Escena viva. Intervenciones al espacio doméstico está integrada por una serie de intervenciones al espacio doméstico, reúne en video grabaciones, escenas de la vida cotidiana atravesadas por la puesta en escena de sus participantes durante el periodo de distanciamiento social. Estas intervenciones a lo cotidiano abordan temáticas muy diversas y se realizan a través de textos poéticos, literarios, composiciones musicales, diseños coreográficos, elementos visuales, e incluso, utilizando herramientas teatrales como textos dramáticos, vestuario y utilería. De esta forma, los creadores escénicos invitados, nos comparten una creación para la cámara, realizada -in situ- en espacios íntimos, que muestra una forma singular de intervención a su cotidianidad durante el aislamiento.
Desde las prácticas escénicas tradicionales, hasta las hibridaciones actuales de las artes vivas, el espacio cotidiano ha sido fuente sustancial de inspiración.
–23 de junio
Zurcido invisible
Compañía: Oligor/Microscopía (Jomi Oligor y Shaday Larios)
Teatro de objetos
“¿Qué memoria queda de los cuidados femeninos en los lugares donde vivimos? ¿Qué huella quedará de sus atenciones sutiles adentro en los espacios y sus objetos? Zurcido Invisible recorre estas preguntas a partir de un breve poema matérico-visual basado en la historia de vida de Rosario G., que habitó en nuestra casa antes que nosotros”
–25 de junio
Vuelcos_Selftapes
Aura Arreola
“Este es un ensayo absurdamente personal. Si antes de la pandemia mi trabajo se volcaba sobre las posibilidades de intimidad, encuentro y contacto humano, lo que se devela aquí es ese íntimo mar de incertidumbres en un cuerpo que intenta a la distancia, sobrevivir a una nueva realidad.
La pieza no solo arroja confusiones y pataleos. Reivindica por pura intuición, la necesidad de la ternura. Así puedan acaso, volverse imaginables otras relaciones con el mundo, con lxsotrxs, con unxmismx. Atender a las transformaciones moleculares o quizá, simplemente, parar, y aprender a escuchar el silencio con humildad.
Vuelcos: cartografía íntima de colaboraciones significativas*, está conformado por una serie de piezas interdisciplinarias cuyo punto de partida son aquellos momentos en los que la vida gira inesperadamente.
*Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Programa Creadores Escénicos 2019.
–30 de junio
Besos
Toztli Abril de Dios
“Desde hace varias semanas los abrazos, las caricias y los besos se han vuelto costumbres del pasado y hasta ahora mantenemos la esperanza de que sean medidas temporales. Pero ¿Los besos pronto serán solo el recuerdo del “mundo anterior”? …
Besos… intenta ser un compendio visual creado a partir de imágenes pergeñadas en la intimidad de una mañana en tiempos de confinamiento, un repertorio visual de los contactos piel a piel que compartimos mi hijo, mi madre y yo. Cuerpos mutados en formas abstractas que intentan trasmitir la sensualidad simple del contacto físico”.
–2 de julio
Sólo queda el mar
Teatro Bola de Carne
Las y los vecinos de un edificio de la Colonia Narvarte se encontraron un día, como todas las personas del mundo, encerrados a causa de la pandemia. Entonces decidieron intervenir el espacio que los contiene, los encierra y los salva: su edificio.
La arquitectura pensada como un organismo vivo, que respira… Las tuberías como venas por donde corre la sangre convertida en gas, en agua… los cables como los nervios que llevan electricidad a cada rincón… los cimientos, los pasillos y escaleras, como piernas y tripas… a través de las ventanas se nos revela la cotidianidad de la nada misma, de la espera, de la vida en confinamiento…
–7 de julio
Fragmentos de lo cotidiano
La Liga Teatro Elástico
“En este ejercicio pensamos el cotidiano desde un espacio que para nosotros es extra-cotidiano. Afortunadas circunstancias nos permitieron habitar por un tiempo una casa que no nos pertenece, fuera de la ciudad, que alejó a nuestra familia del encierro claustrofóbico y la tensión diaria de la pandemia, pero no de la gran incertidumbre por el futuro”
–9 de julio
Fragmentadxs
Misha Arias de la Cantolla
“Nuestras realidades han cambiado, por lo tanto nuestros espacios cotidianos también. Se
Han convertido de alguna manera en nuestra prisión. La palabra fragmento llegó a mi cabeza. Buscando en distintos diccionarios encontré la siguiente definición: pieza que solo puede considerarse en relación con otras piezas, siendo improcedente considerarle por separado”.
