Desde el sitio Cultura en Directo.UNAM se podrán ver las 23 obras fílmicas de la categoría Mejor Documental Estudiantil Mexicano, y votar por ellas para otorgar el Premio del Público.
La exhibición durará del 12 de octubre hasta 15 de noviembre de 2020 y la premiación se realizará el 25 de noviembre.
Por segunda ocasión en el Premio José Rovirosa, con más de dos décadas de historia e impulsado por Filmoteca UNAM, el público podrá disfrutar desde su computadora o dispositivo móvil todas las obras que participan en la categoría Mejor Documental Estudiantil Mexicano, así como votar por sus documentales favoritos, en el Festival José Rovirosa de Documental en Línea con su respectiva categoría Premio del Público.
Se trata de 23 obras fílmicas de corte documental elaboradas por estudiantes en las que se abordan diversos temas que desde diferentes perspectivas y narrativas, confrontan distintas realidades y emociones, surgidas a partir de los diferentes contextos sociales y personales en que dichas obras se originaron. La soledad, la familia, el dolor, la identidad, la solidaridad, la pertenencia o la memoria son algunos de los retratos visuales que conforman este cúmulo de testimonios audiovisuales.
La exhibición de los filmes tendrá lugar en el sitio Cultura en Directo.UNAM (https://culturaendirecto.unam.mx/2-festival-jose-rovirosa-de-documental-en-linea-2020/). Desde ahí podrán ser reproducidos y cada persona podrá dar hasta tres votos, uno a cada documental que le haya gustado más. Los filmes estarán disponibles del 12 de octubre al 15 de noviembre de este año; será el 25 de noviembre cuando se den a conocer los resultados en la ceremonia de premiación de este histórico concurso.
Sobre el Premio José Rovirosa
En este año 2020 se realiza la edición número 24 del Premio José Rovirosa, el cual se ha celebrado de forma ininterrumpida desde 1997, año en que murió el maestro universitario José Rovirosa, en cuya memoria se originó el certamen. A partir del año 2008 se incluyó la categoría de Mejor Documental Estudiantil Mexicano y en el 2019 se realizó, por primera vez, la exhibición íntegra digital de los trabajos participantes —Festival José Rovirosa de Documental en Línea— así como la entrega del Premio del Público.
En este certamen han sido galardonados, por mencionar algunos, Alejandra Islas con Círculo eterno (1997), Carlos Marcovich con ¿Quién diablos es Juliette? (1998), Busi Cortés con Pepe Chávez (2001), Everardo González con Los ladrones viejos (2007), Eugenio Polgovsky con Los herederos (2009), Christiane Buckhard con Trazando Aleida (2008), Federico Rossini, Emiliano Altuna y Diego Enrique Osorno con El alcalde (2013) y Michelle Ibaven y Sergio Blanco por Cuando cierro los ojos (2019), dentro de la categoría Mejor Documental Mexicano.
En la categoría estudiantil han obtenido el premio Rubén Montiel por Hasta el final (2008), Esteban Arrangoiz, Gastón Andrade y Estibaliz Márquez por Río Lerma (2011); Sara Escobar por Causar alta (2014), Sandra Luz López por Artemio (2017), Diego Ruiz por vii Domitilas (2019), entre otros.
El primer Premio del Público fue entregado a Irma Duarte por su obra A la deriva (2019).
El Premio José Rovirosa es organizado por la Filmoteca de la UNAM en conjunto con la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas. Para el Festival José Rovirosa de Documental en Línea se ha sumado Cultura en Directo.UNAM.
En el marco de la 62° entrega del Premio Ariel otorgado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas A.C. (AMACC) los filmes realizados por egresados de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas participarán por obtener el premio más importante que se otorga en el medio cinematográfico a nivel nacional. El día 23 de julio del año en curso, por primera vez, derivada de la contingencia sanitaria por COVID-19, el anuncio de las nominaciones a este premio se llevó a cabo vía digital con difusión en redes sociales y por televisión abierta.
En esta edición, la Ópera Prima “La paloma y el lobo” cuya realización es del egresado de esta Entidad Académica, Carlos Lenin, obtuvo cuatro nominaciones en las siguientes categorías: Mejor Ópera Prima; Mejor Fotografía para el egresado Diego Tenorio; Mejor Sonido para el profesor Enrique Greiner, los egresados Alejandro Ramírez y David Muñoz, así como para Miguel Ángel Molina y Raymundo Ballesteros y en la categoría de Mejor Actor para Armando Hernández.
Este largometraje se desarrolló como parte del Programa de Óperas Primas para Egresados de la ENAC, organizado por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), a través de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas y el Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE) del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).
La historia de esta cinta relata la vida de Paloma y “Lobo”, quienes dejaron su hogar huyendo de la violencia y las promesas rotas. Comenzando una nueva vida en una gran ciudad industrial, donde sobreviven todos los días mientras intentan amarse. Después de perder su trabajo, Paloma quiere volver a casa, algo a lo que “Lobo” se opone, pero no se atreve a confesar la verdadera razón de ello: un pecado terrible que habría olvidado.
Está Ópera Prima permite que el alumnado y egresados de la ENAC, debuten en una producción de largometraje, a fin de que se incorporen más adelante a la industria cinematográfica profesional de México y se fortalezca la difusión de la cultura y la proyección de la cinematografía nacional.
La película es producida por Miguel Ángel Sánchez, con cinefotografía de Diego Tenorio, edición de Alicia Segovia, Dirección de Arte de Elva Yanuaria, y Diseño Sonoro de Alejandro Ramírez.
Es importante señalar que, en esta edición de la entrega del Premio Ariel, el largometraje “Olimpia” del egresado José Manuel Cravioto con fotografía del egresado Iván Hernández, obtuvo la nominación en la categoría de Mejor Largometraje Animado. Realizada con la colaboración de la ENAC, Filmoteca UNAM y TVUNAM, filmada en Ciudad Universitaria y animada por medio de rotoscopía, con el apoyo del alumnado de la Facultad de Artes y Diseño (FAD), este filme, cuenta la historia de Raquel, Rodolfo y Hernán, integrantes de una brigada en la UNAM durante el movimiento estudiantil de México en 1968.
Asimismo, el profesorado de la ENAC también obtuvo nominaciones en esta ocasión: el profesor Tonatiuh Martínez Valdez en la categoría de Mejor Fotografía por el largometraje «Polvo» y Jorge Arturo García González por Mejor Edición del filme “Sonora”.
En el caso de egresados, Ivonne Fuentes a la Mejor Dirección de Arte por la cinta “Cómprame un revólver” y Alejandro Zuno quien ha recibido la nominación al en la categoría de Mejor Cortometraje Documental por el filme «Abrir la tierra».
Para la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, la participación del alumnado, profesorado y egresados en la entrega del Premio Ariel representa el nivel de la formación académica y profesional de calidad impartida en esta Entidad Académica, cuyo reconocimiento es de alcance a nivel nacional e internacional.
La entrega de los Premios Ariel se llevará a cabo el día 27 de septiembre a las 20:30 h, en transmisión en vivo a través del Canal 22 en señal abierta de televisión y a través del perfil de Facebook de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
Lista nominaciones de egresados y profesorado de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas
El doctor Juan Carlos Domínguez, investigador del Centro Regional de Investigaciones Multidisciplinarias (CRIM) de la UNAM, habló sobre el dinamismo económico del cine en México. De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI) en los últimos cinco años la industria cinematográfica ha crecido el triple que el conjunto de la economía nacional.
