en 1982 en Buenos Aires, vive y trabaja en México desde el 2008, donde desarrolla su trabajo personal y proyectos en colaboración y trabajo colectivo. Es coreógrafa, docente y su obra está vinculada a la interdisciplina desarrollando trabajos escénicos, editoriales, expositivos y en arte educación. Dentro de su práctica, el cuerpo es el punto de partida de una investigación expandida. Entiende la coreografía como las relaciones que se establecen entre cuerpos e ideas, y traduce esto en una manera de pensar y de observar el mundo en términos de tensiones, de fuerzas, de contrapesos, de balances y desbalances: en términos de acción, y por lo tanto, de vida. Su obra performática es ritualista e ingrávida. Se acerca al dibujo y a la escritura como una extensión de lo efímero, una manera de documentar la acción y volverla material de estudio poético. Para ella, llevar la atención al movimiento es un método tranquilo para reencantar el cuerpo, el tiempo y el espacio.

La cuarta intervención performática es Instrucciones para segar un campo de trigo en el invierno, de Mauricio Ascencio, instalación escénica a partir del 3 de diciembre de las 11:00 hrs., en la explanada entre la Sala Miguel Covarrubias y los cines.

La pieza indaga en la construcción de un paisaje desde la contemplación, el tiempo, lo permanente y el sosiego, como una posibilidad de acceso a otras formas de percepción. El espacio absoluto, por su naturaleza y sin relación a cualquier cosa externa, siempre permanecerá igual e inmóvil; el relativo es cualquier cantidad de este espacio, que se define por nuestros sentimientos según su situación respecto a los cuerpos.

Mauricio Ascencio

Diseñador escénico. Su experiencia incluye colaboraciones en diseño de escenografía, iluminación y vestuario para montajes teatrales y coreográficos, así como proyectos interdisciplinarios. Ha sido acreedor de la beca del FONCA Jóvenes Creadores durante el periodo 2006-2007 y 2011-2012, así como reconocimientos y premios por mejor iluminación y vestuario. En 2017 es acreedor del 1er lugar dentro del Segundo premio a la Creación Escénica Contemporánea con la pieza performática, bajo su dirección: Hombre mirando el cielo estrellado. Desde el 2018 desarrolla un proyecto personal de fotografía, instalación y paisajes escénicos bajo el nombre de “Meeting Points”. El arte como el territorio de la posibilidad, las uniones transversales, el ocio y el deseo.

La quinta intervención será Procesión, de Leche de Virgen Trimegisto, con presentaciones 3 y 4 de diciembre a las 17:00 hrs., en el Pasillo entre la Sala Nezahualcóyotl y el MUAC, rumbo a la Biblioteca Nacional. Duración: 40 minutos.

A través de la reinterpretación de la figura de la procesión como un proceso performativo, este proyecto explora las dimensiones conceptuales y corporales del viacrucis, así como su iconografía dentro de la cultura popular, como metáfora contemporánea de la resiliencia de las comunidades diversas y disidentes en contextos de discriminación, violencia y muerte.

Retoma el santoral católico para crear nuevos imaginarios; que posibiliten la transformación de un mundo en ruinas post-pandémico en el que es necesario la reconstrucción de vínculos colectivos subversivos.

Leche de Virgen Trimegisto

Artista no binarix posicionadx cuya práctica artística abarca la disidencia sexual, la cultura popular, el ocultismo y la ciencia, combinando performance, creación de imágenes, video y escritura. Representante del arte cuir y del posporno latinoamericano, su trabajo contiene una fuerte carga política. Ha presentado performance y expuesto su trabajo artístico en Europa, Estados Unidos, Canadá y México. Toma su nombre artístico de la alquimia y los saberes brujos, concibe la labor del artista como un medio a través del cual lo invisible se hace visible y lo inmaterial se materializa, entendiendo el arte como una herramienta capaz de transformar la realidad y reencantar el mundo.

La sexta intervención es Fuck the rules. Micrófono abierto para Mujeres, creación de Marianella Villa, con presentaciones 9 y 10 de diciembre a las 12:30 hrs., en el Jardín Julio Castillo. Duración 110 minutos.