–14 de julio
Gallina
Nicolás Poggi
“Me temo no conocer al otro o quizás no entenderlo más. Ayer me desperté y ya no era yo. Pretendo que nada pasa mientras mi mente no deja de pensar en que me convertí. Soy el artista que se muestra neutro sin sentimientos, mentira!!!! soy cobarde y llevo un traje amarillo que me protege de ustedes, aunque te sonría te desconfío. El refrán dice: que fue primero ¿el huevo o la gallina?”
–16 de julio
Voron. La muerte del sentido
Aliona Shewionkova
Un ser humano ante la ruptura de lo conocido. ¿Cómo se configura lo que reconozco como el mundo? ¿Cómo se sostiene?; ¿cómo me sostiene?; ¿en qué consisten sus límites?
¿Cómo me percibo a mí cuando desaparecen los estímulos del mundo exterior? Las miradas de los otros que sostienen las matrices de inteligibilidad que me lean como una mujer, como pertinencia a una raza, nacionalidad, profesión.
Un yo que intenta asomarse más allá de sus fronteras. ¿Qué sucede cuando sacrifico mi yo?; cuando devoro mis propias creencias sobre mí en la obscuridad de mandíbulas que rechinan… El miedo penetrante de la muerte de lo familiar deviene deseo destrozador.
Los movimientos en las fisuras del mundo posible se abren al erotismo excesivo.
–21 de julio
Otra cosa. Apuntes para mi re-habitación del 31
Laura Agorreca
Esta serie de ejercicios iniciaron con un límite autoimpuesto: ¿Cómo intervenir mi espacio doméstico, íntimo, privado, sin exponerlo? Comencé con ideas más cinematográficas que teatrales y en el camino me enojé, me juzgué, me dije No. Me quedé a oscuras, tensé la fibra izquierda que sube por mi espalda hasta el Atlas y que me tortura cuando no duermo de noche.
La tensé hasta dejarla inmóvil. Empecé en otra dirección… Descarté cosas, las dejé incompletas, me aturdí de preguntas: ¿Para qué? ¿Para quién? ¿Es posible hablar de Artes Vivas en este contexto? ¿”Lo vivo” es sólo “en vivo”? ¿Cuál es la diferencia entre el “¿teatro digital?” y un cine precario? ¿Cómo debería ser esta nueva máscara?, y así… Las preguntas se multiplican.
El teatro es presencia. Mediatizado, el teatro, es como Sanzón sin su cabello. ¿Por qué debe el teatro ser reconfigurado? Si el teatro es en el encuentro ¿no le sería más propio salir a la calle ahora mismo? ¿Toparse con la gente, tomar a su desprevenido público como a un rehén? El teatro se ha vuelto peligroso, subversivo.
Asumamos su rol, pues. Las cosas por su nombre. Así, lo que verán a través de una pantalla, que grabé a través de una cámara y que atraviesa mi presente personal y doméstico es, por ahora, Otra cosa.
Oligor/Microscopía (Jomi Oligor y Shaday Larios)
Jomi Oligor. Doctor en Bellas Artes por la Facultad de Cuenca, en la Universidad de Castilla-La Mancha (2006), y licenciado en Bellas Artes por la misma institución. Como artista plástico ha participado en diversas exposiciones colectivas y una individual en Castel Ruiz, Tudela, (2003). Fundó la compañía Hermanos Oligor, creó el espectáculo Las tribulaciones de Virginia, co-producido por Hermanos Oligor (www.oligor.org), y el Festival internacional Teatre Visual I de Titelles de Barcelona, con la colaboración de Teatres de la Generalitat Valenciana. Se ha presentado en diversos lugares sumando hasta la fecha 16 países, 100 plazas, 500 representaciones. Su trabajo ha sido traducido a 13 idiomas y premiado en cinco ocasiones. Dirige y asesora espectáculos para compañías como Antigua i Barbuda, única en su faceta de teatro mecánico, y B.A.R.R.A. (2009).