De acuerdo con el especialista, los 30 mil empleos directos que contabiliza el INEGI y los 50 mil que registra la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica (Canacine), sumados a los 150 mil empleos indirectos que genera la cadena productiva de la industria (producción, distribución y exhibición) se verán afectados en un 70 por ciento.
El especialista explicó que de acuerdo a las cifras mensuales de asistencia al cine de los últimos tres años, se estima que en el periodo de mayo a agosto no se venderán al menos 150 millones de boletos en las salas de cine, lo que representa el 40 por ciento de la asistencia del año. Dicha reducción se traduciría en 10 mil millones de pesos, que representa tres cuartas partes del presupuesto destinado al sector cultural de este año.
“La producción de películas también se verá disminuida, pensamos que actualmente en México se están realizando alrededor de 200 películas. Y se estima que será reducirá este número al menos 30 por ciento” añadió Domínguez.
El académico universitario destacó que un sector especialmente afectado es el circuito cultural que obtiene sus recursos de los ingresos corrientes, de los apoyos públicos y de los patrocinios. “Estamos hablando de los festivales de cine, de los cineclubes. Muchos dirigidos a sectores de la población en lugares específicos del país donde no hay cines. Se estima que por razones geográficas y del precio del boleto al menos un 30 o 40 por ciento de la población no cuenta con acceso a una sala de cine”
Enfatizó que si se suprime la diversidad de la oferta cultural que ofrecen los festivales y los cineclubes, se dejará de difundir cine latinoamericano, asiático, africano y de otros países. Así como el cine independiente que se produce en el mundo y no se estrena en las salas comerciales. “Tristemente, nos quedaríamos con el 85% del cine de Hollywood que concentran anualmente las salas comerciales”.
Finalmente, Domínguez acotó que el cine es una actividad de vital importancia para la reactivación económica porque representa un ingreso considerable de recursos. Actividad que en algunas ocasiones se considera como una carga o un gasto superfluo. “Invertir en cine es tener la posibilidad de que las inversiones puedan tener un efecto multiplicador en la economía que genere beneficios y empleos en el corto y mediano plazo”.
Como parte de las actividades de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia, TV UNAM realizará la premier en línea del documental Non Western, de Laura Plancarte, el viernes 22 de mayo, a las 22:00 horas, limitada a 500 personas.
La película cuenta la historia de una peculiar pareja: un nativo cheyene, excombatiente de la Guerra de Irak, y una mujer blanca, quienes sufren toda clase de contratiempos durante los preparativos de su boda
Dentro del programa extendido de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia, que este año se ocupará del tema Las posibilidades de la vida: COVID-19 y sus efectos, TV UNAM realizará la premier del documental Non Western, de Laura Plancarte, (México/Reino Unido/Estados Unidos, 2020), una coproducción de TV UNAM, LP Films y Montana Film Office.
La premier se llevará a cabo el viernes 22 de mayo, a las 22:00 horas, exclusivamente en línea y limitada a 500 personas. Los interesados podrán registrarse y obtener su contraseña en la página de TV UNAM (tv.unam.mx) o solicitarla a tvunamportal@gmail.com.
Non Western es un documental ambientado en Montana, Estados Unidos, que cuenta la historia de una pareja interracial que se prepara para su boda. Los desafíos que enfrenta la familia y sus luchas nos muestran una cadena de opresión y de problemas de género en varias generaciones. La protagonista se debate entre la complejidad de la vida en pareja y su trabajo académico.
Laura Plancarte inició su carrera como artista plástica, pero encontró en el cine documental su mejor medio de expresión, sobre todo, para dar voz a otras personas a través del planteamiento de temas sociales. En 2009, viajó a Londres para hacer un diplomado en cine y así poder enriquecer su trabajo como artista plástica y visual.
Plancarte utiliza diversos medios como el cine, el performance y la instalación, creando proyectos interdisciplinarios que son expuestos en museos y espacios culturales en México, Londres, Barcelona y Florencia. En 2006 y 2007 fue premiada por su desarrollo artístico por BNP Paribas, y también ha contado con el patrocinio de la Colección Jumex, la Fundación del Centro Histórico, la UNAM y la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco.
Si quieres ser parte de las únicas 500 personas que podrán ver el estreno del documental Non Western de Laura Plancarte, ingresa a la página de TV UNAM (tv.unam.mx) para que te registres y obtengas tu contraseña o escribe al correo tvunamportal@gmail.com.
Recuerda que sólo tienes hasta el 10 de mayo para ver de forma gratuita el trabajo que la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la UNAM y la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Estatal de California en Northridge (CSUN) prepararon para mostrar sus creatividades cinematográficas.
El Encuentro Binacional de Escuelas de Cine cuenta con una selección especial de 20 cortometrajes que cuentan historias de valor y supervivencia.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]
El primero será Historia(s) de cine mexicano impartido por el escritor y periodista Sergio Huidobro
** Dirigido al público en general, previa inscripción y totalmente gratuito
Diversas son las actividades en línea que la Filmoteca de la Universidad Nacional Autónoma de México ha organizado cumpliendo el compromiso de atención a la comunidad universitaria y al público en general durante el periodo de permanencia domiciliaria como medida preventiva ante el COVID-19, y en respuesta a las recomendaciones de las autoridades de salud y universitarias. Es así que ha dado a conocer recientemente el Museo Virtual de Aparatos Cinematográficos, la nueva temporada de Cine en línea, la convocatoria de cortometraje Diario de la pandemia y los cursos en línea: Introducción a la historia del cine mexicano impartido por Mario Barro y Guion de cortometraje: la visión de la pandemia, por Nancy Molina.
A estas actividades se suman cursos de cine en línea que, a partir de ahora, tendrán valor curricular académico avalado por la Unidad Académica de Cultura UNAM, comenzando con Historia(s) del cine mexicano, que impartirá el escritor y periodista Sergio Huidobro y que se realizará los lunes y miércoles del 27 de abril al 27 de mayo de 2020, totalmente gratuito.
El objetivo de este curso es difundir entre el público conocimiento especializado en torno a la historia del cine mexicano, así como fomentar la discusión sobre su identidad, géneros, temas e industria, así como incentivar el visionado de películas mexicanas seleccionadas, como elemento de análisis, debate y también de recreación y esparcimiento durante el periodo de cuarentena.
Las sesiones se realizarán a través de la plataforma Zoom. Los interesados deberán enviar el formulario de registro que se encuentra en la página de la Filmoteca y enviarlo por correo junto con una carta de exposición de motivos y/o curriculum vitae actualizado. Los documentos serán analizado por un comité valuador. Los requerimientos para los asistentes será contar con cámara, micrófono y red. La modalidad será de exposición y debate alternados.
El curso está abierto al público general limitado a 15 personas que, al inscribirse, se deben comprometer a asistir a las sesiones virtuales y darle seguimiento a los materiales sugeridos.