Esta pieza performática, tiene como sustancia generar una experiencia psico-física y anímica para las espectadoras. A partir de la premisa: ¿Cómo hacer una renovación de las ideas estéticas?, danzaremos nuestras heridas y deseos con respecto a la creación, en cualquiera de sus manifestaciones, para después pensar personal y políticamente (es decir, colectivamente) qué queremos y cómo queremos que sea el teatro y el mundo. Al saberlo, pasaremos a un micrófono abierto, para que cada una de las espectadoras pueda externar y decir lo que desea.

Marianella Villa

Es actriz, escritora, directora, creadora e investigadora escénica. Creadora de La Casa AmarYya, proyecto que lucha y trabaja contra la violencia hacia las niñas y mujeres. En el 2020 comenzó la escritura de su primer libro autobiográfico y de Teoría Escénica con Perspectiva Feminista desde la práctica de la Autonomía Creativa. Creó el Seminario Las Ofelias [Prácticas Autonómicas Creativas], en el cual imparte metodología propia.

Cofundadora junto a Liliana Papalotl de la colectiva y podcast feminista Las Desobedientes. El arte le ha ayudado a reflexionar sobre el dolor humano y a trazar simbólicamente otros mundos posibles.

El Ciclo, concluye con la séptima intervención Dejemos un cementerio en donde crezcan las flores (Un monumento al hueco), de Paulina Treviño. Con presentaciones el 11 de diciembre a las 12:30 y 17:00 hrs., en el Jardín Julio Castillo. Duración 45 minutos.

A través de esta intervención, Paulina Treviño nos hace una invitación a Reencantar el mundo, pero antes dejar un cementerio en donde crezcan las flores. “Yo no quiero volver a la normalidad, ni me interesa conocer cómo será la nueva. No sin antes haber asistido al funeral. La naturaleza nos develó la espalda y algo se nos murió. Personas desaparecieron, se nos perdió el rumbo y el espacio se quedó vacío. Ya teníamos muchos vacíos pero éste nos hizo enfrentarnos solxs a los que veníamos ignorando. Construyamos un monumento a los huecos. Al tuyo, al mío, a los nuestros. Un monumento a lo que ya estaba muerto y no habíamos enterrado y se quedó apestando en el cuarto donde vivimos encerrados un año y medio, a lo que perdimos, al espacio vacío que duele.”

 

Paulina Treviño

Tiene diecisiete años de experiencia equivocándose en las artes escénicas. Ha hecho teatro, cine, televisión y doblaje buscando. Cuando era joven se vio reencantada por el arte, haciendo que el vacío que sentía en su vida tuviera un sentido. A partir de ese momento decidió que valía la pena luchar por sobrevivir a este mundo si la pelea podía llevarla a cabo sobre un escenario. No ha sabido concretamente lo que quiere, más bien tiene claro lo que no quiere y ha construido una mística en dejarse llevar. En el futuro quisiera ser más dueña de su discurso, pero también ha encontrado una enorme libertad creativa en ser una soldada rasa.

Curadora del Ciclo

Zavel Castro

Crítica y curadora de teatro y docente de crítica teatral. Es cofundadora de la página de crítica y reflexión teatral; Aplaudir de Pie, forma parte del programa de formación de públicos de Comunidad Cultura UNAM y del consejo curatorial del Encuentro Iberoamericano Experimentación Dramatúrgica y Creación Escénica, TRANSDrama. La operación crítica del arte le ha ayudado a imaginar otras posibilidades de existencia, reencantando su pensamiento y sensibilidad.

 

Recomendaciones para asistir a las obras al aire libre

 

  • El aforo es limitado. Agradecemos su comprensión.
  • No habrá intermedio ni charlas introductorias o posteriores a la función.
  • No deben asistir personas con síntomas de COVID-19 o que hayan estado en contacto con pacientes de COVID-19 en los últimos 14 días.
  • No se permitirá el ingreso de personas con síntomas evidentes.
  • Es obligatorio el uso correcto del cubreboca (sobre nariz y boca) durante toda tu visita. Mantenlo bien colocado al acudir al sanitario.
  • Si necesitas toser o estornudar, cubre nariz y boca con el ángulo interno del brazo.
  • Atiende señalética e indicaciones del personal.
  • Mantén sana distancia (dos metros) con otros visitantes.
  • Cualquier persona que incumpla estas medidas deberá retirarse