En 2012 se asoció con Microscopía, de Shaday Larios, con quien creó La máquina de la soledad (www.lamaquinadelasoledad.org) y La melancolía del turista, teatro de objetos documentales. Actualmente investiga, junto a Xavi Bobés, la memoria de las ciudades a través de sus objetos, y con el colectivo El solar. Agencia de detectives de objetos
Shaday Larios (México, 1978). Doctora en Artes Escénicas por la Universidad Autónoma de Barcelona, en donde se especializó en filosofía del teatro de objetos. Estudió la Licenciatura en Letras Españolas en la Universidad de Guanajuato. Es directora de Microscopía Teatro, grupo de escena con objetos fundado en 2004. Ha sido asesora, profesora, seminarista y tallerista sobre objetualidad en escena en múltiples instituciones. Actualmente se dedica a la investigación-creación del “teatro de objetos documentales”, y escribe artículos en diversas publicaciones.
Trabaja en su proyecto La máquina de la soledad y La melancolía del turista en asociación con Jomi Oligor, de España. Es co-fundadora del colectivo El solar. Agencia de detectives de objetos, dedicado a explorar los vínculos entre barrio, memoria, escena y objetos cotidianos. Ganó el Premio Internacional de Ensayo Teatral CITRU-Paso de Gato- ARTEZ (2010) con el texto Escenarios post-catástrofe: filosofía escénica del desastre. Es autora de los libros: Los objetos vivos. Escenarios de la materia indócil (Paso de Gato, 2018); y Detectives de objetos (La uÑa RoTa, 2019).
Aura Arreola. Performer, directora, investigadora, coreógrafa neófita o simplemente artista. Licenciada en comunicación visual con especialidad en escenografía. En 2012, da un giro determinante hacia la investigación y práctica del Butoh, especializándose en México y Japón. Co-fundadora de la Sociedad de Carne y Hueso, Campo Escénico S.C y Cuerpos en Revuelta –Festival de Danza Butoh en América Latina–.
Se caracteriza por enfocar su práctica en la especificidad de sitio y ser pionera de las experiencias inmersivas en México, con el proyecto El Festín (Sociedad de Carne y Hueso, 2016-). Desde el 2018, colabora en el área de Neurodanza del Centro de Neurohumanidades junto al Dr. Francisco Gómez Mont, con el que ha realizado Coloquios y da continuidad a una investigación corporeizada entre psicoanálisis, neurociencia, coreografía y filosofía en formatos de conferencia-performance y en el taller titulado Danzas Butoh y experiencias encarnadas.
Toztli Abril de Dios. Actriz, titiritera y constructora de figuras. Estudió en la Escuela Superior Nacional de Artes de la Marioneta a Charleville-Mézières (Francia, 2008-2005), donde obtuvo el diploma DMA de Artes y Oficios de las Formas Animadas. Realizó la Maestría en Artes del Espectáculo y Teatro a París III, Sorbonne Nouvelle, Seminario de Georges Banu (2005-2003); Auditor libre en el Conservatorio Nacional Superior de Arte Dramático de París. Clase de Andrej Seweryn (2002-2003), como beneficiaria del programa de apoyo a Estudios en el Extranjero del FONCA.
Ha participado en diversos eventos: Cuarto Festival de la Bestia, con el taller Amuletos migratorios, y con la pieza Figuras del destierro, proyección de maquetas y figuras en video film (2014); Festival Teatro para el Fin del Mundo, en Tampico, Tamaulipas (2013), con la pieza Metus Causa, instalación-performance; Festival Río Loco, Toulouse, Francia (2011-2012), con la pieza Premiers pas Sur la Dune, con la Compañía Tof Theatre; Del bacalao… deambulación poética en el marco del Festival Río Loco; Títeres para el almuerzo, espectáculo itinerante en la región de Val de Somme/Bocage-Hallue, Francia; y en el Laboratorio-colaboración en Sheffield, Inglaterra, con Vincent Dance Theatre y Gavin Glover.