Sergio Huidobro, escritor y periodista, es licenciado en Comunicación y maestro en Letras Latinoamericanas, ambos por la UNAM. Formó parte del jurado joven France 4 Revelation de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2014 y del programa Berlinale Talents Press del Festival de Cine de Berlín en 2016. Escribe de forma regular en las revistas La Tempestad, Cine Premiere y en el suplemento La Jornada semanal. Ha colaborado también en el diario Reforma y en los podcasts Cine Garage y Cine mexicano por sector cine, así como panelista semanal en Mi cine, tu cine de Canal Once TV así como en la serie “Enfoque crítico” del canal Zoom F7. Recientemente fue incluido en Dos amantes furtivos: cine y teatro en México (Coord. Hugo Lara, 2015), en Los retos de Retes (Cineteca Nacional, 2018), Correspondencias: cine y pensamiento (FICUNAM / TV UNAM, 2018) y coordinó el volumen de crónicas Pies en la tierra: crónicas de septiembre (2017). Es tallerista de cine documental en el programa nacional Polos Audiovisuales, del IMCINE, y del área de formación de PROCINE en la Ciudad de México.
El curso en línea Historia(s) del cine mexicano tiene un cupo máximo de 15 personas y se entregará constancia académica únicamente a las personas inscritas. Para obtener la constancia académica final, se tomará en cuenta la asistencia remota al 80% de las sesiones como mínimo (ocho sesiones o 24 horas), además del envío por correo de un ensayo corto antes de la última sesión.
Las sesiones de los cursos en línea Introducción a la historia del cine mexicano impartido por Mario Barro y Guion de cortometraje: visión de la pandemia, por Nancy Molina, que iniciaron el 7 y 8 de abril respectivamente, estarán disponibles en la página de la Filmoteca de la UNAM.
Para informes e inscripciones, contactar a Mariana Ceja al correo redes.filmoteca@gmail.com. También se puede consultar la página de la Filmoteca www.filmoteca.unam.mx y las redes sociales como @FilmotecaUNAM.
Durante este periodo la Filmoteca de la UNAM pone a su disposición los siguientes medios de comunicación: 55 15 01 74 30 de Doris Morales, encargada del Área de Prensa (dorixmb@unam.mx), así como el 55 40 88 35 21 de Jorge Martínez Micher, Subdirector de Difusión (micher@unam.mx).
Juan Mora Catlett, académico de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la UNAM, recibió en Moscú, Rusia, el premio a la Excelencia Docente que otorga la Asociación Internacional de Escuelas de Cine y Televisión (CILECT, por sus siglas en francés), galardón considerado el “Nobel” del séptimo arte.
El premio, entregado durante el Congreso CILEC 2019 en la escuela de cine más antigua del mundo: VGIK Sergei Gerasimov, le fue concedido en la categoría Trayectoria y Logros Docentes (Lifetime Educational Achievement), por su labor docente y por formar a cineastas como Alfonso Cuarón, Emmanuel Lubezki, Elisa Miller, Julián Hernández, María Novaro, Ernesto Contreras y Armando Casas.
La CILECT está integrada por más de 180 escuelas de cine, televisión y medios audiovisuales, pertenecientes a 65 países de los cinco continentes, y la ENAC es miembro desde 1973.
Mora Catlett ha entrenado a generaciones de cineastas, algunos ganadores de los premios de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, los Oscar, la Palma de Oro y los Premios Teddy de Berlín.
Como cineasta, ha visibilizado al mundo y las lenguas indígenas con trabajos como “Regreso a Aztlán” y “Erendira Ikikunari”, por los que ha recibido varios premios nacionales e internacionales.
Su último largometraje “Ira”, aborda su experiencia como sobreviviente de cáncer, combinando ficción y documental.
Mora Catlett ha sido becario de la fundación John Guggenheim y del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México, y ha sido reconocido con el Premio Universidad Nacional en Docencia en Artes.
En la ceremonia también fueron galardonados Anjum Rajabali, de la Whistling Woods International, de India; y Cecilia Antakly de Mello, de la Universidad de São Paulo, con el Premio Internacional al Pedagogo; y Yu Ran, de la Universidad de Comunicación de China, como Profesor Joven Promesa.
La Sala Julio Bracho y la Sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario, junto al Cinematógrafo del Chopo, exhibirán la película hasta el 28 de noviembre de 2019.
«The Irishman» es una película épica, magistralmente realizada, sobre un crimen americano; es una historia compleja, contada con una fluidez impresionante. Basada en la novela de Charles Brandt, ‘I Heard You Point Houses’, esta es una película acerca de amistad y lealtad, entre hombres que cometieron actos inenarrables y se enfrentaron, así como de la posibilidad de redención, en un mundo donde redimirse parece tan distante como la Luna. El cúmulo de talento detrás y frente a la cámara es simplemente sorprendente, y en el corazón de «The Irishman» están 4 grandes artistas colectivamente llegando a nuevas alturas: Joe Pesci como Russell Bufalino, jefe criminal de Pennsylvania; Al Pacino como el líder sindical Jimmy Hoffa; y Robert De Niro como su mano derecha, Frank Sheeran; todos trabajando en absoluta armonía con el incomparable creador de esta obra, Martin Scorsese.
Dir. Martin Scorsese / E.U.A. / 2019 / 209 min. Guión: Steven Zaillian. Basado en el libro “I Heard You Paint Houses”, de Charles Brandt.Fotografía: Rodrigo Prieto.Música: Robbie Robertson.Edición: Thelma Schoonmaker.Producción: Gastón Pavlovich, Martin Scorsese, Robert De Niro, Irwin Winkler, Emma Tillinger Koskoff. Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Anna Paquin, Harvey Keitel, Jesse Plemons, Bobby Cannavale, Stephen Graham, Jack Huston, Ray Romano.
CCU, Sala José Revueltas Centro Cultural Universitario, CU, Insurgentes Sur 3000, Del. Coyoacán, 04510, Ciudad de México
FUNCIONES:
20/11/2019 de 05:30 p.m. a 08:59 p.m.
21/11/2019 de 05:30 p.m. a 08:59 p.m.
22/11/2019 de 05:30 p.m. a 08:59 p.m.
23/11/2019 de 05:30 p.m. a 08:59 p.m.
24/11/2019 de 05:30 p.m. a 08:59 p.m.
25/11/2019 de 03:00 p.m. a 06:29 p.m.
26/11/2019 de 01:00 p.m. a 04:29 p.m.
27/11/2019 de 01:30 p.m. a 04:59 p.m.
28/11/2019 de 01:00 p.m. a 04:29 p.m.
Precio General: $40.00
Boletos
50% estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS. Sujeto a disponibilidad. Programación sujeta a cambios sin previo aviso.
El Movimiento Estudiantil del 68 es una de los momentos más significativos en la historia política de México, sin embargo, a lo largo de muchas décadas, la censura gubernamental logró mantener lo sucedido durante el verano de aquel año fuera de la cinematografía nacional y marginalizó los pocos ejemplos que lograron eludir la férrea mano de los censores, como la cinta Rojo amanecer (1989) o el documental Dos de octubre, aquí México (1968).
Poco a poco comenzaron a surgir ejemplos que acompañaron a El Grito como memoria cinematográfica de aquellos que decidieron marchar y enfrentar a las autoridades para buscar un cambio social, antes de sufrir la vena más autoritaria de su gobierno, preocupado por la imagen del país proyectada al mundo previo a las Olimpiadas de 1968.
Ese ejemplo de valentía y la necesidad de contar lo sucedido antes de la Matanza de Tlatelolco fueron los motivos principales por los que el realizador José Manuel Cravioto, egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) ahora Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), decidió emprender la difícil tarea de producir, dirigir y escribir una película sobre dicho tema.
“Desde niño que hojeaba libros o le preguntaba a mi papá o a la gente que participó en el movimiento, cómo era la UNAM en esos tiempos, qué pasaba cuando salían a las calles, ver películas, escuchar año con año que se reunían para recordarlo. Pasaron varias cosas y terminé estudiando cine en la UNAM, en el CUEC, donde varios de mis maestros participaron en el movimiento, en la filmación de El Grito.