Cuenta con experiencia en la concepción y realización de títeres y máscaras en México y otros países: Barba azul (realización de máscaras), y en La hora del diablo (elaboración de marioneta para la compañía La Máquina de Teatro, 2014). Christmas Carrol, en colaboración con Gavin Glover, presentado en Glasgow, Escocia (2014); Lès Vwèsdèl nut (2013); Convesations avec Jeune Homme, espectáculo dirigido por Agnès Limbos de la Compañía Gare Centrale; y Carmen, espectáculo de Karine Birgé, con la compañía Kariatydes (2011), en Bruselas, Bélgica.
Teatro Bola de Carne (Bernardo Gamboa y Micaela Gramajo)
Bernardo Gamboa. Cursó la Licenciatura en Actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). Ha participado como actor en varias obras con los directores Martín Acosta, Mauricio Jiménez, Enrique Singer, Miguel Flores, Boris Shoemann, Alberto Villarreal, Edén Coronado, David Psalmon y Howard Lotker. Es cofundador y codirector de las compañías de teatro independiente Luna Avante y Bola de Carne, con las que ha creado sus propias piezas y que se dedican a la investigación del trabajo actoral y su relación con la teatralidad. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en dos categorías: Intérpretes (2006 y 2007) y Creadores escénicos (2010 y 2011).
Micaela Gramajo. Actriz, dramaturga y productora. Estudió Literatura Dramática y Teatro en la UNAM. Ha participado en diversas obras de teatro bajo la dirección de Carlos Corona, Perla Szuchmacher, Berta Hiriart, Fernando Bonilla, Tony Castro, Juan Carlos Vives, Gabriel Figueroa Pacheco y Matías Gorlero. Fue actriz y productora de la pieza Pato, muerte y tulipán, escrita y dirigida por Haydeé Boetto; así como actriz, dramaturga y productora de las obras Cosas pequeñas y extraordinarias; y Te mataré, derrota. Fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en el programa Creadores Escénicos (2008-2009); y de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales FONCA (2012). Ha sido invitada a participar en numerosos festivales nacionales e internacionales.
La Liga Teatro Elástico. Compañía de teatro de objetos y figuras animadas. Sus integrantes -amantes de la materia y el movimiento- consideran al teatro como un objeto elástico. Con él amarran, propulsan, montan, rebotan, tejen, y sobre todo, ligan lo distante. Para ellos los objetos hablan, el público actúa y la materia detenta la mitad de los derechos de autor de cada montaje. Jacqueline Serafín, actriz y directora, e Iker Vicente, artista plástico e inventor de títeres, constituyen el núcleo de la compañía. Para cada proyecto procuran convocar a talentos y variopintos artistas interesados en los límites entre las disciplinas.
La compañía ha desarrollado cinco montajes propios, dos instalaciones participativas y una co-producción internacional; se mueve con soltura en un rango que abarca manifestaciones contemporáneas de teatro de objetos, títeres para niños, y teatro de calle participativo. Su trabajo se ha presentado lo mismo en pequeñas comunidades y barrios como en museos, plazas, teatros y festivales internacionales en tres continentes. En estos momentos de distanciamiento social, le han sido comisionadas hasta ahora 3 piezas en video.
Interesados en el arte como cruce de conocimientos, lo mismo integran talleres a sus montajes que generan materiales de difusión, imparten periódicamente cursos de formación profesional o participan en symposiums internacionales. La compañía recibió recientemente el Premio a la Excelencia en el Diseño para Escena, en la Cuadrienal de Diseño Escénico de Praga PQ 2019 por el proyecto Las bestias danzan o el sigiloso conjuro de lo salvaje.