“Fue como redondear la experiencia, escuchar las historias de cómo filmaron el documental, me hizo sentir parte del espíritu y generé la necesidad de formar parte de este grupo de cineastas, tomar la estafeta para seguir contando lo que me enseñaron mis maestros, mostrar las historias que tenía en la cabeza. Era una inquietud artística”, explica Cravioto.
Olimpia fue el resultado de ese deseo, en la película somos testigos de cómo tres estudiantes –Raquel (Nicolasa Ortiz-Monasterio), Rodolfo (Luis Curiel) y Hernán (Daniel Mandoki)– ven transformadas sus vidas al involucrarse en las manifestaciones estudiantiles, enfocándose en los meses previos a la funesta noche de Tlatelolco.
Luis Curiel afirma que “durante mucho tiempo se trató de cuidar la manera de contar el evento, a nivel de medios y de qué convenía para los políticos. De pronto, nos distrajimos de ver a los jóvenes, cuál era el espíritu primigenio que generó el movimiento. Es bueno, a la distancia, que José Manuel haya tenido el valor de contar todo ese espíritu.”
Para los tres actores protagonistas involucrarse en Olimpia significó cambiar sus ideas sobre el 68, así lo expone Mandoki: “conocía al 68 como un hecho histórico. Había escuchado qué pasó, las fechas, etc. Pero no me había adentrado en el movimiento, cómo era la energía de los chavos, cómo eran ellos, qué significaba para los participantes. No había captado que para ellos fue algo muy bonito, siempre lo hicieron desde un lugar muy pasional. Conocía al movimiento como situación histórica nada más.”
“Se habla mucho del 2 de octubre, hablar del movimiento no se hace mucho. Se habla de muertos, la CIA, Díaz Ordaz, los líderes estudiantiles, quién se volvió político, quién consiguió puesto, quiénes quedaron en Lecumberri. El movimiento no es sólo ese momento terrible, durante meses se gestó algo muy bello que sucedió en la Universidad, el epicentro de ese movimiento nacional”, añade Cravioto.
La intervención de la Universidad Nacional fue clave a lo largo de toda la producción, no sólo el director es egresado de la misma sino que decenas de estudiantes de la Facultad de Artes y Diseño (FAD) participaron en la animación que da vida a cada cuadro del largometraje gracias a la técnica de la rotoscopia, realizada gracias a una máquina que permite a los artistas dibujar sobre las imágenes capturadas por la cámara.
El uso de esta técnica, usada en películas como Tron (1982) o Despertando a la vida (2001), significó una experiencia radicalmente nueva para aquellos que participaron en la producción de Olimpia.
“Al decirles que se iba a dibujar encima de ellos y que sus rostros y físicos iban a quedar un poco escondidos, era difícil explicarles y entenderlo. Fueron muy generosos cuando dijeron: claro, estoy trabajando para el sujeto animado. Debían quitarse lo personal y poner a servicio de un ser animado su actuación”, apunta el también realizador de Seguir siendo: Café Tacvba, donde comparte crédito de dirección con el cineasta Ernesto Contreras.
Por su parte Curiel cuenta que “al principio nos costó un poco entender la dinámica de cómo se filma plano por plano, por capas en realidad. Teníamos una capa para la locación, luego otra para los extras y después nosotros. Había que repetir ese proceso en cada plano, primero no entendíamos la dinámica porque había cierto desconcierto. Al final, fue muy disfrutable entenderlo y trabajar al servicio de eso. Fue una gran experiencia.”
La película, para Nicolasa Ortiz-Monasterio, es una buena manera de acercar a las generaciones más jóvenes al espíritu del Movimiento del 68, que podría resultar algo distante para aquellos que no lo vivieron, porque en la escuela debes “memorizar los hechos históricos, te aprendes uno y vas al museo, ahora el siguiente. Entonces, obviamente, si te dicen 2 de octubre te va a dar hueva. Con la película me pasa que ésta vive, tiene fuego, tiene rock y no sólo políticos. Te emocionas. ¿No mames así fue? ¿Los mexicanos andaban igual que los franceses? ¡A huevo! Te entusiasmas y deja de ser una fecha en un libro.”
“No hay que ser injustos con generaciones jóvenes porque no se interesen. Para que la memoria funcione tienes que estar atada a que físicamente recuerdes los libros o lo que te contaba tu papá. Mi generación estaba muy acostumbrada ese tipo de estímulos”, señala Cravioto y añade:
“Las nuevas generaciones no lo tienen porque nosotros, como padres, no tenemos el interés de llegar y decirles ‘mira, hay esto, hojea este libro’. Conocer los materiales que no están en YouTube cambian la manera en que nos relacionamos con el pasado. No es culpa de los jóvenes, es que la dinámica es otra. No sé tocan esos libros, no se ven esos cuadros, no llevas al niño al museo. Se ha perdido eso.”
Entre esos materiales hay dos que nutrieron de manera especial a Olimpia: El Grito y el libro La noche de Tlatelolco, de Elena Poniatowska. De esta manera lo enuncia el director de Los últimos héroes de la península:
“El Grito me parece un documento muy vivo, hay vasos comunicantes que inspiran a Olimpia en La noche de Tlatelolco y El Grito. Ambos son ensayos, uno literario y otro fílmico, en formatos poco convencionales. No es un documental lineal, ni tiene una narrativa convencional, igual que el libro. Saltan a la vista porque están vivos, requieren mucho de ti porque es como si conocieras a una persona con muchas ideas. Es el lenguaje que tienen, se sienten muy vivos y Olimpia toma algo de esas estructuras.“
Olimpia llegará a las salas de cine del Centro Cultural Universitario y varios complejos cinematográficos del país el próximo 27 de septiembre, previamente fue proyectada en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y Arcadia, Muestra Internacional de Cine Rescatado y Restaurado, organizada por Filmoteca de la UNAM.
[vc_row][vc_column][vc_column_text]
[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Sin escuelas, sin posgrados, sin traje, sin corbata y con una ligera carcajada Alejandro González Iñárritu dice que el honoris causa que le otorgará la UNAM “quizá (es) un error pero para mí un gran honor”.
Durante tres horas y media les narra a sus colegas universitarios sobre el sacrificio, los riesgos y la locura de hacer cine. Ninguna película vale lo que una vida humana, “no puedes poner en riesgo la vida de alguien”, y recuerda las dificultades al filmar la escena del choque en Amores Perros, en la que por centímetros los mirones estuvieron a punto de sufrir un accidente.
Uno de los estudiantes le confiesa: ¡Eres mi héroe! González Iñárritu sonríe. “¿Qué película te ha conmovido?”, “ninguna”, respuesta desprovista de diplomacia. No duda en criticar lo vertiginoso de los contenidos de televisión. Es una máquina hambrienta que pide más y la calidad se pierde. El cine ha dejado de soñar e imita a la literatura.
Si su visión de la película amerita trabajar 18 horas en un bosque canadiense o en calles peligrosas de la Ciudad de México, lo hará. Es un trabajo artesanal, perfecto, obsesivo, “como el de los carpinteros”. No como las escenas en un estudio cerrado y con pantalla verde “como en Game of Thrones”.
Hoy los jóvenes no le tienen miedo a la globalización. Antes había muchos tabús, ahora el mundo es muy pequeño, ya no hay tantos miedos como había antes y creo que la libertad y las posibilidades tecnológicas que existen son muy superiores. Los jóvenes cineastas mexicanos ya no tienen la necesidad de salir del país. Hay otros retos que son el lenguaje, el ser relevante, el poder ser visto, señala el cineasta.
En entrevista, refiere que los jóvenes cineastas “están viviendo una época de sueño en comparación de como estábamos nosotros, en esa época no podíamos hacer cine. Realmente, era una montaña muy grande para subirnos, había muy poca producción. La producción estaba realmente en manos de muy pocos, el costo era altísimo, la exhibición y la distribución eran casi imposibles. Todo era para muy pocos. Hoy con un teléfono celular puedes hacer una obra, la puedes montar en las redes sociales, tienes acceso”.
Agrega que “hay una cantidad de producción que no se hubiera imaginado alguien, de muchos formatos, de muchos géneros. No quiere decir que la calidad haya aumentado, pero cuantitativamente estamos viviendo una época de oro en ese aspecto y en las oportunidades que tienen los chavos. Hay tanta opción que también se convierte en un problema la cantidad de opciones, pero definitivamente creo que no tienen la necesidad de salir”.
Con respecto al doctorado honoris causa que le conferirá la UNAM, destaca que es un gran honor, “me llena de orgullo y de alegría el obtener un doctorado de la UNAM, que para mí siempre ha sido no solamente una universidad bellísima a nivel estético, arquitectónico, sino lo que significa la primera universidad de América. El ser miembro de esta comunidad tan importante en México me motiva muchísimo, lo agradezco en el alma”.
Al conversar con estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas de la Máxima Casa de Estudios, afirma que le gusta hablar con los jóvenes “porque aprendo mucho de ellos. Me gusta compartir mis experiencias porque a partir de ahí ellos las pueden utilizar o desechar, por acción o por omisión, pero compartirlas es una forma de vivirlas de nuevo”.
Precisa que el cine y las cosas de calidad “necesitan un tiempo de maduración y germinación”.
El dos veces ganador del Oscar como mejor director (Birdman y The Revenant), expresa que no está de acuerdo con quienes dicen que lo digital ha roto el celuloide.
“Creo que las técnicas son bienvenidas. Son herramientas para ejecutar, depende de la pieza, creo que debemos utilizar todas las herramientas técnicas. El lenguaje cinematográfico sí necesita realmente considerarse, porque si no va a haber una transformación del lenguaje mismo, porque se pierde el medio y el medio no debe perderse”.
González Iñárritu se conmueve, la voz se le quiebra cuando cuenta la anécdota de su participación con un cortometraje para la cinta Septiembre 11. La llamada de una esposa que le avisa a su marido que el avión en donde va ha sido secuestrado, una llamada sin sobresaltos, que intenta tranquilizar al marido. Después de escucharla sabe que tiene que hacer ese corto. Es un recuerdo vivo.
Finalmente, le preocupa la involución que conlleva el uso de las redes sociales, se “está perdiendo el lenguaje, los simbolismos”, la conexión con la naturaleza.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/watch?v=ueNFXI0EteY»][vc_gallery interval=»3″ images=»73663,73647,73646,73644,73643,73642,73641,73661,73662,73664,73665″ img_size=»large»][/vc_column][/vc_row]
Producto final del diplomado Animación Stop Motion, impartido en la Facultad de Artes y Diseño (FAD) durante el semestre 2019-1, el cortometraje Tam taam fue seleccionado y premiado como parte de la selección oficial del Festival de Cortometrajes LAPSO 2019, promovido por el Autocinema Coyote en Ciudad de México, y en colaboración con las plataformas FilminLatino y Filmadores. Concursó junto con otros cortometrajes producidos por estudiantes de instituciones como la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, el SAE Institute México y el Vancouver Film School.
El filme pertenece al género del terror y fue dirigido por Yabin Nefte López, egresado de la licenciatura en Artes Visuales de la FAD, fotografiado por Regina Citlalli Guerrero, licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales, y diseñado por Zacnite Garduño, egresada de la licenciatura en Diseño y Comunicación Visual de la FAD.
Guiados por los académicos Jorge Álvarez Hernández (responsable del diplomado), Álvaro Ortiz Altamirano y Shaiko Rivero González, los tres universitarios creadores de Tam taamlograron concentrar en el plazo de un semestre su interés por la animación, la producción de marionetas, la creación de historias, la fotografía y la posproducción para dar vida a los personajes del cortometraje.
En su primera edición, el festival abrió las puertas del Autocinema Coyote en su sede de Insurgentes Sur para que jóvenes universitarios interesados por la ficción exhibieran sus trabajos en una pantalla de cine frente a amigos, colegas y público en general. El jurado estuvo conformado por expertos en el área cinematográfica y audiovisual como Emilio Portes, Diana Su, Joseduardo Giordano, Gilberto Ríos, Gabriel Otero e Isaac Ezban.
La FAD, mediante su División de Educación Continua y Extensión Académica, abre semestralmente su oferta de diplomados.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]
Shorts México cubre la Ciudad de México con cortometrajes nacionales e internacionales de los más prestigiosos eventos cinematográficos del mundo. Catorce años de ser el único festival dedicado exclusivamente al formato corto más grande de Latinoamérica.
Del 4 al 11 de septiembre Shorts México exhibirá 450 cintas, 282 cortos mexicanos, 75 iberoamericanos, 93 internacionales en 30 sedes de la ciudad (Cineteca Nacional, Centro Cultural Universitario UNAM, Casa del Lago de la UNAM, Biblioteca José Vasconcelos, entre otras).
Información general, programación, jurados, las bases del festival, las puedes consultar en www.shortsmexico.com o en nuestras redes sociales Facebook: Shorts Mexico, Twitter: @shortsmexico e Instagram.
En el marco del Festival Internacional de Cine de Locarno, la ópera prima La paloma y el lobo de Carlos Lenin obtuvo el premio Swatch Art Piece Hotel (sección Cineastas del presente) que consiste en una residencia artística de seis meses en la que el cineasta participará en talleres con artistas a nivel internacional de diversas disciplinas.
El filme forma parte del Programa de Óperas Primas para Egresados de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la UNAM, y el Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (Foprocine), del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine).
Destaca que La paloma y el lobo es el primer largometraje de la ENAC que se estrenó a nivel mundial en uno de los festivales de cine de autor más importantes del mundo.
Esto sienta un precedente en la historia de la ENAC, porque consolida la importancia y la imagen de la escuela como una de las instituciones académicas más importantes en el campo de la cinematografía mundial.
Un ciclo de cuatro películas de los directores griegos más emblemáticos será transmitido por TV UNAM del 3 al 6 de junio, a las 22:00 horas. Al finalizar cada película, el cineasta José Antonio Valdés Peña comentará el filme en la sección Cinemateca.
El lunes 3 de junio se transmite la película Electra (1962), del director Mihalis Kakogiannis, adaptación de la tragedia griega de Eurípides, que cuenta la historia del rey Agamenón cuando regresa a Argos, después de triunfar en la guerra de Troya. Durante su ausencia, su esposa Clitemnestra, madre de Electra y Orestes, se enamora del cruel Egisto, quien se convierte en su amante y entre ambos maquinan el asesinato del noble monarca. La cinta fue nominada al Óscar como Mejor película en lengua no inglesa y ganó el Gran Premio Técnico en el Festival de Cannes, además de recaudar más de ocho millones de euros. La película cuenta con las actuaciones de Irene Papas, Giannis Fertis, Aleka Katselli, Manos Katrakis, Notis Peryalis, Theodoros Dimitriou, Fivos Razi, Takis Emmanuel, Petros Ampelas y Elsie Pittas.