Misha Arias de la Cantolla Beneficiario del Programa Compañía Nacional de Teatro del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Egresado de El Foro Teatro Contemporáneo dirigido por el director Ludwik Margules, viaja en 2005 a París para continuar su formación en Panthéâtre ACTS, Escuela Experimental de la Voz dirigida por Enrique Pardo y Linda Wise para ingresar más tarde al Conservatorio Nacional de Arte Dramático de París CNSDA donde tiene como maestros a Nada Strancar, Daniel Mesguich y Mario González. En 2008 participa en el curso intensivo Danza y proceso creativo, con la coreógrafa Ginette Laurin y la compañía O Vértigo en Montreal, Canadá.
En 2010 toma el curso Stage movements as theatrical act, impartido por Jorge Jáuregui y la Compañía Última Vez, en Bruselas, Bélgica. En París participó en los montajes: Jours des morts, de Gabriel Yépez; Sans Transitions, de Teresa Paulín; Vestige-Vertige, de Yelena Valer’evna Moskovich. Actuó en La Thébaïde, de Jean Racine y Antigone, de Robert Garnier dirigida por Nada Strancar. En Irán se presenta con la obra A la recherche de la naissance et de la disparition de Mammouth, dirigida por Ali Razi. En cine participa en Malika s’est envolée, cortometraje de Jean Paul Civeyrac. Participa en la serie televisiva Engrenages saison 3, dirigida por Manuel Boursinhac y Jean Marc Brondolo, y en Clara s’en va mourir, telefilme realizado por Virgine Wagon para ARTE.
Nicolás Poggi. Artista, investigador y creador. Estudió Artes en el Instituto Patagónico de las Artes en General Roca, Argentina; y danza contemporánea en Bahía Blanca, Argentina. Ha colaborado como intérprete con coreógrafos argentinos y de otros países. Realizó las residencias artísticas OMI Dance Collective en Nueva York, 2011; y Bienal de Fortaleza en Brasil, 2011.
Fue docente e investigador en el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Argentina; en el Museo de Arte Contemporáneo (MACRO) de Rosario, Argentina; y en la Universidad Nacional de Arte (UNA), Argentina. Coordinó la residencia artística La práctica relacional, en el Instituto Patagónico de las Artes en 2016. En México trabajó como coreógrafo e investigador. Impartió clases en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT) de la UNAM, y en la Universidad de las Américas (UDLA), en Puebla.
Algunas de sus piezas son Un poyo rojo; Afuera, reconstrucción de una obra; Mute; Monte; Monstruo salvaje; El bobo; y Boicot. Actualmente se dedica a la investigación e imparte seminarios sobre la práctica relacional.
Laura Agorreca. Se ha desempeñado como actriz, docente, coach, directora de actores y guionista. En el 2000 ingresó a la Universidad Nacional de Arte en Buenos Aires, Argentina. En 2006 fue beneficiada con la beca de formación del Instituto Nacional del Teatro de Argentina en Buenos Aires, en 2007 recibió su título de Licenciada en Actuación con la puesta en escena Alguien de algún modo y por su tesis La escucha resonante. Es actriz en teatro desde 1998 y en cine desde 2003 hasta la fecha. Cursa Danza clásica y contemporánea en la Escuela Metropolitana de Danzas.
Continúa su formación en Gimnasia Consciente (Fedora Aberastury), por más de nueve años, método que es pilar en su ejercicio y desarrollo artísticos. En 2006 ingresó a la Escuela de Cine CIEVYC, donde desarrolla su escritura dramática y, al mismo tiempo, inicia su labor docente en el ámbito privado y, en el ámbito público, siendo nombrada en UNA (Universidad Nacional del Arte) en las cátedras II, III y IV de Entrenamiento Corporal del Actor. Paralelamente a su desarrollo como actriz, imparte jornadas de actuación frente a cámara y dirección de actores, y colabora en procesos creativos de espectáculo y recuperación física de artistas -bailarines y cantantes- en Argentina y Nueva Zelanda. Desde 2011 reside en México donde se desempeña como actriz, dramaturga y directora. Desde 2019 es parte de la Compañía Teatral MalaMadre, junto a Carla Romero y Javiera Nuñez.