El martes 4 de junio es el turno de Ifigenia (1977), de Mihalis Kakogiannis, adaptación de la tragedia griega Ifigeniaen Áulide de Eurípides, que narra la historia previa a la guerra de Troya, cuando la armada griega se prepara para zarpar de Áulide con destino a Troya, donde se librará una gran batalla. La ausencia de viento retiene a los mil navíos griegos en el puerto y un adivino revela que Artemisa, la diosa de la caza, está furiosa porque los griegos matan a uno de sus animales protegidos. La única manera de apaciguar a la diosa y obtener vientos favorables para zarpar es sacrificar a Ifigenia, la hija de Agamenón, quien se ve sumido en un trágico conflicto moral. La cinta fue nominada al Óscar a la Mejor película de habla no inglesa y a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Se destaca por la participación de la actriz Irene Papas; el reparto también lo integran Tatiana Papamoschou, Kostas Kazakos, Costas Carras, Christos Tsagas, Panos Mihalopoulos y Dimitri Aronis.
El miércoles 5 de junio se transmite El apicultor (1986), del realizador Theo Angelopoulos, la historia de Spyros, interpretado por Marcello Mastroianni, un maestro de escuela que después de varios problemas familiares, decide comenzar un viaje como apicultor, cruzando Grecia de norte a sur para cultivar sus colmenas. Durante el viaje, conoce a una joven, interpretada por Nadia Mourouzi, que se une a la aventura. En la cinta además actúan Dinos Iliopoulos, Serge Reggiani, Jenny Roussea y Nadia Mourouzi.
Para cerrar este ciclo, el jueves 6 de junio se transmite Amén (2002), de Costa-Gavras, historia sobre Kurt Gerstein, un oficial alemán de las SS que durante la Segunda Guerra Mundial se encarga de suministrar el Ziklon B a las cámaras de gas. Sin embargo, su trabajo no lo hace impasible a los horrores que están teniendo lugar en Alemania y junto a Ricardo Fontana, un joven jesuita, intenta llegar hasta el Papa Pío XII y a los Aliados para informarles de la situación y poner fin a los campos de concentración. La película denuncia la indiferencia de todos aquellos que sabían lo que estaba pasando y decidieron callarse. En la película, actúan Ulrich Tukur, Mathieu Kassovitz, Ulrich Mühe, Marcel Lures, Ion Caramitru y Sebastian Koch.
El ciclo de cine Directores griegos se podrá ver a partir del lunes 3 y hasta el jueves 6 de junio, a las 22:00 horas, por la señal de TV UNAM y al finalizar cada cinta, el cineasta José Antonio Valdés Peña ofrecerá un análisis en la sección Cinemateca.
Hace 40 años Alfonso Cuarón tocó a las puertas de la UNAM. Entonces era un chico de 18 con aspiraciones de cineasta y domicilio en la colonia San Jerónimo que, de inicio, quiso inscribirse en el CCC, pero entonces sólo aceptaban a mayores de 24, por lo que hizo examen al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), cuando éste aún ocupaba una vieja casona en el corazón de la Del Valle y donde la edad no era impedimento.
Hoy Cuarón es el director mexicano con más óscares en su estantería (hay quienes dicen que Iñárritu lo empata si en el conteo se incluye su Óscar especial) y este camino empezó un 11 de septiembre de 1979, cuando el joven presentó su primera reflexión escrita sobre qué lo movía a andar por esta ruta. La primera pregunta del formulario de ingreso era ¿por qué quiere estudiar cine?, a lo que él respondió, con garabatos de bolígrafo azul: “Porque es el arte con el que me identifico más y que mejor comprendo. Esto se basa no sólo en la apreciación sensible de las obras, sino en una experiencia práctica y creativa que se ha convertido en mí en una necesidad”.
Sobre su paso por el CUEC, hace unos días el cineasta señalaba, “en esa época era una escuela muy desarticulada, pero con buenos maestros”. En esa misma reunión, sus profesores describieron a Alfonso como un estudiante ambicioso que, a su parecer, pintaba para fotógrafo y muy amigo de otro alumno, Emmanuel el ChivoLubezki, quien apuntaba a director, “y terminó siendo justo al revés”.
La cinta más reciente de Cuarón, Roma, además de haber ganado los óscares a Mejor Película Extranjera, Director y Fotografía apenas el mes pasado, es considerada su trabajo más personal. En este largometraje, y echando mano de sus recuerdos infantiles, el creador volcó su deseo de visibilizar la vulnerabilidad de las trabajadoras domésticas alrededor del mundo (“casi 70 millones”) no con la crudeza del manifiesto, sino desde los ojos de una mujer mixteca que vuelca su cariño en una familia que no es la suya y que, al mismo tiempo y de una manera muy deficiente, sí lo es.
En el ensayo mecanografiado presentado por Alfonso en 1979 para entrar a la UNAM se aprecia el mismo espíritu que alimenta a este filme: “Aun cuando cualquier película debe desarrollarse en un contexto social y psicológico no debemos radicalizar ninguno de estos ámbitos pues caeríamos en el panfleto. Para superar este burdo estado el cine no debe concretarse a la crítica social directa, sino acompañarse de una serie de valores y conceptos compartidos por todos, como el amor, la muerte o la vejez, lo cual es una manera de incrementar la universalidad de la obra”.
También salta un detalle a la vista tras leer el examen de Cuarón y ver que a la pregunta sobre cuáles son las mejores películas que ha visto, el joven de entonces 18 años elige Llueve sobre mi corazón, de Francis Ford Coppola, aunque luego la tacha para dar lugar a Ladrón de bicicletas, cinta que transcurre también en Roma (pero la de Italia), y en la que Vittorio De Sica escoge de protagonista de su filme a Lamberto Maggiorani, un obrero de fábrica que no era actor, algo que el mexicano repetiría muy a su manera al elegir como Cleo a Yalitza Aparicio, una maestra normalista que tampoco era actriz.
Al recibir el Oscar a Mejor Director el 24 de febrero pasado, el realizador condensó, en apenas ocho palabras, todo aquello que quiso expresar en las decenas de cuartillas de aquel examen de 1979, cuando desde el podio del Dolby Theatre de Hollywood dijo, ya con estatuilla en mano: “Nuestro trabajo es ver donde otros no ven”.
Actualidad del cine hoy
Cuando Alfonso entró al CUEC hace 40 años, la ausencia de nuestro país no en el panorama internacional era tan vergonzosa que el joven aseguró: “El cine mexicano ha tenido tan pobre fama como pocos realizadores buenos, y aunque ha pasado su vida sumido en épocas oscuras promete obras valiosas gracias a los nuevos talentos que están creando una transición en temas, formas y técnicas. Sin embargo, hay trabas, la económica y la de un sistema de producción y distribución corrompido”.
En una visita reciente a CU el cineasta aseguró haber recibido en la UNAM la formación necesaria para llevar su carrera hasta donde lo ha hecho, mientras que sus maestros no dejaron de reconocer el lustre que le da al centro haberlo tenido como alumno. Uno de ellos fue Jorge Ayala Blanco, quien al charlar con la periodista Carmen Aristeguiadmitió con cierto humor: “Tengo 77 años, 56 de hacer crítica de cine sin fallar una semana, 54 de dar clase en el CUEC, 40 libros publicados y ya está escrito mi epitafio: Jorge Ayala, con letras muy chiquitas, y con letras grandotas: ‘maestro de Alfonso Cuarón’”.
Los cineastas mexicanos siguen haciendo historia. A pocos días del triunfo de Alfonso Cuarón en la ceremonia del Oscar –donde consiguió su segundo reconocimiento como Mejor Director y el primer Oscar a Mejor Película Extranjera para México–, el Festival Internacional de Cine de Cannes anunció que Alejandro González Iñárritu ha sido elegido para encabezar el Jurado de la Selección Oficial en la próxima edición del certamen cinematográfico.
El realizador mexicano expresó su beneplácito por el nombramiento a través de un comunicado de prensa: “Cannes ha sido importante para mí desde el inicio de mi carrera. Me siento humilde y emocionado de regresar este año con el inmenso honor de presidir el Jurado.”
“El cine corre por las venas del mundo y este festival ha sido su corazón. Nosotros en el jurado tendremos el privilegio de observar los nuevos y excelentes trabajos de nuestros compañeros realizadores de todo el mundo. Esto es una verdadera delicia y una responsabilidad, que asumimos con pasión y devoción”, añadió el director de Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia.
Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas de la Filmoteca de la UNAM, apuntó que el nombramiento es una buena noticia para los cineastas mexicanos.
“Habla de esta nueva época de oro del cine mexicano, además es una promesa. Sería extraño que un festival con mexicano como presidente del jurado no incluya más cine mexicano. Este año Cannes traerá una pizarra muy grande de nuestro cine, seguramente un estreno por cada competencia. Ése es el mensaje al elegir un director representativo de México”.
La elección también confirma “la excelente labor que han hecho desde hace muchos años las instituciones públicas y los festivales de cine en México, el de Morelia, los Cabos, el de Guadalajara y Guanajuato se han acercado a Cannes, llevan talento mexicano” para proyectarlo en el extranjero.
“Hay calidad y variedad en el cine mexicano. No sólo en las películas, sino en la industria en general. Escuelas, como el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, llevan años formando cineastas. Es una apuesta de formación y desarrollo que está rindiendo frutos. Tenemos una industria pujante, aunque sigue con el gran pendiente de reencontrarse con el público”, manifestó el director de la Filmoteca UNAM.
Pierre Lescure y Thierry Frémaux, presidente y delegado general del Festival de Cannes, se mostraron felices y agradecidos por la llegada del mexicano a la presidencia del jurado, puesto que hace un año fue ocupado por la actriz Cate Blanchett.
Los directivos aseguraron sentirse dichosos por el sí de Iñárritu, un artista conocido por su poca (o nula) participación como jurado en festivales de cine. “Es bastante raro que Alejandro G. Iñárritu acepte participar como jurado, esta será la primera ocasión que un cineasta latinoamericano presida el Jurado del Festival de Cannes.”
“Cannes abraza todo tipo de cine, y mediante la presencia del realizador de Babel, el Festival celebra al cine mexicano. No sólo es un cineasta atrevido y un director que está lleno de sorpresas, Alejandro es también un hombre de convicciones, un artista de su tiempo”, puntualizaron en el comunicado.
Alejandro González Iñárritu y el Festival de Cannes comparten una larga historia que se remonta al año 2000, cuando el novel director llevó su ópera prima, Amores perros, a la Semana de la Crítica, una de las secciones paralelas del festival. Unos cuantos meses después la cinta fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera.
Unos años después, en el 2006, regresó a la Costa Azul para llevarse el galardón a Mejor Director y el Premio Ecuménico del Jurado por su trabajo en Babel, una superproducción norteamericana que cuenta con las actuaciones de Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal y Adriana Barraza.
Cannes también consideró al mexicano para participar en la antología de cortometrajes Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s’éteint et que le film commence. En ella, cineastas de la talla Theodoros Angelopoulos, Olivier Assayas, Jane Campion, Aki Kaurismäki, entre muchos otros, buscaron plasmar qué significa el cine para ellos y así celebrar la 60º edición de Cannes. El corto firmado por Iñárritu lleva por título Anna.
Para el 2010, el ex locutor de WRadio era uno de los consentidos del festival fílmico más prestigioso del mundo. Fue en ese año que presentó Biutiful en las pantallas del certamen, el protagonista de la cinta, Javier Bardem, terminó con el premio de Mejor Actuación Masculina en el regazo.
Carne y Arena
Las siguientes dos producciones de González Iñárritu, Birdman y El renacido, no tuvieron estreno en las costas francesas. No obstante, el cineasta recibió una vez más el cariño de los espectadores franceses gracias a la presentación de su exposición, Carne y Arena, como parte de las actividades paralelas de Cannes en el 2017.
La instalación de realidad virtual se presentó en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT) bajo el título Carne y arena (Virtualmente presente, físicamente invisible), fue vista por más de 13 mil personas. Ésta buscaba explorar la actual crisis que la humanidad atraviesa con el fenómeno migratorio sumergiendo a los visitantes en la experiencia de un migrante cruzando la frontera entre México y Estados Unidos, fue reconocida con un Oscar honorario.
Durante más de 10 días, la universidad proyectará en sus salas de cine y otras salas asociadas un total de 139 películas provenientes de 40 países como parte de la 9ª. edición del FICUNAM, el festival de cine universitario más importante de México.
Revisa la programación completa en la página web www.ficunam.unam.mx, donde podrás encontrar una oferta de cine de autor tan variada como original, experimental y arriesgada.
Vale la pena acudir a este banquete cinematográfico que la Coordinación de Difusión Cultural y la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM han organizado para todos los estudiantes, académicos y el público en general.
El acceso a todas las salas de la UNAM es gratis, pues los organizadores no quieren que el dinero sea un impedimento para que el público tenga acceso a un cine de calidad. Sólo procura llegar temprano, pues el cupo es limitado.
El festival arranca con el estreno en México de la película de ciencia ficción High Life (2018), de la cineasta francesa Claire Denis y con las actuaciones de Robert Pattinson y Juliette Binoche, el jueves 28, a las 19:30 horas, en la Sala Miguel Covarrubias, del Centro Cultural Universitario (CCU).
El trabajo de Víctor Manuel Méndez en el Centro de Investigaciones Interdisciplinarias en Ciencias y Humanidades (CEIICH) es filmar documentales, no importa si el tema son los pueblos desplazados por mineras canadienses, la pervivencia de los quelites en nuestras dietas, el movimiento estudiantil del 68, la privatización de las paraestatales, la ópera, las matemáticas o el feminismo.
“Cada historia que cae en mis manos implica la oportunidad de arrancar de cero, de aprender algo nuevo y de llevar a públicos más amplios estudios y textos que, de otra manera, quedarían tan sólo para consumo de pocos profesores, alumnos y especialistas”.
La idea de usar el documental para difundir las investigaciones del CEIICH fue de don Pablo González Casanova; él la impulsó cuando era director del centro —“es decir, desde el principio”— y, por lo mismo, es uno de los responsables de lo aquí generado, señala Méndez Villanueva, quien está a cargo del Departamento de Producción Audiovisual y Multimedia.
“Hacemos cinco de estas producciones al año, aunque si consideramos que hay 54 investigadores en la entidad es obvio que, pese a su potencial, esta herramienta aún no se explota cual debiera. Con frecuencia la academia llega tarde a su cita con la tecnología”.
Usualmente una investigación universitaria resulta en un artículo o en un libro —explica el comunicólogo—, pero estos documentales tienen alcances de mayor rango pues suelen proyectarse en los sitios donde se levantaron las imágenes y ante los entrevistados mismos, además de abrirse espacios en salas de cine e incluso emitirse por TVUNAM. De esta manera llegamos a donde la tinta y el papel no pueden.
Uno de los cortos más recientes de Víctor Manuel lleva por nombre Hijos del maíz, hijos del bosquey retrata a distintos ejidatarios de Chiapas que, al ser desplazados de sus milpas, dejaron la siembra para abrazar la tala sustentable. “Planeamos ir con ellos y mostrarles el filme. Ya antes hemos hecho esto de llevar este tipo de trabajos a comunidades tradicionalmente excluidas de los circuitos culturales y la recepción ha sido buena. Esto muestra que, si hay voluntad de acercarse, lo desarrollado en el CEIICH bien puede ser para todos”.
Un género en peligro
Vivimos en una sociedad que progresivamente lee menos y que cada vez gusta más de observar el mundo en la pantalla del celular. Para Víctor Manuel Méndez esto abre un abanico de posibilidades para el documental y, paradójicamente, también pone en riesgo a este género tan propenso a ir al fondo de las cosas, en particular por esa inercia al alza de consumir contenidos breves, simplistas y digeridos, la cual se ha vuelto ya un signo de nuestros tiempos.
“Pasa como en Fahrenheit 451, donde Bradbury advertía sobre esta inclinación a preferir al Hamletresumido en una página que leer la obra original. Hoy la gente elige ver videos de un minuto antes que documentales e imagina que con esa microdosis ya se informó; lo mismo sucede con el periodismo, pues hay quienes creen que con leer un encabezado y dos párrafos pueden opinar de cualquier tema”.
Para el universitario es preciso recuperar todas las formas de comunicación que apuesten a la profundidad, lo cual no equivale desdeñar lo nuevo. “¿Qué tienen los memes o las microcápsulas en video? Quizá deberíamos determinar qué elementos los hacen tan atractivos y aprovecharlos para crear contenidos de mayor impacto y calado. ¿Acaso no todos deseamos llegar cada vez a más gente?”.
A la fecha, el departamento de Producción Audiovisual y Multimedia cuenta con más de 150 producciones en su catálogo y la más reciente es Germi, pieza de corte biográfico que narra la vida y obra del físico Adonis Germinal Cocho, investigador emérito de la UNAM.
En una entrevista de 2009, la cineasta Leslie Cockburn aseguraba: “Al hacer un documental lo más difícil es lograr que algo complejo parezca simple” y Víctor Manuel llegó a pensar lo mismo; sin embargo, su último trabajo lo hizo replantearse la frase y vio que al modificarla un poco daba pistas sobre cómo responder a los desafíos de la actualidad, y todo surgió de una charla con el profesor Cocho.
“El doctor Germinal —o Germi, como le dicen sus amigos— fue de los primeros en estudiar los sistemas complejos en México y en algún momento del filme debíamos hacer un alto y hablar de esa teoría, lo cual me inquietaba porque no sabía nada. El académico nunca dudó en tomarme la llamada y aclarar mis dudas por teléfono. En alguna ocasión, para darme confianza, me dijo ‘lo complejo no tiene por qué ser complicado’. La frase me impactó de tan cierta y creo que se puede aplicar en muchos terrenos, el del documentalismo incluido”.
Para sobrevivir, asegura Víctor Manuel, los documentales deben refrescar estructuras y narrativas, y adaptar a su discurso elementos nuevos; ello implica complejidad, pero no complicaciones insalvables. “De lograrlo, estos materiales cobrarán nueva vigencia y evitaremos esa desaparición de la que tanto hablaba Bradbury”.
Una tarea siempre en proceso
Para Víctor Manuel Méndez hacer documentales es una pasión. “Me llena y da vida. Amo trabajar con historias que me son confiadas y el traducirlas en imágenes, sonidos y emociones”.
Por esta razón, aunque recién estrenó Hijos del maíz, hijos del bosquey Germi, el universitario está ya inmerso en un audiovisual sobre Da Vinci, otro sobre la privatización de las empresas públicas de México y en breve irá a San Luís Potosí para un tercer proyecto.
“No podemos parar; una misión del CEIICH es insistir en que los contenidos académicos (los de humanidades y los científicos) tengan presencia en todos los soportes posibles y eso es lo que hacemos en el Departamento de Producción Audiovisual y Multimedia”.
A lo largo de su carrera, Víctor Manuel ha sido acreedor a diversos premios, como el de la World Wild Foundation por su cortometraje Milpa; no obstante, más que los reconocimientos el universitario señala que lo más gratificante son las experiencias acumuladas en 20 años de oficio, pues cada una lo ha hecho crecer como persona.
Hablar con quienes saben es la mejor manera de entender cómo es una temática que ignoras o una vida que no te tocó vivir. En ese sentido me gusta estudiar y trabajar con historias y conceptos. No puedo saberlo todo y por ello cuando me trabo, pregunto. La curiosidad es una guía que siempre me ha sacado de todo problema”.
Basada en una anécdota familiar, Roma es una película que remite a un México que hace falta recuperar para las nuevas generaciones. El México de la represión, de los grupos paramilitares, “es la oportunidad para darnos cuenta cuánto hemos sido de omisos en México para reconocer la exclusión de la comunidad indígena, no los hemos hecho parte del desarrollo el país”, denunció Francisco Peredo Castro, doctor en Historia por la UNAM.
Para el investigador, México es una nación de mestizos que ha sido excluyente, racista y clasista con las comunidades indígenas. “He escuchado decir barbaridades alrededor de Yalitza Aparicio, quien lo hizo muy bien a pesar de no ser actriz, y de que Hollywood se aprovecha de esto para parecer incluyente, pero esto no es algo nuevo, está atendiendo una demanda que le pide ser incluyente, de muchas personas que piden mostrar sus historias que incluyan actores de raza negra y amarilla. Lo importante para México tendría que ser qué vamos a hacer los mexicanos a partir del fenómeno de Roma y Yalitza Aparicio para cambiar esta situación”.
Peredo Castro expresó que la película de Alfonso Cuarón es “valiosísima” y lo será por mucho tiempo. Con respecto a las críticas que ha recibido el filme, refirió que se debe al gusto por el cine hollywoodense. “Un tipo de cine que funciona muy bien como entretenimiento pero aporta poco al espectador. De entre ocho de Rápidos y Furiosos, yo me quedo con Roma”.
Destacó que la fotografía de Roma recuerda los mejores tiempos de Gabriel Figueroa en la Época de Oro del cine mexicano. “Es una película que merece todos los premios, además de los que ya le han otorgado, pero hay que reflexionar si podemos hacer de esta oportunidad una reflexión concienzuda sobre cómo hemos sido como sociedad con la comunidad indígena, todas las críticas me resultan aceptables, pero no el hecho de que aflore todo el clasismo y racismo a propósito de Yalitza Aparicio”.
Finalmente, el académico de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales (FCPyS) de la UNAM mencionó que el cine mexicano vive un buen momento con cintas del género de comedia, pero también con el documental. “Hay talento en México y somos un país tradicionalmente creador de cine, aunque tenemos un problema con la distribución y exhibición que ojalá se solucione”.
